Jacob Collier nació el 2 de agosto de 1994 en el norte de Londres, inmerso desde sus primeros pasos en un hogar donde la música era el lenguaje principal. Creció con dos hermanas menores en una familia de músicos, lo que le proporcionó un entorno excepcionalmente fértil para su desarrollo artístico.Su madre, Suzie Collier, es una violinista y profesora de música clásica en la Royal Academy of Music de Londres. Sin embargo, en un giro crucial para su formación, no le impuso clases formales, fomentando en cambio una exploración lúdica y autodidacta del sonido. Este enfoque permitió a Jacob desarrollar una relación innata y experimental con la música, dedicando horas a explorar, armonizar y reimaginar canciones, tocando y experimentando con cualquier superficie o instrumento a su alcance, desde tambores resonantes hasta cuerdas de violín vibrantes.
A pesar de su posterior educación musical formal en la Royal Academy of Music y The Purcell School, donde estudió piano jazz, Jacob Collier creció sin un conocimiento formal de acordes o lectura musical en sus primeros años. Aprendió a tocar guitarra, piano, bajo y muchos otros instrumentos de oído, confiando en su intuición musical para encontrar su propio sonido original.Esta combinación de un aprendizaje informal y lúdico en la infancia, seguida de una educación formal en jazz, es fundamental para comprender su genio. La libertad inicial de las reglas rígidas le permitió desarrollar una comprensión única e intuitiva de la armonía y el ritmo. Esta base intuitiva fue luego enriquecida y formalizada por sus estudios de jazz, que le proporcionaron el vocabulario teórico y el marco para articular y expandir sus ideas innatas. Esta fusión de la intuición autodidacta y el rigor académico es un factor determinante en su capacidad para romper barreras musicales mientras se mantiene anclado en principios musicales profundos. Le permite "doblar los marcos musicales ancestrales" porque los comprende íntimamente, pero también se siente libre de desafiarlos. Esto hace que su música sea simultáneamente estimulante para los teóricos y atractiva para una audiencia más amplia.
Un Universo Armónico:
El estilo inconfundible de Collier
Jacob Collier es un virtuoso en el sentido más amplio de la palabra, dominando no solo el piano (su principal enfoque académico).) sino también el bajo, la batería, la guitarra, el ukelele, la mandolina, el harpejji y, quizás su instrumento favorito, su propia voz.Su capacidad para interpretar, arreglar y producir todas las partes de sus composiciones lo desarrollaron como un "one-man-band" desde sus inicios con En mi habitación .
La música de Collier es una sinfonía de influencias, desafiando cualquier categorización sencilla. Aunque su formación formal se centró en el jazz, su paleta sonora se extiende al R&B, la música clásica, el gospel, el folk, el pop, el rap e incluso elementos de Gnawa.Él mismo ha expresado que no ve el sentido de etiquetar su música por géneros, buscando activamente "cambiar y empujar" estas fronteras.Sus influencias van desde Bach y Bobby McFerrin hasta Kendrick Lamar, Earth Wind & Fire, Beck y Bjork.Esta postura demuestra una filosofía artística deliberada donde las fronteras de los géneros son vistas como limitaciones artificiales, no como características definitorias. Collier utiliza elementos de varios géneros como un pintor usa colores., seleccionando lo que mejor sirve a su visión expresiva. Este enfoque es la causa directa de la naturaleza ecléctica y menudo polarizadora de sus álbumes, particularmente Djésse vol. 4 , que fue criticado por sus "desconcertantes decisiones de producción" y su "salto de género", pero también elogiado por su cualidad "vigorizante e irreprimible".Esta tensión resalta el desafío y la recompensa de un artista que se niega a ser confinado.
La fascinación de Collier por la armonía lo ha llevado a explorar conceptos profundos y menudo esotéricos, que luego traducen en experiencias musicales accesibles. Uno de los conceptos que popularizó es la "armonía negativa", una teoría desarrollada originalmente por Ernst Levy que explora la inversión de acordes y notas alrededor de un eje central, quizás entre la nota fundamental y su quinta perfecta.Esta técnica permite crear tensiones y resoluciones con una "fuerza igual" pero "emociones opuestas" a la armonía tradicional, inyectando imprevisibilidad e intriga en sus composiciones.Collier la utilización de forma selectiva, guiada por el juicio estético y el sentimiento musical, no por una adhesión rígida a las reglas.Un ejemplo de su aplicación se encuentra en su reinterpretación de "Surfer Girl" de The Beach Boys, donde utiliza progresiones de acordes que se mueven cromáticamente, explicadas a través de un sistema hexagónico.Este enfoque de la armonía, donde la "dirección armónica" es tan importante como los acordes individuales, le permite contar historias emocionales complejas a través de la música.
Para Collier, cada tono tiene un color distinto, y jugar con microtonos añade riqueza a sus composiciones.La forma en que Collier aborda conceptos teóricos complejos como la armonía negativa y la microtonalidad no es puramente académica. Él ve la armonía como "la forma en que se siente una melodía" o un método para "inyectar emoción a la melodía".Esto sugiere que sus exploraciones teóricas no son un fin en sí mismas, sino un medio para un propósito expresivo y narrativo más profundo.El concepto de la armonía negativa que crea "emociones opuestas" apoya directamente esta idea.Esto implica que las innovaciones musicales de Collier están impulsadas principalmente por un deseo artístico de expandir la paleta emocional y las posibilidades narrativas de la música, en lugar de simplemente mostrar destreza técnica. Su "empuje de límites"no es por novedad, sino por una comunicación emocional más rica, haciendo que su música compleja sea accesible a un nivel experiencial, incluso si los fundamentos teóricos están más allá del oyente promedio. Esta es una razón clave por la que su música resuena con una amplia audiencia a pesar de su complejidad.
Su fascinación por el ritmo es tan profunda como la de la armonía. Ha explorado la superposición de ritmos complejos, como tocar 4 y 7 simultáneamente con diferentes manos, o 3, 4 y 5.Esta búsqueda continua de independencia rítmica y comprensión es central en su mundo musical.Collier ha creado "sistemas" propios para comprender la armonía y ha dedicado mucho tiempo a explorar los sonidos armónicos y rítmicos, sintiendo el efecto de su movimiento entre sí, lo que considera más importante que perfeccionar una técnica.
La Saga Djesse:
Una Odisea Musical en Cuatro Volúmenes
Antes de la monumental saga Djesse , el álbum debut In My Room (2016) fue un hito que sentó las bases para la ambición de sus proyectos posteriores. Grabado y producido enteramente por Collier en su habitación, demostrando su capacidad como "one-man-band" y su visión musical única, fusionando elementos microtonales y folk.Este álbum le valió dos Premios Grammy en 2017 por sus arreglos de "Flintstones" y "You and I" de Stevie Wonder, marcando el inicio de su notable trayectoria en los premios.Anunciada en 2018, la serie Djesse fue concebida como un proyecto monumental de cuatro volúmenes, cada uno representando una parte del día y explorando un universo sonoro distinto, culminando en una "gran final que combina todos los elementos anteriores y mucho más".Esta serie es la manifestación de su deseo de "abarcar todos los géneros".
La serie Djesse , especialmente sus volúmenes más recientes, revela una tensión recurrente entre la ambición y la cohesión. Si bien es elogiada por su audacia, producción y mezcla de géneros., los volúmenes posteriores recibieron críticas por ser "abrumadores", "excesivos", "incoherentes" o "carentes de enfoque".Esto sugiere que la creatividad ilimitada de Collier y su deseo de incorporar "todos los géneros bajo el sol"a veces pueden llevar a una pérdida de intimidadoa una experiencia auditiva disonante para algunos oyentes.La naturaleza "imposible de interpretar" de algunas pistasSubraya aún más este punto. Esto tiene una implicación más amplia para los artistas que llevan los límites artísticos al extremo. Si bien tal ambición puede conducir a un trabajo innovador y obtener elogios de la crítica (como las nominaciones al Grammy por Álbum del Año).), también corre el riesgo de alienar a segmentos de la audiencia que buscan una coherencia más tradicional o una emocional inmediata. El viaje de Collier con Djesse ilustra el desafío de equilibrar el maximalismo artístico con la accesibilidad para el oyente, sugiriendo que incluso el genio tiene sus límites en la capacidad de absorción de la audiencia. También insinúa una tendencia potencial en la música contemporánea, donde los artistas, empoderados por la tecnología, exploran paisajes sonoros cada vez más densos y fluidos en cuanto a géneros, lo que lleva a una recepción crítica y de la audiencia más polarizada.
Colaboraciones y Actuaciones en Vivo: La Interconexión del Genio
La lista de colaboradores de Jacob Collier es tan extensa como variada, abarcando un espectro asombroso de géneros y artistas. Ha trabajado con figuras de renombre mundial como Chris Martin de Coldplay (co-escribiendo y actuando en "Human Heart"), el rapero Stormzy (co-escribiendo y actuando en siete pistas de su álbum de 2022), SZA (co-escribiendo y cantando en el éxito internacional "Good Days"), John Mayer, Hans Zimmer (ayudando a componer las bandas sonoras de Bebé jefe ), Ty Dolla $ign, Daniel Caesar, Tori Kelly, John Legend, Mahalia, Oumou Sangaré, Alicia Keys, Kehlani y Steve Vai.Esta vasta y diversa red de colaboraciones es un testimonio de su fluidez de género y su aceptación en distintos ecosistemas musicales, desde leyendas del jazz hasta estrellas del pop y compositores de cine. Su capacidad para navegar y contribuir a mundos musicales tan diferentes es una consecuencia directa de su estilo que fusiona géneros y su profunda comprensión teórica. Además, su oportunidad de abrir para Herbie Hancock y Chick Corea en el Festival de Jazz de Montreux en 2015.representa un respaldo significativo de gigantes del jazz en una etapa temprana de su carrera.
Las actuaciones en vivo de Jacob Collier son una extensión de su laboratorio creativo. Inicialmente, su gira internacional de "one-man-band" para In My Room lo vio tocar y superponer hasta 12 instrumentos en tiempo real para recrear el mundo sonoro del álbum en el escenario.Este proyecto es posible gracias a una infraestructura de rendimiento en vivo notablemente sofisticada, desarrollada con la ayuda de Ben Bloomberg, un tecnólogo musical del MIT.El sistema, apodado "la criatura", utiliza interfaces de audio RedNet y Red de Focusrite para garantizar una latencia ultrabaja (menos de un milisegundo), lo cual es crítico para el looping en tiempo real, ya que cualquier retraso se amplificaría con cada capa.Un armonizador vocal personalizado, diseñado por Collier y Bloomberg, es el corazón de su capacidad para interpretar armonías de múltiples voces en tiempo real.La tecnología no es solo un accesorio; es un co-creador de su sonido en vivo único. El papel de Ben Bloomberg destaca la intersección de la música y la tecnología avanzada en el trabajo de Collier. La "baja latencia" es un detalle técnico crítico que permite su complejo looping y armonización en tiempo real, explicando cómo logra su sonido de "one-man-band". Esto establece un vínculo causal directo entre la innovación tecnológica y la expresión artística.
Quizás el elemento más distintivo e interactivo de sus espectáculos en vivo es el "coro de la audiencia". Inspirado en las técnicas de Bobby McFerrin, Collier se dirige a la audiencia para que cante armonías complejas en tiempo real, guiándolos con gestos de sus manos y brazos.Comienza con su voz para dar una referencia, y luego mueve a la audiencia hacia arriba y hacia abajo en tonos o semitonos, logrando resultados sorprendentemente musicales.Esta técnica no es solo un truco; es una demostración en vivo de su profunda comprensión de la armonía y la percepción musical colectiva, aprovechando la conciencia musical compartida de la audiencia.La habilidad de Collier como improvisador experto le permite visualizar qué combinaciones de notas sonarían bien y cómo guiar a la multitud para lograr el resultado deseado.La experiencia es tan impactante que ha grabado partes de estos coros de la audiencia en sus álbumes.Además, en un acto de democratización musical, Collier y Native Instruments han lanzado un instrumento virtual gratuito llamado "Jacob Collier Audience Choir", que permite a otros músicos practicar y utilizar esta técnica en sus propias producciones.El coro de la audiencia es una técnica pedagógica y de interpretación sofisticada, que se basa en los métodos de Bobby McFerrin. Aprovecha la conciencia musical colectiva y las habilidades de improvisación de Collier. El lanzamiento del El complemento "Audience Choir" es un acto democratizador, que permite a otros participar en su método único de creación de sonido, extendiendo así su impacto educativo.
Impacto y Legado:
Un Visionario en la Encrucijada Musical
Jacob Collier es reconocido por audiencias, críticos y músicos por igual como uno de los artistas jóvenes más talentosos de los tiempos modernos.Su enfoque innovador de la música y su profunda comprensión de la teoría musical le han ganado una reputación como genio.Ha sido elogiado por figuras como Herbie Hancock, Pat Metheny y el propio Quincy Jones, quienes han atestiguado su impacto. Collier no solo aplica conceptos teóricos complejos; También los hace accesibles a una amplia audiencia. Sus conferencias y clases magistrales, como la que dio para WIRED explicando la armonía a cinco personas con diferentes niveles de conocimiento (incluido Herbie Hancock), son un testimonio de su habilidad para desmitificar la música. Él cree que la teoría y la práctica no son mutuamente excluyentes, sino que la práctica debe "abrazar la teoría".Para él, la música es un lenguaje para contar historias, y la armonía es una forma de "inyectar emoción" en la melodía.Sus talleres y clínicas hacen que sus ideas complejas sean accesibles, fomentando una nueva generación de "oyentes analíticos". Esto establece un vínculo causal directo entre su producción artística y su impacto educativo.
En el ámbito académico, Collier ha provocado discusiones sobre nuevas perspectivas teóricas. Aunque no está desarrollando formalmente una "nueva teoría musical", sus ideas sobre la conducción de voces que "predomina absolutamente sobre la naturaleza de los acordes utilizados" y su visión de los acordes menores como una sucesión de cuartas y los mayores como una sucesión de quintas, desafían las concepciones armónicas tradicionales.Esto sugiere que su enfoque va más allá de la aplicación de la teoría existente; está repensando los fundamentos de cómo se percibe y se construye la música. Su lenguaje musical es lo suficientemente rico como para extraer una pedagogía innovadora, incluso si no se formaliza como una teoría completamente nueva.
El impacto de Collier se extiende más allá de la música en sí. Su perfil en el programa Imagine de la BBC, siendo uno de los participantes más jóvenes en 19 años, subraya la magnitud de su huella en el panorama artístico.Sus planes para futuros proyectos, que incluyen música para piano solo, composiciones orquestales y bandas sonoras de películas, así como un musical del West End sobre Luciano Pavarotti., indican una trayectoria continua de expansión y exploración. La influencia de Jacob Collier en el jazz y la música contemporánea es innegable. Ha redefinido el arte de la narración a través del sonido, empujando los límites armónicos y rítmicos con una creatividad sin igual.Su filosofía de "hacer una vida, no un vivir", inculcada por Quincy Jones, parece ser la brújula que guía su incesante búsqueda de la expresión musical.
Si bien su ambición maximalista en la serie Djesse ha generado tanto asombro como críticas por su densidad, su trabajo ha fomentado una escucha más analítica y ha democratizado herramientas de creación musical a través de innovaciones como el coro de la audiencia virtual. Collier no solo ha demostrado una maestría musical sin precedentes, sino que también ha articulado una filosofía profunda donde la música es un lenguaje para la emoción y la narración, y donde las fronteras de los géneros son meras sugerencias, no barreras. Su legado es el de un artista que no teme experimentar, que abraza la complejidad y que, en última instancia, invita a todos a redescubrir la alegría y el potencial ilimitado del sonido. Su impacto comenzará resonando, inspirando a futuras generaciones de músicos a explorar las vastas e inexploradas fronteras del universo armónico.
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