sábado, 31 de enero de 2009

Inma Ortiz (nota I)



Alternativa / jazz fusión / Pop
Imma es una cantante de extrema sensibilidad, amplio registro y versatilidad, familiarizada con todo tipo de estilos musicales.
En su variado recorrido profesional, destacan numerosas colaboraciones discográficas y la participación en directo con artistas de renombre internacional: Armando Manzanero, Moncho, Jennifer López, Alejandro, Sabina, Tito Valdés…

Ha trabajado en todo tipo de formaciones: rock, blues, jazz, swing, música cubana o salsa, fados y música étnica, y actualmente colabora con los más importantes estudios del circuito de Jingles (publicidad) y producción musical.

Dentro de su experiencia en televisión, ha colaborado en diferentes programas y cadenas como TV3 o Tele5 (Crónicas Marcianas), y actuado EN DIRECTO para La noche Abierta de Pedro Ruíz.
En su faceta de actriz, ha rodado varios spots televisivos, y se ha formado en las mejores escuelas de interpretación de Barcelona: Nancy Tuñón, Cocó Comín (danza, jazz, teatro y claqué).



Inma Ortiz, incursiona en la música de “Mantras Music”

“MANTRA CHILLOUT”
01 . OM MANI PADME HUM
02 . OM MUNI MUNI
03 . OM KLIM CRISTAVE
04 . OM TARE TUTARE
05 . OM SHIVA TUM EH
06 . EL PERDON, UN ACTO DE PODER RELAJACION, VISUALIZACION Y MANTRA

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=88075689

viernes, 30 de enero de 2009

Eva Cassidy *







De antepasados alemanes e irlandeses, la cantante Eva Cassidy, desde muy pequeña mostró interés y talento para la pintura y la música. Su padre y su hermano eran músicos aficionados y ella tuvo como primeras influencias el folk de Bob Dylan, Pete Seeger y Buffy Sainte-Marie. A los nueve años aprendió a tocar la guitarra y comenzó a tocar para amigos y familiares, si bien Eva nunca mostró una ambición profesional. Durante el instituto fue vocalista en una banda local de Washington DC, Stonehenge, y después formó parte de Easy Street, con quienes actuó en varios clubes de la zona. También colaboró con Wild World, The Honeybees y la banda de techno-pop: Method Actor, en la primera mitad de los años 80. Quizás esa ductibilidad para tocar estilos tan distintos como el jazz, el country, el folk, el soul o el pop, dificultaron que alguna casa discográfica importante se fijase en ella en vida.
En 1986 Cassidy conoció a Chris Biondo, ingeniero de sonido, que al saber de sus dotes musicales la animó a grabar sus versiones en estudio y se convirtió en su principal valedor. En 1990 Biondo, también bajista, y Cassidy formaron una banda estable junto a otros miembros y actuaron en clubes de Washington DC, adquiriendo cierta popularidad local. Dos años después, Biondo consiguió hacer llegar a Chuck Brown, renombrado músico de la escena funk y soul con base en la ciudad, una grabación de la voz de Eva. Brown se quedó impresionado y la comparó con Ella Fitzgerald. Ese mismo año Chuck Brown y Eva Cassidy grabaron un disco, "The Other side", que contenía versiones de temas clásicos como "Fever" inmortalizado por Peggy Lee y de artistas como Billie Holiday. El trabajo fue editado por Liaison Records y gozó de buena acogida local, lo que propició que Cassidy recibiera varias ofertas de discográficas para convertirse en cantante solista. Ella las rechazó todas porque le pedían que adaptara su estilo personal a un sonido más pop, y continuó tocando con su banda en locales de la zona durante los años siguientes y viviendo en una granja a las afueras de Washington.
En enero de 1996 salió a la venta: "Live at Blues Alley", un álbum en directo con las mejores canciones que Cassidy solía interpretar en sus actuaciones. Al respecto, The Washington Post publicó que ella "podía cantar cualquier canción y conseguir que fuera la única música que importara". Pese a ello, Cassidy no estaba satisfecha con su voz la noche de la grabación. A continuación, Eva, Biondo y el resto de la banda grabaron nuevas versiones para editar un disco de estudio. En junio del mismo año, durante la promoción de Live at Blues Alley, Eva comenzó a sentir dolor en la cadera. Días después fue diagnosticada de cáncer de piel en fase avanzada. Pese al tratamiento de quimioterapia, falleció el 2 de noviembre a la edad de 33 años. Su última actuación tuvo lugar en septiembre frente a un grupo de amigos para quienes interpretó "What a Wonderful world".
A principios del año siguiente se publicó Eva by heart y Cassidy fue reconocida póstumamente por la Asociación de Música de Washington, como una de las grandes cantantes americanas. En 1998 Blix Street recopiló temas de los tres discos publicados por Eva y lanzó el álbum "Songbird", que permaneció en un segundo plano hasta que en 2000, Terry Wogan, para la BBC británica, comenzó a difundirlo en su programa por recomendación de su productor sin conocer prácticamente la figura de Cassidy, recibiendo pronto numerosas peticiones de los oyentes para escuchar la voz de Eva. El álbum escaló hasta el número 1 en las listas británicas vendiendo más de un millón de copias, y alcanzó estatus de disco de oro en los Estados Unidos, cosechando gran éxito en muchos otros países.
Desde entonces, cuatro recopilatorios más han sido publicados: Time after time (2000), Imagine (2002), American tune (2003) y Wonderful world (2004), todos los cuales llegaron a ser número 1 en el Reino Unido y sumando ventas por encima de los cuatro millones de copias, lo que convierte a Eva Cassidy en una de las artistas que han tenido una carrera póstuma más importante. Su voz es desgarradora y cálida al mismo tiempo, aunque también es cierto que Eva no se puede decir, que fue una cantante pura de Jazz.


Eva Cassidy was born 2 February 1963. Growing up in a musical family on the outskirts of Washington, DC, she sang as a small child and later learned to play the guitar. Even then as a child she had an amazing gift for perfect harmony, and on family outings, she would sing, harmonising perfectly with the music from the car radio. Her father, a teacher of children with learning disabilities and a part-time musician, formed a family band with Eva, her brother Danny, on violin, and himself on bass. She endured school, preferring her own company and, whenever possible, being involved with music and painting.
Eva Cassidy died on 2nd November 1996. She was only 33 years old.

Web Side:
http://www.evacassidy.org/eva/eva.shtml

Marina Albero


Marina Albero - (Jazz / Latin / Nu-Jazz, Pianista) - Barcelona, Spain

Marina Albero was born in Barcelona in 1979 and since her early childhood she has been involved in the world of music. She played traditional and early music with the family band Grallers de Banyoles-Estampida Medieval. At the age of eight she enroled in the public School of Music and studied music and piano, four years later she studied drums with César Martínez and jazz piano with Lluís Escuadra at Taller de Música de Banyoles and kept on working with the family project, which took them twice to Japan and the US between 1992 and 1993.Marina studied music theory at the Conservatorio Isaac Albéniz (Girona) symphonic percussion at the Conservatorio Municipal de Barcelona and took private piano lessons with C.Julià.In 1995 the whole family moved to Cuba and Marina enroled in the Instituto Superior de Arte, where she was taught by Teresita Junco, Ivet Frontela, Guido López-Gavilán, Pancho Amat... During her time in the island she playsed psaltery with the Cuban Rennaissance-style band Ars Longa, she also facilitated them information and instruments, and took part in the Festival Internacional de Coros de Santiago de Cuba (1995) and she also recorded with Silvio Rodríguez.In summer 1996 Estampida S.L. produced the "son cubano" band Barnhabana, conducted by Barbarito Torres ( Grammy's winner with Buenavista Social Club) and went on tour through Catalonia, Spain and Portugal. Marina played the piano. She came back to Cuba and finished her studies in summer 1997. She settled in Spain later that year and combined teaching with her own musical projects, together with the family project. Nowadays she is a member of La Folata, a band with Belgium and Spanish musicians, which delves into old music, specially into Ars Subtilior, and has taken part in several relevant festivals such as the Barcelona Ancient Music Festival and the Bruges Ancient Music Festival. Besides, they have been rewarded in Brussels with the annual prize for talented youth. Albero has collaborated in the last album of "L'Arpeggiata" together with renowned artists such as Christina Pluhar and Pepe Habichuela. She is the leader and composer of her own jazz trio and in 2005, together with Marc Egea and Mariona Sagarra, she founded the experimental music trio "Maram", which has had a great welcomig. She is also a member of the last musical project carried by well-known pianist Chano Domínguez, "New Flamenco Sound".


Anna Maria Jopek







(Nacida el 14 de diciembre de 1970), es una cantautora y pianista polaca. Licenciada en Filosofía por la Universidad de Varsovia. Está casada con Marcin Kydrynski y es madre de dos hijos. Jopek es considerada como la mejor cantante de Jazz polaco del momento y una de las voces europeas más influyentes en este género.

Trayectoria Profesional
Educada en la Academia Chopin de Música de Varsovia y luego en el departamento de Jazz de la Escuela de Música de Manhattan, llega a la fama gracias a su participación en el Festival de la Cación de Eurovisión 1997
con el tema Ale Jestem.
En sus producciones discográficas, Jopek experimenta con estilos diferentes, pero el
Jazz con su particular interpretación hace que se convierta en una de las grandes intérpretes del género en Europa Oriental.
Jopek es elegida internamente por la TVP
para participar en el Festival de Eurovisión 1997 con la canción Ale Jestem (Yo soy) esta sería la tercera participación de Polonia en el certamén. La canción compuesta por Tomasz Lewandowski y Magda Czapińska, de influencias folk obtuvo 54 puntos y termino en la posición 11 de la clasificación final. Su participación en el festival fue el puntapie inicial de su carrera. Su primer disco, titulado homónicamente como su canción eurovisiva, de gran influencia folk, alcanza la cifra de 200000 copias vendidas en su país natal.
En 1999, Anneli Saaristo, hizo un cover de Ale Jestem en lengua finesa titulado Avaruuteen.

Carrera Internacional
La carrera de Jopek a nivel internacional ha sido acotada. Su primer disco editado fuera de Polonia fue Barefoot
(2002), una reedición del albúm Bossa del año 2000.
En 2002 sale a la venta Upojenie, un disco realizado en colaboración con el guitarrista estadounidense de renombre internacional Pat Metheny-
Luego, en 2005 vino Secret su primer trabajo discográfico plenamente en inglés. Este albúm de influencia jazz-bossa, incluye canciones de sus anteriores discos traducidas al inglés y covers de temas reconocidos a nivel internacional. Su primer single es Don't Speak cover de la banda californiana No Doubt.
Con este disco, menos experimental y más pop que los anteriores, Jopek intenta darse a conocer plenamente en el mercado occidental. Gracias a esta producción Jopek ha recibido invitaciones a participar en diversos festivales, principalmente en España.
En 2007
edita su disco Id, que está punto de alcanzar elestatus de disco de Diamante (en Polonia, 50.000 copias de un disco de jazz es diamante).

Discografía

Albúm

1997 Ale jestem
1998 Szeptem
1999 Jasnosłyszenie
1999 Dzisiaj z Betleyem
2000 Bosa
2002 Barefoot
2002 Nienasycenie
2002 Upojenie
2003 Farat
2003 Farat (box) (Incluye: Farat Audio CD, Farat DVD, Z pamięci)
2005 Secret
2005 Niebo
2006 Niebo reedycja (AUDIO y DVD)
2007 ID


Info en: http://anna-maria-jopek.com/en/

Jane Monheit






La joven cantante, Jane Monheit, (1977), comenzó su carrera profesional a los 17 años cuando estudió en la prestigiosa "Manhattan School of Music", donde fue discípula del prestigioso Peter Eldridge, de "The New York Voices". Concursa muy pronto (en 1998, a los veinte años de edad) al premio del instituto vocal Thelonius Monk, en el que queda en segundo lugar tras el veterano Teri Thornton, después de ser evaluada por un jurado en el que se encontraban Dee Dee Bridgewater, Diana Krall y Dianne Reeves.
Su debut discográfico, con el disco "Never Never Land", (N-Codex, 2000), en el que se hace acompañar de figuras como el pianista, Kenny Barron, el baterista, Lewis Nash, el bajista, Ron Carter, el saxofonista alto, Han Crawford o el guitarrista, Bucky Pizarelli, fue saludado por la crítica internacional como la irrupción de una voz capaz de alcanzar las más altas cimas del canto jazzistico. Las canciones del disco tienen diversas procedencias, en una muestra de la pluralidad de registros que la intérprete es capaz de asumir, desde el añorado, Nat King Cole hasta el propio, Duke Ellington, desde la bossa nova a la canción infantil y con el que la cantante quiere recrear su todavía cercana niñez. Jane Monheit, grabó su segundo álbum, titulado "Come Dream With Me" (N-Codex, 2001) en el que desarrolla muchas de las constantes estilísticas apuntadas en su primer disco. De nuevo su mundo infantil, del que no parece querer desarraigarse, surge en el tema: "Somewhere Over the Rainbow" y la música brasileña con "Waters of March" de Antonio Carlos Jobim.
Su tercer y último disco hasta ahora, "In the Sun" (N2K, 2002)mas endeble conceptualmente que los dos anteriores, deja un paréntesis abierto en su carrera que tendrá que consolidar en el futuro. A pesar de su juventud, ya ha participado en numerosas festivales de jazz en todo el mundo y en nuestro país, fue invitada al Festival de Jazz de Málaga de 2002.


Web side: http://www.janemonheitmusic.com/

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Cassandra Wilson


(Jackson, Mississippi, 1955): Fue junto al compositor Craig Street con quien definió un estilo y grabó varios de sus álbumes más exitosos.
Cantante estadounidense de jazz que se convirtió en una de las primeras voces del jazz femenino en los años noventa. Su estilo es la fusión.
Empezó a tocar el piano y la guitarra a los nueve años y trabajó como vocalista a mediados de los setenta, interpretando una amplia gama de material. Tras un año en Nueva Orleans, Wilson se trasladó a Nueva York en 1982 y empezó a trabajar con Dave Holland yAbbey Lincoln
. Tras conocer a Steve Coleman, se convirtió en las principal vocalista del M-Base Collective. Aunque no había realmente sitio para una cantante en los conjuntos de free funk, realizó un buen trabajo en la medida de sus posibilidades. Trabajó con New Air y grabó su primer disco como líder en 1985. Al alcanzar su tercera grabación, protagonizada por estándares, sonaba un poco parecida a Betty Carter. Tras unos discos sin excesiva repercusión, Cassandra cambió de dirección e interpretó un programa acústico de tipo blusístico para Blue Note llamado Blue Light 'Til Dawn. Siguiendo al estela de este trabajo, con el que Wilson había encontrado su estilo, siguió interpretando música de fusión plenamente creativa, entre jazz, el blues, el country y la música folk, y ha llegado incluso a aproximarse a las técnicas del hip hop en su trabajo de 2006 Thunderbird.

Web Side: http://www.cassandrawilson.com/


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jueves, 29 de enero de 2009

Corine Bailey Rae




Corinne Bailey Rae nació el 26 de febrero de 1979 en Leeds, Reino Unido, y es una cantante y compositora Inglesa que publicó su álbum-debut-homónimo "Corinne Bailey Rae" en Febrero de 2006, siendo el éxito del 2006 según la lista de críticos de música ingleses de la BBC, y siendo la cuarta cantante Británica en llegar su álbum-debut al Número 1, como Sophie Ellis-Bextor o Natasha Bedingfield, entre otras, cuyos primeros álbumes llegaron a lo más alto en el Reino Unido. Corinne Bailey Rae nació en Leeds (Reino Unido) de padre de (San Cristóbal y Nevis) y madre Inglesa, ella es la mayor de tres hermanas. Ella sufrió racismo en numerosas ocasiones durante su corta vida, debido a sus orígenes Pakistaníes" Ella dijo sobre esa terrible situación, "Mis hermanas y yo somos diferentes y personas, 'Ah!, no son lindas, las pequeñas niñas chocolateadas', y "Mira a su pelo'". Entonces, gente de otros colegios la gritaban con el insulto "Paki", término racista del Norte de Inglaterra contra los pakistaníes, pero ella no tiene raíces pakistaníes, debido a que su padre es de St. Cristóbal, en el Caribe, y ella replicaba eso. Ella comenzó su carrera musical en el colegio donde estudió violín hasta que cambió de dirección, en el que comenzó con canto: "Comencé a cantar en la iglesia, supongo, pero la gente cree que debió ser una iglesia Gospel como todos, sabes, cosas de negros", ella dice en referencia a sus raíces multirraciales. "Pero no es del todo una iglesia Gospel, porque era una simple iglesia Brethren, de clase media, donde podíamos cantar harmonías todo el domingo. Mi parte favorita del oficio era cuando yo cantaba". Corinne después fue transferida a la Iglesia Baptista, donde cantó en el coro canciones tradicionales. Actuando en la iglesia abrió horizontes para la cantante, y su amor hacia la música se solidificaba cada vez más. En su primera etapa de adolescente le encantaba el grupo Led Zeppelin. Corinne formó un grupo femenino de Pop/ Indie llamado "Helen", inspirado en grupos populares como Veruca Salt o L7. "Fue la primera vez que vi a mujeres con guitarras. Ella estaban muy sexys. Quería ser como ellas, como líder de algo" El grupo causó atención entre el público musical; en el mundo del hombre blanco del mundo Indie, fue el primer grupo multirracial Leeds en cantar Indie. El grupo actuó en shows de Leeds, incluyendo la memorable actuación el el Joseph's Well con el grupo Swift. Después de esto, el grupo fue contratado en la discográfica Inglesa Roadrunner Records UK, pero nunca llegaron a sacar ningún single ni álbum, debido a que una de las miembros del grupo se quedó embarazada, por consiguiente, abandonó la formación, y el grupo se separaró poco después, con la consiguiente desesperación de Corinne porque no sabía qué hacer. En 2005 Corinne consiguió un contrato discográfico con EMI. En Octubre del 2005 publicó su primer single "Like A Star", que debutó en el #34 de las Listas del Reino Unido. Después de este fracaso, EMI y ella meditaron sobre la marcha del disco, y de los temas a escoger para crear el disco. En Marzo del 2006 se publicó el single "Put Your Records On", que fue todo un éxito en las Listas de Ventas Inglesas, llegando al #2, y fue, además, un Hit a nivel internacional, llegando al Top 10 en Nueva Zelanda, Israel, China, España o Argentina, y en Estados Unidos llegó a una posición moderada del #64, consiguiendo que la nominasen a dos Grammy's en la categoría de Canción del Año 2006 y "Disco del Año 2006". Después del éxito de "Put Your Records On" en todo el mundo, llegaría el tercer single "Trouble Sleeping", que tuvo un moderado éxitoen el Reino Unido, llegando al #40, y fracacasando en el resto del mundo. El cuarto single del disco "Corinne Bailey Rae" fue la re-edición de "Like A Star", que sólo mejoró su posición relativamente en el Reino Unido, llegando al #32. En Estados Unidos el single no consiguió llegar al Billboard 50 Singles, conformándose en el puesto #56. En el resto del mundo, fue un fracaso. El quinto single del álbum-debut de Corinne fue "I'd Like To", publicado el 12 de febrero del 2007 en el Reino Unido. El single llegó al #79, siendo la peor posición que Corinne tuvo de un single. A pesar de esto, Corinne consiguió dos Premios MOBO, como la Mejor Artista Nueva de UK, y la Mejor Cantante Femenina de UK. El single "Like A Star" apareció como uno de los temas del capítulo 18 "Ayer" de Anatomía de Grey. Corinne Bailey Rae puede verse en la campaña de la cadena Británica Channel 4 "New Music Month", junto con dos de las cantantes más importantes y de más éxito internacional del Reino Unido que son Sophie Ellis-Bextor, Mutya Buena, y Natasha Bedingfield, y las cantantes de Rap/Dance Lady Sovereign y Tracey Torn, ambas con menos éxito internacional.


Web Side:
www.corinnebaileyrae.net

Robin McKelle






Robin McKelle (Jazz Singer, Piano) - Rochester, New York Estados Unidos
Su primera conexión con el jazz fue cuando tenía 12 ó 13 años.
Estudió piano clásico, tomando clases de jazz con un profesor privado
Su primera banda de jazz la integró en el colegio.
Album debut: Introducing Robin McKelle.
Comparte escenario con famosos artistas: Herbie Hancock, Wayne Shorter, Terence Blanchard, Michael McDonald o Jon Secada
Tras estudiar en la Universidad de Miami y graduarse en el Berklee College of Music, estuvo de gira como corista.
Tras mudarse a Boston, formó su proprio trío y quedó tercera en el "Thelonious Monk Vocal Jazz Competition", abriéndole las puertas del mundo jazzístico.
Eso permitió, por ejemplo, que actuara con la Boston Pops Orchestra, y que su trío fuera invitado para actuar en Nueva York para Bruce Lundvall, alto cargo de Blue Note. Con la intención de mantener el control creativo, Robin McKelle financió las sesiones de su primer trabajo con su propio dinero, consiguiendo después parte de financión del sello Cheap Lullaby Records. Su álbum debut, Introducing Robin McKelle, un canto de amor a las big bands con más swing, fue producido por Willie Murillo (Brian Setzer Orchestra, Aimee Mann, LeAnn Rimes) y editado a finales del 2006 por el sello independiente Cheap Lullaby Records.

Web Side:

http://www.robinmckelle.com/
http://www.myspace.com/robinmckelle
http://www.robinmckelle.fr/ (France)
http://www.robinmckelle.de/ (Germany)

miércoles, 28 de enero de 2009

Maryline Blackburn - M.L.I.N.E.


Maryline Blackburn - (SMYRNA, GEORGIA United States)
European-born African American singer.

SINGER: Pop / Country / R&B / Jazz

Beauty. Charisma. Energy. And a clear, powerful voice that’ll flat knock the earpads off your iPod. Meet Maryline Blackburn. One of those artists who comes along once in a Blue Alaskan Moon and simply personifies the word "Entertainer." Born in Europe, Maryline spent her formative years in Fairbanks , Alaska . In the mid-1980's, she won the Miss Alaska Pageant and then went on to represent Alaska in the Miss America Scholarship Pageant where she was a talent finalist. She is a singer with a wide spectrum of performing experiences. She has performed with and opened for such legends of entertainment as Bob Hope (USO/Department of Defense), Cab & Chris Calloway, The Platters and contemporary icons like Celine Deon, Peabo Bryson, Phyllis Hyman and the group Exile. Maryline has appeared in venues as varied as Barry’s Place in Cancun , Mexico , The Famous Bluebird Café in Nashville , Tennessee , and The Buckboard Country Music Showcase in Marietta , Georgia , where she performed country music classics. She has toured the Ritz-Carlton Hotels nationwide and shared her talents with international audiences in Spain , Argentina , Switzerland , Portugal , England , Ireland , Mexico , Costa Rica , Philippines , Diego Garcia , Honduras , Guatemala , Japan and Russia . Maryline's talents have also made it on to both the large and small screen. She appeared in the movie "Made in Heaven" with Kelly McGillis and Timothy Hutton, Spike Lee's "School Daze" with Laurence Fishburne, as well as the daytime television drama, "Sweet Auburn." Her commercial credits include Ford Motor Company, Gold's Gym, IBM and Chick-fil-A. Her musical style can best be described as progressive, incorporating elements of Urban Contemporary, Mainstream Pop, Country and Western, Old School Romantic R&B, with a touch of the power and deep spiritual intensity of Southern Gospel Music. Maryline's first CD is entitled "Maryline," for which she wrote and composed seven songs. Her second CD -- "Russian Rhapsody" -- (Don't be fooled by the title) is a funky upbeat collection of music that Maryline co-wrote, performed and recorded in Moscow, Russia. Hard to classify, engaging, entertaining, captivating. When you put it all together you have Maryline Blackburn, a consummate professional able to effortlessly meet the entertainment demands of any audience, regardless of the setting, be it an intimate night club or lounge, a concert hall, an arena or a large convention. Once you've heard her voice, you, too, will be a believer in the warmth, energy and uncompromised talent of Maryline Blackburn.


Web Side:


domingo, 25 de enero de 2009

Dianne Reeves


Dianne Reeves, es una de las más importantes cantantes femeninas actuales del jazz.
Nació en la ciudad de Detroit, en el estado de Michigan (Estados Unidos), el 23 de octubre de 1956.
Cuando todavía concurría al colegio, fue descubierta por un músico de jazz (Clark Terry). En su escuela es premiada en una competición celebrada en la ciudad de Denver (Citywidw Big Band). Aquél premio le sirvió para asistir a la conferencia de la National Association of Jazz Educators en Chicago. Es allí donde Terry Clark la escucha durante una conferencia y decide ayudarla.Se puede decir que su carrera se inicia en Los Ángeles en 1976.
* 1978 y 1980, conoce a Billy Childs y comienza una relación artística que durará diez años; con Childs, Dianne aborda el período de desarrollo musical más importante de su vida. Acompaña al grupo Night Flight en el conocido "circuito de las playas" americanas, dándose a conocer en todo el sur de California
* 1981 trabaja con Sergio Mendes y con el compositor Phil Moore. Ya en aquella época recibe los primeros elogios de la crítica y las primeras muestras de reconocimiento del público. Al año siguiente, Dianne y Billy producen su primer álbum para el sello "Palo Alto" titulado: "Welcome To My Love"
* 1986 Reeves, se instala en Nueva York y tras grabar su segundo álbum, en el que se aprecia mucho la influencia de Harry Belafonte: "Fore Every Heart" (Palo Alto) regresa a la costa Oeste donde ambos deciden formar un trío con el que realizan una amplia gira por todos los Estados Unidos.
* 1987 interviene en el concierto "Echoes of Ellington" en Los Ángeles, en homenaje al gran compositor y pianista. Esa noche Bruce Lundvall, presidente de Blue Note Records, está entre el público y tras escucharla la invita a entrar en su discográfica, una decisión que reforzará definitivamente su carrera. Su primer álbum para el sello de la etiqueta azul, "Dianne Reeves" (Blue Note-1987) incluye un arreglo del tema de Ellington: "Better Days" que se convierte en un enorme éxito. Tras el éxito de ésa primera grabación, Dianne inicia una gira por los Estado Unidos y Asia que se prolonga hasta 1989. Sus grabaciones se suceden año tras año y su voz es muy apreciada por los entendidos y el público de Jazz.
* 1991 graba: "I Remember" para Blue Note y el disco permanece durante más de tres meses en la lista de jazz vocal más vendidos de los Estados Unidos. A ése enorme disco le siguen: "Art and Survival" para el sello EMI
* 1994, para Blue Note: "Quiet After The Storm" fue nominado para el Grammy por la mejor interpretación vocal de Jazz. Ya subida en la cresta de la ola, graban un disco con los grandes del jazz entre los que se encuentran: Joe Williams, Clark Terry, Harry "Sweets" Edison, James Moody, Phil Woods, Toots Thielemans, y Kenny Barron. El disco se titula: "The Grand Encounter" y constituyó un enorme éxito. * En el rubro “mejor interpretación vocal de jazz”, ganó cuatro veces el Premio Grammy; en el 2001 con “In the Moment, en el 2002 con “ The Calling”, en el 2003 con “A Little Moonlighy! Y en el 2006 con “Good Nigth, and Good Luck.

Discografía

1977 - Welcome to My Love
1987 - Better Days
1988 - I Remember
1990 - Never Too Far
1991 - Dianne Reeves (same as Better Days)
1993 - Art & Survival
1994 - Quiet After the Storm
1996 - The Grand Encounter
1996 - Palo Alto Sessions
1997 - That Day
1997 - New Morning (live)
1999 - Bridges... produced by George Duke.
2000 - In The Moment (live)
2001 - The Calling: Celebrating Sarah Vaughan
2002 - Best of Dianne Reeves
2003 - A Little Moonlight
2004 - Christmas Time is Here
2005 - Good Night, and Good Luck (Soundtrack)
2008 - When You Know

Cornelia Moore



Cornelia Moore is a voice-paintress. Blessed with an instrument that spans more than four octaves, the singer-composer-lyricist creates a multiplicity of shadings, transforming them into sound paintings that transfer her listeners to a more vulnerable, sensitive and creative world, thus evoking personal images and emotions. With her sensuous treatment of jazz literature, her courage to take risks, and her desire to explore the unknown, Cornelia Moore expresses and reflects all shades of human experience.
The Berlin-based artist studied voice, piano and composition with various teachers, further molding and redefining their concepts into a continuum of self expression. Breathing and voice therapist Margarete Seyd taught Cornelia the potentiality of kinesthetic awareness as the source of tone; songstress Jocelyn B. Smith empowered her with the art of vocal cushioning and texturizing ; and finally, Belcanto tenor Alex Curiotis passed on to Cornelia the Italian tradition of shaping the acoustic spaces of the vowels in order to create beautifully enriched sounds that express the innate emotional content of any language. Guitarist-composer-singer-producer Jean-Paul Bourelly as well as her husband, New York pianist-composer-arranger Reggie Moore gave Cornelia the "jump start" she needed to find her own personal sound. Through curious, relentless introspection, Cornelia has blossomed into a mature, truly inventive artist. She has been leading her own group since 1999. With her debut album "Beyond" (OWMCD 03-1) she is now introducing her music to the international scene.



sábado, 24 de enero de 2009

Gustavo Etchenique


GUSTAVO "cheche" ETCHENIQUE - Uruguay
(Drums Fusión / Acústica / Jazz / Experimental)

* Ha acompañado en conciertos tanto en nuestro país como a nivel internacional a destacados artistas (Jaime Roos, Eduardo Mateo, Laura Canoura, Fernando Cabrera, Daniel Viglietti, Leo Masliah, Hugo Fattoruso,Los Pusilánimes, Jorge Nasser , Rossana Taddei,Martin Buscaglia ,Claudio Taddei, entre otros)
* Como sesionista es convocado a participar en gran cantidad de trabajos discográficos (Jaime Roos, Jorge Galemire, Darnauchans, Dino, Masliah, Canoura, Cabrera, Buscaglia, Mateo, Taddei, Fattoruso, Rada,Magnone,Quintana, Herman Klang, entre otros.


Web Side:

viernes, 23 de enero de 2009

Terry Dexter


R&B / Soul / House / Jazz Fusion

Singer/songwriter has the style and sound reminiscent of the past, a voice with a core of grit and soul dipped in honey sweetness. Her artistry and style was built from the environment of her hometown: Detroit Michigan, otherwise known as Motown. The niece of a Baptist preacher, Terry began her musical journey singing in her uncle’s church. By her early teens this songbird was performing in the regionally known band Tri-Star as well as recording background for artists such as Simply Red. She made her solo debut in 1999 with her critically acclaimed self-titled Warner Bros album that spanned two Billboard singles "Better Than Me" and "Strayed Away". She was then featured on the remix to Eric Benet's number one smash "Spend My Life With You" as well as singing a duet with recording artist Jaheim that appeared on his double platinum album "Ghetto Love". Terry has also appeared on numerous soundtracks such as "Rush Hour", "Bait ", "Deck The Halls" "Bring It On 2" and "Legally Blond" where she was featured along side the "Black Eye Peas;" front man WILL.I.AM who then went on to feature Terry on their underground jam "Lay Me Down" from his "Lost Change" album. Her big screen debut happened in 2003 in the movie "Deliver Us From Eva," where she performed a stirring rendition of "Amazing Grace" in addition to working along side Raphael Saadiq on a feature song which appeared on the adjoining soundtrack. 2005 is what Terry describes as the "Year of the legends". Her mentor Patti Labelle introduced her on the "Tonight Show" as they performed a rendition of"Ain't No Way". The same year Terry was invited to perform on the Hurricane Katrina record "Heart Of America" sharing singing duties with Wynona Judd and Michael McDonald and Eric Benet culminating into live appearances on the "Today Show" and the World Series game three. Always the kind of artist to stretch the envelope, this budding Diva made her introduction to the electronic music world starting with the record "Better Than Me" in 2000 which landed at No. 2 on the Billboard Dance charts and featured two of electronic musics legends Roy Davis Jr. and Hex Hector. Again in 2003 Terry and Roy Davis Jr. would team up again on his critically acclaimed Ubiquity album "Chicago Forever" of which Terry was featured on three songs including the "Billboard" single and Winter Music Conference top ten "If You Wanna." Terry and Roy then went on to release another international release "Wonderin." Coming up for Terry Dexter are 7 new electronic relreases including three new records with Roy Davis Jr. as well as a feature on Steve Hurleys much anticipated house/soul complimation. Terry is also featured on electronic projects spanning from Russia, Holland, New York and Los Angeles. On the gospel tip Terry co-wrote a song featuring Patti Labelle, Mary Mary, and Kanye West featured on Patti Labelles new gospel album. She is also featured on two songs from Image Music Groups' upcoming gospel complimation. Terry is also featured on a song from Paul Taylors critically acclaimed newly released CD. She is also featured on the theme song produced by George Duke from the upcoming Bio movie "Sweetwater" and currently playing the lead role of Tyme opposite Morris Chestnut in the David E. Talbert musical "Love In The Nick Of Tyme". She also has three songs featured in the upcoming Bill Duke movies "Not Easily Broken" and "Cover". There is a also a suprise duet feature that Terry made on a upcoming project which will be released next year ;) Finally On Sept 30 2008 is the release of her new album "Listen".

Web Side:

Jessica Celious


Soul / fusion jazz




Web Side:

jueves, 22 de enero de 2009

Virsaladze Dinara


Jazz / Acústica / Fusión

Virsaladze Dinara (JAZZ PIANIST & COMPOSER)

Born in Tbilisi (Republic of Georgia), studied piano at Tbilisi Music School for Gifted Children and graduated from Tbilisi State Conservatoire (faculty of piano - Professor Tina Gogolashvili, faculty of organ - Professor Eter Mgaloblishvili). After graduating from the Conservatoire she began working in a chamber orchestra as a pianist and harpsichord player under principal conductor Vadim Shubladze. Her career continued as a concert-master at the vocal department of the Conservatoire and with Tbilisi Chamber Orchestra as a harpsichord player, where she also served as a manager. Dini Virsaladze appeared before the audience as a jazz pianist and a composer for the first time in 1993. The same year she participated in Novosibirsk Jazz Festival that significantly changed the life of a young musician. She performed in numerous jazz clubs and cafés and appeared in various TV shows. She was an author and a host of a Jazz TV show on TV channel “Iberia” for some time. In a very short period of time Dini attracted attention of many jazz fans and professional musicians, among them Ms. Ia Akhobadze. “Working at Jazz Club which opened in Tbilisi in 1995, listening to many famous musicians and playing in Jam Sessions with them, significantly enriched Dini’s performance, bringing it to perfection. This became obvious at Margarita Festival /Competition in 1996 where Dini was awarded as the best keyboard player. Everyone, who is acquainted with Dini's performance, recognizes her as the first Georgian female jazz musician who occupies an important place in Georgian national history of jazz", wrote Ms. Ia Akhobadze. Composer Nukri Abashidze says: "Dini’s music is characteristic of beautiful melody, rich harmony and high spirituality. She belongs to unique female Jazz musicians and is an exceptional composer, as well as an excellent improvisor and an outstanding performer with unique skills." Since 2003 she has been performing with Tbilisi Big Band under conductor Givi Gachechiladze. Tbilisi Big Band was awarded The Best Big Band 2006 honor in Monte-Carlo in 2006. The board of directors of the Monte-Carlo International Jazz Awards (MCIJA) expressed its special gratitude to Mrs. Dini Virsaladze, a keyboard player, to acknowledge her valuable contribution to the Tbilisi Municipality Concert Orchestra (the Big Band) and for promoting jazz worldwide. Nowadays, Dini plays keyboard at jazz club "Non-Stop" with Lasha Abashmadze - Bass and Nika Abashmadze - Drums and participates in many different concerts at the Tbilisi Conservatoire, Philharmony, Opera house, Rustaveli Theatre and other music halls. In her album "Mysterious" Dini Virasaldze appears together with many musicians. All pieces were composed by her during different periods of time, so they are absolutely unique in style, character and performance. “Voyage” was the first composition written for this album. In "Mysterious" and "March” Dini Virsaladze plays piano and leads vocal. Gia Makharadze, Nodar Ekvtimishvili - bass, David Azirashvili - guitar, Gia Salagishvili, Gia Tetradze - drums, David Japaridze - percussion, Kakha Jagashvili - saxophone, Nukri Abashidze - arranger and composer, are featuring in this album. If you did not know, Dini is a talented artist. Her beautiful paintings have been exhibited at the Museum of the History of Tbilisi “Karvasla”, Art Club “Gircha”, Jazz Club “Atinati”, Art Club “Lost Paradise”, “Underground Theatre” & “House of Jazz”. She has also worked as a model with designer Maka Natsvlishvili between 1994 & 1995.


Web Side:
http://www.myspace.com/jazzdini
http://www.dini-jazz.com/

SARATUSPERSEN - (Indonesia)

Folk / Folk Rock / Música tradicional (Contemporary of ethnic music)

Formed in the beginning of september 2001.
We combine a traditional music instruments : balinesse gamelan such as pamade & kantil, sundanesse such as kendang & suling, african djembe with a modern music instruments (drum, electric bass, violin, bongo, rotothom & percussion)

Web Side:

Cindy Blackman

Born in Ohio and raised in Connecticut, Cindy began her musical career as a New York street performer. She spent three semesters at Berklee College of Music in Boston, Massachusetts and also studied with legendary teacher Alan Dawson. Cindy moved to New York City in the 80's and since that time, she has been seen and heard by millions of people all over the world performing with her own group and during her 11 year stint with retro funk rocker Lenny Kravitz, since 1993. In 1998, Cindy released her first drumming instructional video entitled, "Multiplicity" through Warner Brothers publications. Cindy has been touted as "one of the hottest drummers in the business, by the Star-Gazette and is regarded as one of the top drummers in the world. She is a solid, dependable drummer who can easily move from straight-ahead jazz to rock to funk and back again. She's upheld the backbeat and created texture for a veritable "Who's Who" in jazz: Jackie McLean, Joe Henderson, Don Pullen, Hugh Masekela, Pharaoh Sanders, Sam Rivers, Cassandra Wilson, Angela Bofill, Bill Laswell, Buckethead. In early 2000, Cindy released the latest of her several acclaimed solo albums entitled "Works on Canvas." She released her seventh solo release "Someday" in 2004."Some drummers act, some react. Some keep time, others create it. Cindy Blackman is among the few who can...." says Mike Zwerin of the International Herald Tribune. One listen to her latest release, Works On Canvas (featuring J.D. Allen-Tenor Saxophone, Carlton Holmes-Piano/Fender Rhodes, George Mitchell-Bass) and you'll agree. Talking Drum said, "You can be assured that Ms. Blackman will be around for a long time to come.." She is thunder. She is fire. She is energy. She is passion. She is Cindy Blackman. According to Cindy herself, "The life of music is bigger than all of us."

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miércoles, 21 de enero de 2009

Luis Salinas


Guitarrista y compositor ( 24/06/57) Nació en Monte Grande, Buenos Aires, Argentina.

La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la Guitarra desde muy pequeño, “el gusto por tocar todos los géneros viene de ahí”, explicó. Pese a haber comprado su primera guitarra a los 27 años, esta pasión venía desde la cuna. El lugar que marcaría un antes y un después en su carrera fue “El papagayo”, célebre pub, donde tocó durante ocho años. Es un músico autodidacta, el cual no estudió en ningún conservatorio, gran improvisador, de original capacidad interpretativa. Compartió experiencias con varios grandes del Folklore y del Tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgán.
También tocó con Jaime Torres y grabó un disco de tango con la cantante María Graña. Lleva grabados nueve discos, entre ellos, “Música Argentina 1 y 2” donde tocando la guitarra criolla hizo un recorrido por el folklore y el tango, “Ahí va”, por el que recibió su segundo premio Gardel, en el cual vuelve al sonido eléctrico del latín jazz. "Luis Salinas y amigos en España", se unió en 2004 en Barcelona junto a músicos de la calidad de Tomatito, Horacio Fumero, Oscar Giunta, Javier Colina, Jorge Bonell, Jorge Pardo y Perico Sambeat entre otros.
En mayo de 2006 presentó su cd doble, "Muchas cosas".
Durante su carrera tocó con grandes guitarristas como el mismisimo B. B. King y músicos de la talla de Hermeto Pascoal.


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Claudio Taddei (nota I)


Nació en la ciudad de Minas (Uruguay) el 22/12/1966.

Creció en Suiza, comenzando ya en esa época su actividad musical.
En 1984 recibe el primer premio como solista en el Festival de música de La Paz (Uruguay).
En el 1985 participa del Concurso L'Air du Temps por la composición De Tout Juste Amoureuse, gana el primer premio con una canción interpretada por su hermana, Rossana Taddei, con letra de Carlos Maggi.
Ha interpretado junto a Rossana mucho folclore latinoamericano con autores como Alfredo Zitarrosa, Atahualpa Yupanqui, Violeta Parra y Victor Jara entre otros.
Cuando aún cursaba la Escuela Nacional de Bellas Artes forma el grupo "Camarón Bombay", un trabajo con temas propios y en el que se "hace visible" la influencia del soul y el funky.
En 1990 edita La última tentación de Caperucita Roja (Camarón Bombay).
En 1991 compone y realiza la producción artística y ejecutiva del disco De Minas a París, interpretado por su hermana.
En 1992 se radica en Suiza donde incursiona profesionalmente en la pintura (óleo y acrílicos), montando exposiciones en Ginebra y Lugano.
En 1994 regresa a Uruguay para coproducir "Tu luz violeta" para Rossana y en 1995 edita su primer trabajo como solista llamado "La iguana en el jardín".
En 1995 aparece el maxi simple "Jirafas negras".
En 1997 lleva adelante la producción artística del primer trabajo discográfico del grupo uruguyo La Vela Puerca llamado "Deskarado".
En 1998, "Cebras, nácar y rubí", editado para el sello EMI Music.
En el año 2000 edita "Espantapájaros".
En 2003 "Para el Sur el Norte está lejos" con la participación en la producción artística de Carlos Villavicencio, Juan Cruz Urquiza, Truompeta, Francisco Fattoruso Bajo Sexto, Victor Skorupski Saxo (Alto), Saxo (Tenor), Claudio Gabis Guitarra eléctrica, Nicolás Arnicho Percusión, Rolando Goldman Charango, Claudio Taddei Guitarra Acoustica, electrica y española, Vocales, Tarkas, Coros, Alejandro Moya Bajo, Carlos Villavicencio Keyboards, Redoblante y Programación.

Claudio Taddei es un compositor sin fronteras, de gran carisma, innovador, que no deja de sorprender a su público.

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Angela Johnson


Reared on Motown backbeats, 70s groove bands, and gospel wails, multi-talented artist Angela Johnson has a knack for creating songs that infuse the classic elements of music’s yesteryear into a dynamic and contemporary brew distinctly her own. Her critically-acclaimed solo albums They Don’t Know (2002 Purpose) and Got To Let It Go (2005 Purpose) introduced Angela as a soothing soul singer with a stealth, gut-punching alto and a sensitive songwriter of deceptively simple melodies that moved listeners from romantic sways to back-burning sweats. Her most recent offering, A Woman’s Touch (2008 Purpose) is a single-producer project that furthers Angela’s evolution as an erudite production talent and continues a legacy of female musician/producers not seen since the pioneering days of Patrice Rushen and Angela Winbush. Boasting the crème de la crème of soul and R&B, from Rahsaan Patterson and Eric Roberson to Maysa and Julie Dexter, A Woman’s Touch is more than an indie soul project, it is an industry event unseen since the timeless producer albums of Quincy Jones and Norman Conners. When considered alongside a body of work that includes two solo masterpieces and two highly-hailed group projects as the lead singer of the soul-funk band, Cooly’s Hot Box, Angela’s fifth studio release is a revealing testament to the time and commitment Angela has spent honing her multi-faceted skills to a spit-shined perfection.
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Jenni Alpert


A Pop / Nu Jazz Singer-songwriter.
A Los Angeles native.
Performs and writes on both the piano and guitar.
While attending UCLA, Jenni made her first record of 5 and independently began setting up performances across the U.S and internationally. To date she has toured over 14 countries including: UK, Spain, France, Belgium, Holland, Italy, Germany, India, Nepal, Mexico, and Israel.Earlier this May, Jenni supported Loudon Wainright III in the US. She has also performed with Regina Spektor, Sara Bareilles, and Kaki King among others. In the studio, Jenni has worked with Niko Bolas (mixer), George Massenburg (mastering), Marshall Altman (producer / songwriter), Nathaniel Kunkel (engineer / producer), Steve Greenberg (SCurve / producer), Musicians: Russ Kunkel, Jimmy Paxson, Dean Parks, Carlos Rios, Daryl Johnson, Viktor Krauss, Matt Rollings, and Deron Johnson. Most recently Jenni recorded with Marshall Altman (producer / songwriter) and Jimmy Paxson (drummer / producer).Jenni's music has been featured on 'Lipstick Jungle' (Simple Mood), 'The Real World' (With One Breath), 'CSI Miami' (Breakin Down), and 'The Messengers' (CBS) (Fade Away). Jenni's music has been featured on XM Radio, the BBC in the UK, Desmet Live (NL), PBS (Australia), WXPN, WTMD, WERS, KVRX, KGRL, KVMR, KWMR, WUMB, KANZ (US).Special thanks to Staci Slater (The Talent House), Leslie Beers (Amygdala Music), Aldrex Caparos and Karen Takata (CBS), Brenden Okrent, Seth Saltzman, Sean Devine (ASCAP), Jimmy Paxson, John Lochen (Rosebud Agency), and Matt Messer (EMI).


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martes, 20 de enero de 2009

Marcela Passadore


Marcela Passadore (Acústica / Folk / Jazz /Fusion ), nació en 1967 en Victoria, Entre Ríos, Argentina. En 1987 se radicó en Buenos Aires donde comienza sus estudios de canto. En 1989 realiza su primer grabación discográfica como invitada del grupo El Molino, liderado por Carlos Aguirre e invitada en el primer disco de la cantante Silvia Iriondo. En 1992 lanza su primer LP como solista, "Tibia luna de mayo" (Melopea), producido por Litto Nebbia, donde participan Luis Salinas, Carlos Aguirre, Cesar Franov y Lucho Gonzalez, entre otros. En 1993 integró el grupo Talismán, de Rodolfo Alchourrón. En 1996 formó un duo con el guitarrista y compositor entrerriano Walter Heinze con quien abordó canciones del folklore argentino y del cancionero anónimo español del siglo XV. Compartió escenario como invitada de Liliana Herrero, Lucho Gonzalez, Carlos Aguirre, Adrian Abonizio, Nora Sarmoria, Franco Luciani, Luis Salinas, Silvia Iriondo, Lorena Astudillo, Facundo Bergalli, Alejandro Devries, Oscar Giunta, entre muchos más.
* "Danzas del Viento" es su ultima produccion discografica, producido por Fernando Tarres para Imaginary South.
* Actualmente se encuentra en la pre produccion de de su proximo CD "Santa Cecilia".


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domingo, 18 de enero de 2009

Ania Paz



Ania Paz , pianista y compositora, es conocida por su sonido moderno y enérgico, impregnado por una fusión innovadora de estilos caribeños y afroperuanos, dentro del idioma del Jazz.
Nació en Lima, Perú, donde comenzó sus estudios musicales a la edad de 4 años y realizó su primera composición a los 6 años. Su pasión por la música la ha llevado a viajar por el mundo y nutrirse de diversas influencias, estudiando tanto música clásica como jazz primero en Alemania y luego en Estados Unidos, donde obtuvo su Maestría, para establecerse finalmente en República Dominicana.
Dirige actualmente en Santo Domingo el Ania Paz Jazz Ensamble, grupo con el que se presentó exitosamente en el XVI Festival Internacional Jazz en Lima, en el Festival Cultural Hermanas Mirabal en Salcedo, y abrió la presentación de Gato Barbieri en Santo Domingo.
Ha participado además en diversos festivales internacionales y conciertos de jazz como el TCI Jazz Festival de San José, California; el Colonial Jazz Festival en Santo Domingo; el Festival Jazz Astwood; así como en clubs de jazz, auditorios y principales programas de televisión de República Dominicana, Perú, Alemania, España, y Estados Unidos, como por ejemplo Jazz Zone (Lima), Cinemacafe (Santo Domingo), Danny´s Skylight Room, Many´s Place y St Peter Church (Nueva York).
Dentro de los músicos que han acompañado a Ania Paz se encuentran Bobby Sanabria, Vince Cherico, Harvy Swartz, Renato Toms, David Frazier y Phil Hawkins entre otros.
Como compositora, ha recibido recientemente el premio en categoría Canción en el Festival Claro de Lima con su tema “Hoy te amo”, donde participó como compositora y pianista junto a la cantante Daniela Ghersi; y el premio de composición José Reyes de la Secretaría de Cultura en el género sinfónica con la composición “San Francisco”, obra que será interpretada por la Orquesta Sinfónica de Santo Domingo. Además ha recibido premios en el concurso de composición de jazz de Casa de Teatro, donde Michael Camilo y Juan Luis Guerra fueron parte del jurado; y en la USA Songwriting Competition. Recibió por otro lado una carta de felicitación del Director de Monumentos de la ciudad de Santo Domingo, mencionando que sus composiciones “elevan el nivel cultural del pueblo dominicano”. Sus composiciones abarcan desde formatos pequeños instrumentales y canciones, hasta temas para Big Band y Orquesta Sinfónica.
Ha producido los CDs Festejo Dominicano, Ania Paz Jazz Ensamble, Meta Arará y Una mujer feliz, así cómo el DVD de su participación en vivo en el XVI Festival Internacional Jazz en Lima. Estas producciones son presentadas regularmente en estaciones de radio de Estados Unidos, Bélgica, Inglaterra, República Dominicana, Guadalupe, Panamá, Puerto Rico y Perú. Además su composición Acoso fue seleccionada para la compilación actual de jazzistas producida por TDV Media & Entertainment.
Como educadora, ha impartido clases y clases maestras en Universidades y Escuelas de Música de Alemania, Estados Unidos y República Dominicana; ha realizado reformas en el Pensum del Departamento Folclórico del Conservatorio Nacional de Música en Santo Domingo; elaboró el Pensum de Jazzymas; y ha escrito diversos métodos para lograr un eficiente y rápido aprendizaje del jazz y los estilos de música moderna.
Dentro del campo de la investigación, presentó una ponencia sobre la influencia de ritmos africanos en el continente americano en la conferencia ALARA –Afro Latin and American Research Association -, recibiendo como resultado una placa de reconocimiento de la University of Missouri-Columbia; y fue colaboradora en el libro The music of Francis Poulenc publicado por la Oxford University Press.

“…La pianista y jazzista Ania Paz está a la cabeza de uno de los grupos más populares con que cuenta la República Dominicana”... “Particularmente, llama la atención la destreza con que esta hermosa músico... ejecuta el piano, adentrándose en la interpretación de complicadas piezas musicales… despertando el interés del público que acude masivamente a cada una de sus presentaciones”….
Freddy Bautista, TEVE, Revista de espectáculos de Puerto Rico

©Ania Paz 1994-2008 - All rights reserved


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sábado, 17 de enero de 2009

Ruben Rada



Ruben Rada (16 de Julio de 1943 – Montevideo, Uruguay)
Compositor, Cantante y Percusionista.
Nacido en el Barrio Palermo de la ciudad de Montevideo, es conocido por admiradores y amigos como el Negro Rada. (Durante sus primeros años de edad tenía el seudónimo de Zapatito, ya que a los 12 años ya calzaba talla europea N° 43. – Luego a los diecisiete años su seudónimo cambió a Richie Silver donde se desarrollaba en grupos de jazz)Maestro del Candombe, quién ha tenido un gran protagonismo en este estilo musical, fusionándolo con otros géneros como el Jazz, Funk, Pop, Tango, Rock y ritmos característicos de América Latina (El Candombe es característico de Uruguay; es un forma rítmica Afro_uruguaya y que se basa en la percusión de tres tambores, el tambor chico, repique y piano. Este tambor es colgado del hombro del ejecutante, que combina golpes de palo y mano abierta. El Candombe está estrechamente ligado a la comunidad negra del Uruguay).

* A los doce años integraba comparsas de Lubolos, grupos característicos del carnaval uruguayo.A los diecisiete años, cantaba jazz en el grupo Los Hot Blowers (Este grupo de dixiland también estuvo integrado por el conductor y humorista televisivo Cacho De la Cruz, quién tocaba el trombón. Por sus filas pasaron asimismo músicos como Federico García Vigil, Dietrich Orttman, Paco Mañosa, Morís Pardo, Ringo Thielman, Tomás "Chocho" Paolini, Guillermo Facal, Moisés Rouso, Ramón "Bebe" Alfonso, Enrique "Pelo" de Boni, Daniel Lencina y los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso. Esta banda logró cierto reconocimiento regional, logrando editar tres álbumes EP y realizando una extensa gira por territorio chileno.
En las frecuentes presentaciones del grupo, tanto en vivo como por la televisión, Rada se ganó al público no solo por sus dotes musicales sino también por su faceta humorística y bromista, asociada desde aquel entonces con su figura.)


1965 – Forma el grupo “El Kinto”, junto al legendario músico uruguayo Eduardo Mateo.El Kinto es reconocido ampliamente como pionero en ejecutar candombe con instrumentos eléctricos, tumbadoras, batería y, además, crear temas cantados en idioma español. El "Candombe-Beat", era una mezcla de rock, candombe, música brasileña y otros estilos. Se caracterizaron por un espíritu innovador, excelentes arreglos musicales. Las voces eran Rada, Mateo, Urbano Moraes y Walter Cambón.
1969 – Participa en el Festival de la Canción Popular de Rio de Janeiro con el tema Las Manzanas, que fue luego el disco que lo lanzara a la escena internacional1971 - Participa dell grupo Tótem que, a pesar de que editó solo tres long plays y tuvo una trayectoria fugaz (1971 a 1973), se convirtió en una de las bandas más llamativas de la música rock uruguaya desde aquellos momentos hasta la actualidad. La fusión de elementos del rock and roll, la música latina y el candombe, amén de la influencia de autores como Carlos Santana, a la que se unió la particular voz de Rubén Rada, conformaron al grupo como uno de los puntos más altos de la música joven uruguaya, raramente superado desde entonces.
1974 – Junto a Hugo y Osvaldo Fattoruso, participó en las grabaciones del conjunto OPA, con quienes editó el disco "Magic time". Producido en los Estados Unidos, este álbum presentó una música fuertemente influida por el jazz-rock, muy en boga en esos días, incorporando el candombe uruguayo en éste y en los dos trabajos discográficos anteriores de la banda, los cuales fueron muy bien recibidos por la crítica especializada. Años después, ya en Uruguay, grabó junto a OPA otra obra que se tituló "Opa en vivo" y fue editada en 1988.

Ruben Rada Solista
1960 - Como actor cómico, integró la troupe del célebre programa humorístico Telecataplúm, que se transmitió tanto en el Uruguay como en la Argentina
1980 - En la década de 1980 se radicó en Argentina y formó el grupo "La Banda", con el que logró instalarse con cierto éxito en el mercado porteño gracias a canciones condimentadas con el humor particular del artista.Los británicos Paul McCartney y Peter Gabriel y el cantante brasileño Milton Nascimento se cuentan entre sus admiradores. Colaboró con Jon Anderson en su álbum "Deseo" de 1994.
2006 - Lanza el disco "Richie Silver", el cual editó bajo ese seudónimo, retomando una invención de sus primeros años de carrera y grabando con este "alter ego" ritmos estilo soul.2007 - Integra el elenco de una telecomedia de la televisión uruguaya, "La oveja Negra" junto a actores argentinos y uruguayos, interpretando a un músico de vida algo desordenada. Además, grabó un disco en vivo junto a Javier Malosetti en La Trastienda de Buenos Aires editado bajo el nombre de Varsovia.
2008 – Edita Bailongo, un CD que en Uruguay sólo se distribuyó a través de la redes de cobranza Abitab.

*En octubre de 2008 Rada anunció que en 2009 dejará los escenarios.
En una entrevista concedida al diario Clarín de Buenos Aires manifestó: "Tengo 65 años y vengo de cinco shows seguidos. Es mucho. Las notas que emito no tienen la misma nitidez de antes, ya no tengo la potencia para mantener un show de dos horas y media: me voy al falsete o bajo de tono. Eso me revienta: quiero que me recuerden como el negro que hacía piruetas con la voz. Además, soy responsable de 15 o 20 personas, y se hace pesado llevarlo con el canto. Como muchos artistas, estoy metido en la pelea de vender discos y figurar. Ya basta."

DISCOGRAFÍA*Circa 1968 (con El Kinto 1968)
*Las Manzanas (Sondor 33104. 1969)
*Musicación 4 (con El KInto 1970)
*Tótem (con Totem 1971)
*Descarga (con Totem. 1972)
*Rada (1972)
*Camerata Punta del Este (1974)
*S.O.S (1974)
*Radeces (Ayuí/Tacuabé a/e4. 1975)
*Magic time (con Opa. 1977)
*La Banda (1980)
*La Rada (1981)
*En familia (1982)
*La cosa se pone negra (1983)
*Adar Nebur (Orfeo SCO 90746. 1984)
*La Yapla Mata (Orfeo SCO 90800. 1985)
*Siete vidas (1987)
*Botija de mi país (junto a Eduardo mateo. Sondor 44439. 1987)
*Opa en vivo (con Opa 1988)
*Pa´l los Uruguayos (1989)
*Las aventuras de Nebbia/Rada (con Litto Nebbia. 1990)
*Las aventuras de R. Rada y H. Fattoruso (con Hugo Fattoruso. 1991)
*Terapia de murga (1991)
*Físico de rock (1991)
*Concierto por la vida (1992)
*Rada factory (1994)
*Botijas Band con Rubén Rada (1996)
*Montevideo (1996)
*Miscelánea negra (Ayuí / Tacuabé ae166cd. 1997)
*Rada en colores (1998)
*Black (1998)
*Tengo un candombe para Gardel (comp.) (1999)
*Rada para niños (1999)
*Montevideo dos (1999)
*Quién va a cantar (2000)
*Sueños de niño (2001)
*Lo mejor de Rada para niños (2002)
*Alegre caballero (2002)
*Rubenrá (2003)
*Candombe Jazz Tour (2004)
*Rada para niños en vivo (2005)
*Rakatá (2006)
*Richie Silver (2006)
*Varsovia (con Javier Malosetti. 2007)
*Bailongo (2008)

Simples
*Aquel payaso / Las manzanas (CBS 6004)
*Ella no me aceptó pero la orquesta me contrató / No te cases nena (Sondor 50113, 1970)
*Todos hablan por la mañana / Qué me importa (Sondor 50122, 1970)
*El regalito / El mundo está loco loco (junto a Roberto Barry. Sello Errebe 511. 1987)

Reediciones y recopilaciones
*Lo mejor de Rada (Sondor 84542. 1988)
*Lo mejor de Rada vol. I (1993)
*Lo mejor de Rada vol. II (1997)
*Radeces (Ayuí / Tacuabé ae4cd)
*Radeces (Ayuí / Tacuabé pd 2017. 1999)

Web Side:http://www.rada.com.uy/home.htm

FESTIVAL DE JAZZ LAPATAIA (note II)

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FESTIVAL DE JAZZ LAPATAIA
19 y 20 de enero 2009 (Punta del Este, Maldonado, Uruguay)
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Sofía Rei Koutsovitis
Una de las artistas más requeridas en la escena neoyorquina de hoy es de origen argentino. Encanta cuando interpreta en español, portugués o inglés composiciones propias en las que fusiona ritmos sudamericanos con armonías jazzísticas. Es una cantante versátil, que en los últimos dos años recorrió Europa con la orquesta de Maria Schneider, participó de un concierto en homenaje a Mozart en Viena y se presentó en el Carnegie Hall junto a Bobby McFerrin. Ojalá, su álbum debut, la colocó en el Top 10 de 2006 según la Jazz Journalist Association. A la espera de su segundo disco, Sube Azul, que lanzará este semestre, la recibimos en Punta del Este.

Más información:
http://www.sofiamusic.com/www.myspace.com/sofisticatedmusic


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Samuel Torres
"El percusionista se roba el escenario", escribieron en el sitio especializado All About Jazz sobre este artista colombiano. El Boston Globe dijo que su "feroz solo de conga pareciera humanamente imposible", en tanto su colega Richard Bona le elogió la alegría que derrocha al tocar. Aunque su entrenamiento formal fue como percusionista clásico, pronto se sintió atraído por la música latinoamericana y el jazz. Su currículum incluye a Tito Puente, Chick Corea y Michael Brecker. Desde 2002 reside en Nueva York, en 2006 grabó su primer CD, Skin Tones, con auspicioso recibimiento, y el año pasado fue la sensación del Festival de Jazz de Barranquilla en su país natal.

Más datos:
http://www.samueltorres.com/
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Yosvany Terry
Músico, compositor y docente, Terry es de origen cubano pero se ha forjado una carrera en Estados Unidos, donde vive hace una década y ha sido premiado por la fundación Rockefeller por sus investigaciones sobre la influencia afro-caribeña. Recibió las primeras lecciones musicales de su padre Eladio y tocando el saxofón se convirtió en una promesa del jazz en la isla. Un resumen de sus actividades durante los últimos años implica citar a Gonzalo Rubalcaba y su quinteto, el Jeff "Tain" Watts Quartet y el Eddie Palmieri Latin Jazz group, los conciertos con Cassandra Wilson y Steve Coleman, las visitas a Centroamérica y las giras con su propio quinteto llegando hasta Canadá.

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Christian Gálvez
Su discografía como solista consta de seis discos de estudio, el último de ellos, Imaginario, premio Altazor de 2008 en la categoría jazz. Eso no quita que haya colaborado en un centenar de producciones ajenas con artistas locales e internacionales, entre los que destacan Joe Vasconcellos y Freddy Torrealba. El año pasado estuvo lleno de compromisos para Gálvez, con giras por diferentes destinos, junto al Luis Salinas Cuarteto, América contemporánea y Stanley Clarke band. Este chileno es además profesor de la Cátedra de bajo eléctrico de la escuela de música y sonido de UNIACC, y director artístico del sello discográfico PEZ.

Para ampliar información:
http://www.christiangalvez.cl/
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Raynald Colom
Nació en Francia en 1978 y su primer instrumento fue el violín, pero Barcelona terminó siendo su cuna y hoy se destaca como trompetista, haciéndose acreedor a varios reconocimientos de la asociación de Músicos de Jazz y Música Moderna. Ha integrado el sexteto de Perico Sambeat y tocó y grabó junto a Antonio Serrano, Fermín Muguruza, Adrián Iaies, Luis Salinas, Horacio Fumero y José Reinoso. Acompañó a Manu Chao en la gira de Clandestino y participó en la tournée de la European Youth Orchestra. Aparte de estar presentando su trabajo Sketches Of Groove, prepara su nuevo proyecto junto al guitarrista flamenco Chicuelo. Es actualmente parte del jazz de vanguardia en España.En Lapataia se presentará junto al colombiano Samuel Torres y a Osvaldo Fattoruso, un representante de los sonidos de fusión en Uruguay cuya trayectoria no necesita demasiados agregados. También lo acompañará el contrabajista argentino Guillermo Delgado, quien ha integrado el Ernesto Jodos Trío, así como el proyecto Quinteto urbano. En cuanto al joven Labrada, más que una promesa del piano, la revelación del jazz nacional, de intervención cada vez más asidua en nuestros escenarios.
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viernes, 16 de enero de 2009

Hugo Fattoruso & Rey Tambor


Latina / Folk / Jazz


El ritmo afrouruguayo denominado Candombe tiene un papel significativo en la cultura uruguaya de los últimos 200 años. Se crea por el uso de tres tambores: tambor piano, tambor chico y tambor repique. El piano es el más grande en tamaño y el más bajo en afinación, es la base rítmica del Candombe y su función es similar a la de un contrabajo o bajo eléctrico. El chico es el más pequeño en tamaño y el más alto en afinación, oficia de péndulo rítmico de la cuerda. El tambor repique “adorna” el ritmo de Candombe con frases improvisadas. Cada uno de ellos es tocado con una mano abierta y un palo en la otra. La forma básica de la cuerda está integrada por estos tres tambores.
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La forma más pura de Candombe se expone habitualmente los domingos en las calles de Montevideo, donde varios tocadores se encuentran para expresar el lenguaje tan particular de estos tambores. Isla de Flores es la calle principal que une los barrios Cuareim y Ansina, los dos principales grupos que mantienen viva esta raíz. A través del tiempo sus “cuerdas” tocan espontáneamente en esta calle hasta hoy en día (Isla de Flores corre desde la calle Jackson hasta Yaguarón y a partir de ahí hasta Río Branco adquiere el nombre de Carlos Gardel). Mientras la “cuerda” lentamente se abre paso entre las angostas calles de Montevideo, este ritmo contagioso nos arrastra a todos a su paso, rodeada por los vecinos que la acompañan. En intervalos la “cuerda” enciende una fogata para afinar las lonjas. Esta celebración preserva una fuerte tradición uruguaya, y sirve como tierra fértil para la próxima generación de tocadores, como ocurrió con sus padres y ancestros. Informal, y al mismo tiempo formidable en su naturaleza.
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El Candombe evolucionó y continúa haciéndolo. A través de los años muchos compositores dedicaron su inspiración poética y musical a este ritmo. Un individuo que se puede contar en las primeras filas de este movimiento, a pesar de ser de raza blanca, es Hugo Fattoruso, y ahora Rey Tambor.
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Hugo Fattoruso, compositor, arreglador, multiinstrumentista y vocalista, siempre causó un profundo efecto con su música a lo largo y ancho de las costas. Entre sus emprendimientos más conocidos figuran Los Shakers, Opa, Grupo del Cuareim, Los Pusilánimes, Trío Fattoruso y su trabajo como solista. Nacido y criado en Montevideo, Uruguay, hijo de padre y madre inclinados hacia la música, Hugo se inició en el lenguaje musical al mismo tiempo que aprendió a hablar y a caminar. Creciendo en Uruguay y siendo vecino de Argentina y Brasil, estuvo expuesto a una diversidad de matices musicales y ritmos sudamericanos. El ritmo de Candombe es algo que estuvo siempre encendido en su mente y corazón en forma natural, y un ejemplo es este último proyecto: Rey Tambor. Participando en teclados y vocal, se une con estos tres jóvenes tocadores de Candombe, los energéticos Nicolás, Fernando y Diego, que juntos navegan el mar del Candombe hacia nuevas y excitantes fronteras.


Web Side:


Martín DeLeón


Martín DeLeón started his artistic career in the 70’s in Buenos Aires, (Argentina).
During this time, he would sing his own compositions as well as songs by Joan Manuel Serrat and Alberto Cortezat café-concerts with Miguel Saravia (his first sponsor), the group Opus 4, renown guitarist Cacho Tirao and Brazilians Vinicius de Moraes and Maria Creuza, among others.
Martín DeLeón arrived to the United States in 1975 under contract with “Café Latinoamericano” in Manhattan, where he shared the stage with Facundo Cabral, Ginamaria Hidalgo and Maestro Savicas among others.
In 1976 he performed at New York’s Town Hall together with the “Los Chalchaleros,”an Argentinean folklore group, and comedian Luis Landriscina.
In 1978 he held his first concert at the Carnegie Recital Hall with the show “Nueva Canción Latinoamericana.”
Martín DeLeón discovered Tango while closing the show“The Best of Serrat & Cortez” at the Cami Hall in New York. Encouraged by singers like Alberto Castillo, Alberto Podestá and Alberto Echagüe,he now sings Tango almost exclusively, as it reaches deep within his soul and roots.
In 1984 Martín performed throughout the USA with “The Center for the Performing Arts”.
The success of his hit “No Me Llames Extranjero” (Don’t Call me Foreigner)took him to The Astrodome, The Coliseum and The Astroworld of Houston, Texas, being the first Argentinean artist to perform at those venues.
While in New York, he performed at the “Summer Festival” at the World Trade Centerwith artists like Tito Puente, followed by two concerts at the Village Gate with the show “Tango y Candombe” directed by Maestro Jorge López Ruiz.
In 1987, he presented “Tango at The Village Gate” directed by Rodolfo Alchourrón,with guest artist Charlie Palmieri.
In the same year, Martín was chosen by Maestro Astor Piazzola to perform his“María de Buenos Aires”.
Also in 1987 he performed at the United Nations celebrating “100 Years of Gardel”.He was interviewed by PBS, which aired nationwide.
He has also performed at WABC New York Channel 7 in the program “Tiempo”.
In 1992, Martín DeLeón participated in a tribute to Maestro Astor Piazzolaheld in New York with Al Di Meola, Dino Saluzzy, Gary Mulligan and the quintet directed by Maestro Raúl Jaurena.
With Jaurena’s help, he realized his dream to interpret Piazzola’s “María de Buenos Aires”with the Washington Pan-American Symphony Orchestra.
Martín DeLeón returned to Argentina in 1993 sharing the stage with Rubén Juárez, Alba Solís and Raúl Lavié at the “Café Homero”.
In 1994 Martín DeLeón toured Japan for over two months.
In 1995, he toured in Argentina with Raúl Lavié, performing in cities like Cordoba and Bahía Blanca (Martín’s birthplace) where they also performed atTV Channel 9, among other important venues.
The success of the album “Timeless Tango” directed by Maestro Bebu Silvetti and performed by Martín DeLeón, Horacio Salgán, José Colángello, Osvaldo Piro, Cacho Tirao, Omar Valente, among others, prompted the TV show “SoloTango” to requestMartín DeLeon to perform a special for the show.
In 1996 he performed with Maestro Mariano Mores at the piano, for the Jean Cartier de Oro Awards ceremony at the Miami Hilton’s famous "Tropigala Club".
He was named Florida’s "Distinguished Visitor" at the "Festival Argentino" in Miami,where he also performed at the “First Tango Festival”together with Argentino Ledesma, Horacio Deval, Alberto Podestá & Jorge Valdez, receiving the Best New Artist Award.
Martín DeLeón is well known throughout Latin America. In Ecuador, he has performed at the Guayasamín Foundation,the “Casa de la Cultura”, the Argentinean Embassy in Quitoand also at the summit of Latin American Presidents in Guayaquil. Nicaragua and Santo Domingo have also witnessed Martín’s powerful performances.
He was the special guest at the “First Argentinean Week” in Mexico, DF, Poliforum Siqueiros.
In 1999 Martín DeLeón toured Canada as part of the show “Tango Vivo.”
In 2000, DeLeón joined “Tango Dreams,” performing throughout the United States and touring Israel in 2001.
In 2001, he performed Piazzola’s “María de Buenos Aires” once again, in Washington, DC.
That same year, he performed Carlos Gardel in the show “El Dia Que Me Quieras” (The Day when You Love Me) with Los Angeles’ Reading Theater troupe.
He also performed, for over five months, with the show “Beats of Passion” at The Venetian Hotel in Las Vegas, NV.
In 2003, Martín DeLeón performed with “Tango Dreams” and the San Diego Symphony Orchestra in New Mexico as well as The Long Beach Arena in Los Angeles, CA.
In 2005 back on stage at theNational Hispanic Cultural Center in Albuquerque, New Mexicowith Piazzola and Ferrer's “María de Buenos Aires”where Martin performs one of the most important roles of the play.
Since October of 2005 Martín DeLeón has joined "FOREVER TANGO" World Wide Tour.
Martín DeLeón is considered one of the most controversial Argentinean performers.To Martín, there is only one “Tango.” He tries to incorporate songs by new composers with new perspectives into his repertoire,without forgetting the classics he so admires and respects.
Martín DeLeón is true to his art and ideals.He always speaks his mind and shows a Tango without false pretenses, with great admiration and respect for women. His show is one that reflects the world in these ever-changing times.

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Los comienzos de Martín DeLeón se remontan a los años 70 en Buenos Aires, (Argentina) con el movimiento de café-concerts, junto a Miguel Saravia (su primer padrino artístico), Opus 4, Cacho Tirao, Vinicius de Moraes, Maria Creuza, entre otros.
En el año 1975 llega a los Estados Unidos contratado por el “Café Latinoamericano” de Manhattan.
Actuando junto a Facundo Cabral, Ginamaría Hidalgo y el maestro Savicas entre otros.
En ese entonces interpretaba a Serrat, Cortez y temas propios.
En el año 1976 comparte el Town Hall de New York con Los Chalchaleros y Luis Landricina.
1978 realiza su primer concierto en el Carnegie Recital Hall,con la “Nueva Canción Latinoamericana”.
El Tango y Martín se descubrieron mutualmente allá en los 80',cerrando un ciclo de baladas en un recital en el Cami Hall, presentando “Lo mejor de Serrat y Cortez”.
En 1984 realiza una gira por todo el país con el “Center for the Performing Arts”. El éxito y grabación del tema “No me llames extranjero” lo llevan a ser el primer artista Argentino que actúa enel Astrodome de Houston, el Colliseum y Astroworld de la misma ciudad.
A su regreso en New York y se presenta en el "Festival de Verano del World Trade Center" junto a artistas de la talla de Tito Puente, seguido por dos recitales en el no menos famoso Village Gate con el espectáculo “Tango Y Candombe” dirigido por el maestro Jorge López Ruíz
Al año siguiente, 1987, “Tango at the Village Gate” dirigido por Rodolfo Alchourrón presentando como artista invitado a Charlie Palmieri.
Ese año fue elegido por el maestro Astor Piazzolla para hacer “María de Buenos Aires”, también ese año actúa en las Naciones Unidas en los “100 años de Gardel” siendo entrevistado por CBS en un reportaje que se difundió a toda la nación.
Desde ese entonces se dedica al Tango, apadrinado por Alberto Castillo, Alberto Podestá y Alberto Echagüe, actuando como primer artista en el programa “Tiempo” para la cadena WABC Canal 7 de Nueva York.
En el año 1992 en Nueva York, participa de un homenaje al maestro Astor Piazzolla, actuando junto a Al Di Meola, Dino Saluzzi y Gary Mulligan con el Quinteto del maestro Raúl Jaurena.
Gracias al maestro Raúl Jaurena logra realizar su sueño de hacer “María de Buenos Aires” junto a la Panamerican Symphony Orchestra de Washington.
En el año 1994 viaja a Japón donde realiza presentaciones por más de dos meses.
El gran retorno de Martín DeLeón a Argentina se produce en el año 1993, presentándose junto a Rubén Juárez, Alba Solís y Raúl Lavié en Café Homero.En 1995 con Raúl Lavié realizan una gira por el interior del paísabarcando entre otras las ciudades de Córdoba y Bahía Blanca (su ciudad natal)donde participan en programas de televisión en Canal 9 de esa ciudad, cantando a dúo “Balada para un Loco”.
Luego realiza un especial para SoloTango en TV, motivado por la grabación de “Timeless Tango” con el maestro Bebu Silbetti,participando en la grabacion de una colección de 15 CDs de tango. Además de Martín, participaron Horacio Salgán, José Colángello, Osvaldo Piro, Cacho Tirao y Omar Valente, entre otros.
En 1996 se presenta en Miami en el famoso "Club Tropigala" del Hotel Hiltonen la entrega de los Premios Jean Cartier de Oro a las primeras figures del espectáculo Latino,acompañado en el piano por el maestro Mariano Mores. Ese mismo año es nombrado Visitante Ilustre de Florida en el Festival Argentino.También en Miami participa en el Primer Festival del Tango junto a Argentino Ledesma, Horacio Deval, Alberto Podestá y Jorge Valdez entre otras figuras, siendo nombrado Revelación del Festival.
En Latinoamérica Martín DeLeón es una figura reconocida,especialmente en países como Ecuador donde se presentó en la Fundación Guayasamín, y en Casa de la Cultura. Además en la Cumbre de Presidentes Latinoamericanos en Guayaquíl y la Embajada Argentina de Quito.Nicaragua es otro de los países testigos de su avasalladora personalidad.
También fué invitado especial de la Primera Semana Argentina en la ciudad de México, Poliforum Siqueiros.
En 1999 realiza una gira por Canadá como miembro de la compañía “Tango Vivo”.
En el año 2000 se incorpora a “Tango Dreams”, presentándose en numerosas ciudades de los Estados Unidos y realizando una gira por Israel en el año 2001. Ese mismo año, se presenta nuevamente con la ópera “María de Buenos Aires” en Washington, DC. También ese año personifica a Carlos Gardel en “El día que me quieras”con el Teatro Leído de Los Angeles.
En Las Vegas, Nevada actúa por más de cinco meses en elShow “Beats of Passion” C2K del Hotel Venetian.
En el año 2003 se presenta en New México con "Tango Dreams" y la Orquesta Sinfónica de San Diego, show que se repite en el Long Beach Arena en California ese mismo año.
En 2005 se pone nuevamente en escena, esta vez en elNational Hispanic Cultural Center de Albuquerque, New Mexico,la operita de Astor Piazola y Horacio Ferrer “María de Buenos Aires”,donde Martin desempena uno de los roles mas importante de la obra.
Desde Octubre del 2005 Martín DeLeón integra el elenco estable de "FOREVER TANGO"en su gira mundial
Para Martín, el tango es uno solo, y él lucha por mostrar nuevos autores, con propuestas actuales, sin dejar de lado, por supuesto, los clásicos a quienes admira y respeta.
Martín DeLeón es uno de los artistas Argentinos más cuestionados por expresar siempre lo que piensa, y por tratar de mostrar un Tango sin falsos sentimentalismos y respetando siempre a la mujer.
Martín DeLeon, un ser humano comprometido a su arte y a su postura social, presenta un espectáculo de acuerdo a la época y a lo que se esta viviendo en este momento en el mundo.


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