miércoles, 31 de diciembre de 2008

CiCi (Celestine Duke)




CiCi’s (04 de diciembre de 1952), powerful and stunning singing has earned her the title of “First Lady of Jazz” by the Barbados Advocate, a leading newspaper on the island. The list of celebrities who have attended CiCi’s captivating performances includes luminaries such as the late jazz legend Sarah Vaughan and prototypical rocker Mick Jagger.This sultry and soulful singer has performed at the finest venues in Barbados where she’d been enchanting audiences for over 20 years. She has recently won a Cornerstone Award at the Barbados Music Awards, and had previously earned a Music Service Award from the Barbados Tourism Authority in 2004 for her contribution to music on the island.Prior to her recent move to Canada, she performed regularly at the prestigious Sandy Lane Resort with her own jazz band, and she had joined the venerable VSOP Dixieland Jazz Band for a weekly headliner at the Waterfront Café in what had become for many years an island institution for locals and repeat tourists alike.CiCi has also garnered international attention during performances in St. Vincent, St. Lucia, Mustique, Great Britain, and the USA.Serious jazz aficionados will recognize the names of jazz greats CiCi has accompanied, including notables such as the late Ernie Small, Ebe Gilkes, Mike Sealy, Vere Gibson, Nicholas Brancker, Cecil Bascombe and Andre Woodvine.



Akira Jimbo (drums)


Akira Jimbo, también llamado Akira Jinbo (神保 彰, Jinbo Akira?, nacido el 27 de febrero, 1959 en Tokio, Japón) es un japonés freelancer jazz fusion baterista que es famoso por su independencia musical con la batería y por la fusión con baterías electrónicas y acústicas. Dejando a un lado su trabajo en solitario él es además el baterista en la banda Japonesa de jazz fusión Casiopea y también ha participado en varios proyectos con otros músicos como Keiko Matsui, Shambara, y el bajista Brian Bromberg.Es un músico con una notable habilidad técnica y energía, Akira Jimbo se ha convertido en los últimos años en el primer batería japonés que logra una gran fama mundial en los circuitos de clinics. Su asombrosa capacidad ambidiestra y dominio tanto de los sonidos acústicos como electrónicos proporciona siempre unas espectaculares demos.
Akira se hace famoso con el grupo japonés de jazz-fusion Casiopea. Casiopea se formó en 1979 por el guitarrista Issei Noro, el teclista Minoru Mukaiya, el bajista Tetsuo Sakurai y el baterista Takashi Sasaki. El grupo sacó su primer disco en mayo de 1979, una mezcla de jazz y funk con gran energía potenciada por la sección de metales de las estrellas americanas Michael y Randy Brecker y David Sanborn. Akira se incorporó al grupo en 1980, coincidiendo con la aparición el tercer disco, el primero de varios en directo. Akira continuó en el grupo hasta el fin de la década, tiempo durante el cual realizaron tres giras mundiales, apareciendo en Europa por primera vez en 1983.
Los logros de Akira han sido notables desde que empezó a tocar la batería a los 17 años, inspirada por Steve Gadd. Estudió en la Keio University de Tokio y tocó la batería en grandes grupos. Con Casiopea pudo desarrollar ambos talentos, como batería y compositor, en más de una docena de discos. En 1989, Akira y su compañero y brillante bajista Tetsuo Sakurai, abandonan la formación durante varios años. En el año 1996 Akira regresa a Casiopea, trabajando a tiempo parcial, grabando más discos y contribuyendo de nuevo en alguna de las composiciones.
Al dejar Casiopea en 1989, Akira formó el grupo Jimsaku, tocando con Keiko Matsui, Shambara y muchos otros. Durante los años Akira realiza varios discos como solista incluyendo Cotton (1986), Palette (1991), Slow Boat (1992), y Lime Pie (1994). También hizo varios vídeos didácticos titulados Metamorphosis (1992), Pulse (1995), Independence (1998) y Evolution (1999).

martes, 30 de diciembre de 2008

Woody Allen - New Orleans Jazz Band


Woody Allen y la New Orleans Jazz Band protagonizaron el día 29 de Diciembre de 2009, en el teatro Calderón de Valladolid, el primero de los conciertos que ofrecerán en la gira programada por España y en la que visitarán ciudades como Granada, Murcia, Palma de Mallorca y Pamplona, entre otras.
Hasta el teatro Calderón, lleno para disfrutar de la música de la banda en la que Allen, quien previamente recibió la Espiga de Honor de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) toca el clarinete, se acercaron distintas personas del mundo de la política, la cultura y la economía de Valladolid empezando por la Corporación Municipal, encabezada por el alcalde de la ciudad, Javier León de la Riva.


En el escenario y acompañados por una tenue luz, la banda comenzó el concierto minutos después de las 20.30 horas con sus tradicionales sonidos de jazz a los que, según señaló Allen en una intervención ante el público tras la segunda canción, se sumarían temas de estilos vinculados a desfiles o piezas populares con el fin de que el público disfrutara, para lo que lo harían "lo mejor posible".
Interrumpidos en varias ocasiones por los aplausos del público, que se entregó a la interpretación, la banda ofreció una hora y media de concierto en la que los músicos pusieron de manifiesto su complicidad y una casi improvisada manera de interpretar la música y en el que el cineasta de Nueva York, ubicado en primera fila, hizo gala de su tradicional movimiento de pierna durante la interpretación.
Dirigida por Eddy Davis, Woody Allen and his New Orleans Jazz Band nació en 1970 y, "aclamada por la crítica", toca los lunes por la noche en el conocido hotel Carlyle de Nueva York y, hasta hace poco, en el pub Michaels y su última visita a Castilla y León tuvo lugar en 2003 en Salamanca.
La banda, que inició ayer en Valladolid su tercera gira por España, está formada por Eddy Davis, intérprete de banjo; el pianista Conal Fowkes; el cantante y batería John Gill; Simon Wettenhall, trompetista y protagonista de algunos solos de voz y Gregory Cohen, contrabajo; Jerry Zigmont al trombón así como Allen, quien toca el clarinete en algunas de las piezas de su repertorio.


Se hace referencia al artículo publicado en : http://www.europapress.es/

Miriam Chemmoss


The trade routes that link the East-Coast of Africa to the Arabian Peninsula and to Europe represent a cross-fertilization of cultures and a metaphor for the multi-faceted singer and songwriter, Miriam Chemmoss. Miriam was raised in a potent brew of East-African, Middle-Eastern, and European cultures. She spent her formative years between Kenya, Tanzania, Europe and now the US where she came to college in the late 90's. Miriam received classical training in music, and performed at solo and choral competitions as a youth; helping her develop into the disciplined artist she is today. In 2004, Miriam moved to New York City where she would develop her performance skills more as a member of “the Marvalletes Revue” under the direction of original Marvallete, Pam Darden, in a revival of the famous Motown girl group. A year later, she joined the legendary “Soukous Stars” band; experts at Congolese Rumba (Zaiko) (And winners of the 2004 International Reggae and World Music Awards). She carved out a role among the male veterans as the sole female voice on both harmony and lead vocals. In late 2006, she recorded her first commercial single “RUDI”. A Swahili love anthem which literally means, “come back”, “RUDI” is an enchanting classic and has been on top of the charts and countdowns of several radio stations in urban markets all over the world: BBC Radio(UK), SARFM (New York), VOICE OF AMERICA (Washington, DC), Hot 96 FM, KISS FM, CAPITOL FM (KENYA), SANYU FM (Uganda), GHANA CHOICE FM, amongst others. Her vibrant presence and star quality is evident on the video of the international hit “RUDI”. The video has been in rotation on MTV Base, EATV as well as many local and international TV stations since early 2007. As a result of the buzz from her single release; Miriam has been featured in several publications in the US and overseas. She has been called "The Queen of African Urban Music"- (Vibe Magazine, Sept 2007) and has received great reviews for her work from many other publications. When asked where she gets her inspiration, Miriam mentions her own life experiences as well as African singers as her namesake Miriam Makeba, Sade, Tshala Mwana, Angelique Kidjo, Brenda Fassie amongst other influences. As a performer, Miriam brings an eccentric and sultry stage presence. Her music beautifully blends; Afro-funk, Reggae, R&B, Hip-Hop, Soul, Rumba and Zouk- giving her a wide musical audience. Her self-expression as well as her rich cultural background is a breath of fresh air, much needed in the evolving music industry of today. Miriam Chemmoss is currently hitting the road, sharing her music and supporting a range of causes she is passionate about; such as the plight of AIDS orphans in AFRICA, Quality EDUCATION, PEACE and HOPE for those affected by war and other disasters. When she is not performing she is in the studio completing her debut album.

Freddie Hubbard


Freddie Hubbard, (Indianápolis 1938) nació en el seno de una familia de músicos. Practicó el melófono en la "John Hope Junior High School", pero apenas un año después cambio a la trompeta, compatibilizando ese instrumento con el corno francés. En aquella época, trabajo con el grupo "The Contemporaries" y con la banda de los hermanos Montgomery -Wes a la guitarra, Buddy al vibráfono y Monk al bajo eléctrico).
En 1958 se traslado a New York y superada la primera impresión de su visita a la Gran Manzana, tocó en el "Turbo Village" primero con el saxofonista Joe Cameron y después con su propio grupo. En 1959 viajo a San Francisco como miembro de la banda de Sonny Rollins con la que estuvo dos escasos meses. En 1660 estuvo con el octeto de Slide Hampton y el sexteto del trombonista J.J. Johnson y ya entonces era un asiduo de los famosos lunes del "Birdland". Ese mismo año debutó como líder de session grabando para "Blue Note" un álbum de cinco estrellas titulado "Open Sesame" un disco que le permitió franquear la entrada al Olimpo de los grandes de la trompeta y solo con 21 años.
Ese maravilloso debut discográfico le permitió grabar en 1961 con el maestro del saxo tenor Dexter Gordon (Doin't Alright-Blue Note) con Oliver Nelson en otra obra maestra (The Blues and the Abstract Truth-Impulse!) con Quincy Jones (The Quintessence-Impulse) y con el saxo alto, Jackie McLean (Bluesnik-Blue Note) entre otros grandes músicos. Sustituyó a Lee Morgan en los "Jazz Messengers" de Art Blakey permaneciendo tres años en el grupo del maestro de la batería y en algunos círculos jazzisticos de New York, se le empezaba a llamar el "nuevo Miles Davis". En 1966 firma para el sello Atlantic donde dejó un magnifico disco titulado "Baclash" y en 1976 ficha por el sello del productor Cred Taylor "CTI" donde deja algunos títulos magníficos , entre ellos, "Red Clay" un disco que además de lanzar a la popularidad a Freddie Hubbard como a ningún otro músico de jazz, fue una grabación con la que muchos músicos de jazz han crecido influenciados.



Freddie Hubbard, el músico de Jazz ganador del Grammy cuyo estilo influyó en toda una generación de trompetistas y que colaboró con músicos legendarios de la talla de Ornette Coleman, John Coltrane y Sonny Rollins, falleció el lunes 29 de dicembre de 2008, a los 70 años.

Hubbard murió en el Hospital Sherman Oaks de Los Angeles, informó su representante, y también trompetista David Weiss, del New Jazz Composers Octet. Hubbard estaba hospitalizado desde que sufrió un infarto al corazón.

Marco Fumo (Pianist)


Marco Fumo
Americana / Clásica / Jazz


* La excelencia de un Maestro.
Marco Fumo: uno de los mejores intérpretes del repertorio pianístico afro-americana.


MARCO FUMO is considered to be one of the best interpreters of Afro-American piano repertoire. After a satisfying initial career in classical music, Marco carefully studied ea rly Ragtime, analyzing the origins of and influences on early Ragtime piano. The result is a repertoire that embraces a century of literature: from the Cuban Dances of Saumell, Gottschalk and Cervantes up through Gershwin and Duke Ellington, including composers of Ragtime and Stride Piano such as Joplin, Scott, Lamb, Matthews, Morton, Waller, Johnson, Jackson, Smith, and many others.Marco has also studied and been involve in film music composition; he professionally collaborated with Nino Rota and Ennio Morricone for over a decade. Marco Fumo has performed in all major Italian cities and in many major cities through Europe and the US. He has taken part in prestigious festivals of classical and jazz music.Moreover, Marco has played under the baton of N. Rota, D. Renzetti, N. Samale, G. Gaslini, E. Morricone, G. Schuller, E. Intra, and B. Tommaso. He has given première performances of pieces dedicated to him by Rota, Chailly, Gentilucci, Canino, Morricone, and Di Bari.Marco has recorded for RAI, RSI, and Radio Vatican, as well as the Pentaphon, Edi-Pan, Fonit-Cetra, Dynamic, and Soul Note labels.Marco Fumo has taught piano in many conservatories: Matera, Bari, Pescara, Udine and Castelfranco Veneto. At Castelfranco, he concluded a very important experience: a Biennium of specialization in Afro-American Piano Literature. He has also taught Civics Courses of Jazz in Milan for many years through the International Academy of the Arts. He holds seminars and courses in several cities.He has frequently collaborated with researchers and journalists such as M. Piras, S. Zenni, R. Scivales, M. Franco, and F. Fayenz.During the last few years has played in piano duet with Hugo Aisemberg, Kenny Barron, and Enrico Pieranunzi.Since this year is vice-chairman of SIdMA (Italian Society of Afro-American Music)


Web Side: http://www.myspace.com/marcofumo
http://www.youtube.com/fum8ma2

lunes, 29 de diciembre de 2008

Jacqui Naylor

You Don’t Know Jacq is Jacqui Naylor’s seventh recording and highlights new arrangements of the most popular songs from her earlier recordings plus new original music. On this recording, Jacqui showcases her signature “acoustic smashing” technique, singing jazz standards over rock classics or vice versa, like The Gershwins’ “Summertime” over The Allman Brothers’ “Whipping Post” or Rodgers & Hart’s “My Funny Valentine” over AC/DC’s “Back in Black.” Her covers of the new classics are equally represented here with a bossa nova take on REM’s “Losing My Religion,” a gospel-flavored version of The Bee Gees’ disco-era ballad “How Deep is Your Love,” and a Jamaican-infused dance interpretation of The Rolling Stones’ “Miss You.” Of course, no Jacqui Naylor album would be complete without showing her jazz chops; here she revisits the Bill Barnes classic “Something Cool” from her very first CD and writes a swing tune called “This Is The Spot” as a “thank you” to jazz radio stations across the country. Other strong new originals on this recording include the beautiful first single “Celebrate Early and Often,” the optimistic “Dreamin’ Big With You,” and “Rise Up,” which was written to inspire people to vote and is currently featured on YouTube and the Obama/Biden website.
Naylor and her band will tour nationwide and internationally in support of You Don’t Know Jacq. Check out www.jacquinaylor.com/tour.html for the full tour schedule.
“The process, which Ms. Naylor calls ‘acoustic smashing’ marked a turning point in her career, with play on some rock stations.” – Wall Street Journal
“Naylor can serve up classic covers with the best of them, deliver top-draw originals and inspire with the musical marriage she calls ‘acoustic smashing’.”– Jazz Times
“The words and melody are Gershwin’s ‘Summertime’ but the groove is Allman’s ‘Whipping Post.’ Naylor has the chops and sensibility to pull it off.” – New York Magazine
“Jacqui’s ‘acoustic smashing’ of the great American songbook with the classic rock and roll songbook brings both forms to life in a way never heard before.”–
Ken Dashow Q-104 NY

CD: You Don't Know Jacq
Fecha de Lanzamiento: 01 de noviembre de 2008
Disquera:Ruby Star Records


1 How Deep Is Your Love
2 Summertime
3 Celebrate Early and Often
4 Losing My Religion
5 Black Coffee
6 Dreamin' Big With You
7 Thank You Baby
8 Tell Me More and More and Then Some
9 Miss You
10 This Is The Spot
11 Something Cool
12 Shelter
13 Rise Up
14 My Funny Valentine
15 Ain't No Sunshine
16 City By The Bay


WEB SIDE: http://www.jacquinaylor.com/
www.myspace.com/jacquinaylor


sábado, 27 de diciembre de 2008

Jules Day


Jules Day is creating quite a buzz as she bursts onto the L.A. jazz scene with a voice and stage presence that belie her 22 years of age. Jules’s young jazz career has experienced a meteoric rise with regular appearances at Southern California’s top jazz venues including Hollywood’s Catalina Bar & Grill and Culver City’s The Jazz Bakery.
Jules recently found herself not only on the cover of the L.A. Jazz Scene monthly newspaper, but the subject of an in-depth article by publisher Myrna Daniels. Daniels, in the article, noted that she had seen several singers go on to find great success and predicted, “I think Jules Day will one day belong to that select circle of performers.”
Don Heckman, jazz critic for the Los Angeles Times, reviewed Jules’s Hollywood performance as “having the vibe, the enthusiasm, and the sheer irresistibility of a star in the making.” Heckman wrote, “At 21, Day has the blond and slender look of a youthful Diana Krall, but the resemblance stops there. Unlike Krall, whose vocals have always worked best when they flow from her piano playing, Day is a stand-up singer, intimately immersed in her songs, digging into their inner meaning with a constantly surprising sense of emotive maturity.”
Jules was honored to open the Temecula Smooth Jazz Festival with the enviable position as the only female vocalist on the roster.
When it comes to jazz, this Minneapolis native is the real deal with industry roots that include her grandfather, Kyle Peterson, founding the Twin Cities Jazz Society. "I grew up with jazz musicians popping in and out of the house," remembers Jules, "And the voices of Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, June Christy -- to mention a few -- were a part of my early memories."
Immediately upon graduating from an arts magnate high school in St. Paul, Jules relocated to Los Angeles upon being invited to be a member of an internationally renowned music ensemble. Less than a year later, an offer to record her debut CD was too much to resist and Jules spent the remaining teenage year hard at work inside a recording studio.
As a complete package, Jules seems to have it all, but the ace up her sleeve is her extremely palatable and soulful voice with its flawless pitch, remarkable intonation, and subtle phrasing that can put the most inattentive crowd on the edge of their seats.
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Jules Day está creando todo un revuelo mientras se adentra en la escena de jazz de L.A. con una voz y presencia en el escenario que desmienten sus 22 años de edad.
La joven carrera de Jazz de Jules ha experimentado un aumento impresionante con apariciones regulares en las mejores avenidas del jazz de California del sur incluyendo Catalina Barr & Grill y Culiver City’s The Jazz Bakery.
Jules recientemente se encontró a si misma en la portada de L.A. Jazz Scene Monthly. Fue tema de un profundo articulo de Myrna Daniels, la cual comento que había visto varias cantantes triunfar y predijo “yo creo que Jules Day algun día pertenecerá a este selecto circulo de cantantes”
Don Heckman, Crítico de jazz de Los Angeles Times, describió el desempeño de Jules: “tiene la onda, el entusiasmo, y eso irresistible de una estrella en proceso”
“A los 21 años, Day tiene el aspecto de una joven Diana Krall, pero el parecido se detiene alli. A diferencia de Diana Krall, cuya voz siempre ha funcionado mejor mientras toca su piano, Day es una cantante monologuista, inmersa intimamente en sus canciones, escarbando en su significado interior con un sentido constante de madurez emocional”
Jules Day fue Honrada con la apertura del Tecmula Smooth Jazz Festival, teniendo la envidiable posición de la unica cantante femenina en el elenco.
Esta nativa de Minneapolis, tiene raíces en la industria que incluyen a su abuelo Kyle Peterson, que fundo la Twin Cities Jazz Society.
Dice: “yo crecí con el jazz, musicos entrando y saliendo de la casa”
También recuerda Jules: “ y las voces de Ella Fitzegerald, Sara Vaughn, June Cristo (por mencionar algunas) fueron parte de mis primeras memorias”
Inmediatamente luego de graduarse de un instituo de artes en St. Paul, Jules se mudó a Los Angeles luego de ser invitada por un conjunto reconocido internacionalmente.
Menos de un año después, tenía una oferta para grabar un CD "debut". Jules invirtió el resto de su adolescencia trabajando duro en un estudio de grabacion.
Como si fuera un paquete completo, Jules parece tenerlo todo, pero el as bajo la manga es la sabrosa voz con su perfecta afinación, remarcable entonación y sutil fraseado que puede poner al mas atento publico al borde de sus asientos.
(traducción: Actual JAzz)

Web Side: http://www.julieday.org/

viernes, 26 de diciembre de 2008

Keith Jarrett

Keith Jarret (Allentown, Pennsylvania, United States, 8th may 1945)
Aamerican pianist and jazz musician
He’s one of the masters of forefront jazz, whose best production it’s a series of improvised songs recorded live in Colonia, París, Milán, Viena, Tokio etc.
The versatile Ketih has played music from Baroque musicians like Johan Sebastian, batch, Georg Friedrich Händel, alone or in various lineations that include, among others, the virtuous baroque flute of Michala Petri, than contemporary minimalist authors like Arvo Pärt or contemporary jazz players like Miles Davis, who he started his career, Chick Corea, Chick Corea, Jan Garbarek, Gary Peacock, Charlie Haden y Jack DeJohnette amongst others.
Jarret has the reputation of being an excentric perfectionist, and while he plays, uses to vocalize in expressive manners. His musical agent is Steven Cloud.
He started Studying piano when he was just 3 years old, showing immediately big skills.
In 1952 he debuts in a public concert, at the same time he was studying drums, soprano saxophone and vibraphone.
He studied in Berklee School of Music, in boston, where he forms a trio, later he moves to New York, where he records his very first disc with Don Jacoby Orchestra.
Later, he collaborates with Roland Kirk, Tony Scott, and Art Blakey. Since 1965 he is part of the quartet of Charles Lloyd, making that year six tours in Europe and the URSS. The same year he makes a trio with Charlie Haden in doublebass and Paul Motian in drums.
Since 1971 he works along with Miles Davis playing the electronic keyboard, being this the last time he plays this instrument. Then he collaborates with Cary Burton, Jack Dejohnette, adding Dewey Redman in tenor sax to his trio .
In 1976 after working with Gus Nement, Jean François, Jenny-Clark and Aldo Romano, he makes a new quartet in Europe with Jan Garabek in the sax, Palle Danielson in doublebass and Jon Christensen in drums. The same year he records a session of string instruments along with Südfunk Symphony Orchestra.
In 1976 he records as a pianist in the Benedictine abbey of Ottobeuren.
In 2003 he reciebed the Polar Music Prize from the Royal Swedish Academy of Music.

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Keith Jarrett (Allentown, Pennsylvania, Estados Unidos, 8 de mayo de 1945)
Pianista y músico de jazz estadounidense.
Se trata de uno de los maestros del jazz de vanguardia, cuya producción más sobresaliente es una serie de piezas improvisadas grabadas en directo en Colonia, París, Milán, Viena, Tokio y otras ciudades. Probablemente estos sean sus trabajos más famosos, pero es sin duda un enorme virtuoso. Muy versátil, Keith ha interpretado lo mismo música de autores del barroco europeo como Johann Sebastian Bach o Georg Friedrich Händel, solo o en diversas alineaciones que incluyen, entre otros, a la virtuosa de la flauta barroca Michala Petri, que autores minimalistas contemporáneos como Arvo Pärt o jazzistas contemporáneos como Miles Davis, con quien inició propiamente su carrera, Chick Corea, Jan Garbarek, Gary Peacock, Charlie Haden y Jack DeJohnette entre otros.
También interpreta piezas para piano clásico, clavicordio, clavecín y órgano. Ha grabado varios discos de música clásica, interpretando obras de Johann Sebastian Bach, Händel, Mozart y Shocstakovich, entre otros.
Jarrett tiene la reputación de ser un perfeccionista excéntrico y, mientras toca, suele vocalizar de forma expresiva. Su agente musical es Steven Cloud.
Empezó a estudiar piano a los tres años de edad, demostrando inmediatamente grandes aptitudes, en 1952 debuta profesionalmente en un concierto público, al tiempo que estudiaba batería vibráfono y saxo soprano.
Estudió en Berklee School of Music de Boston donde forma un trío, posteriormente se traslada a Nueva York, donde graba su primer disco con la orquesta de Don Jacoby. Posteriormente colabora con Roland Kirk, Tony Scott y Art Blakey. Desde 1965 forma parte del cuarteto de Charles Lloyd, realizando ese año seis giras por Europa y Unión Soviética. Ese mismo año forma un trío con Charlie Haden en contrabajo y Paul Motian en batería.
A partir de 1971 trabaja junto a Miles Davis tocando en teclado electrónico, siendo ésta la última vez que utiliza dicho instrumento. Luego colabora Gary Burton, Jack Dejohnette, añade a su trío a Dewey Redman en saxo tenor.
En 1974 después de trabajar con Gus Nement, Jean François Jenny-Clark y Aldo Romano, crea un nuevo cuarteto en Europa con Jan Garbarek en saxofón, Palle Danielson en contrabajo y Jon Christensen en batería. ese mismo año graba junto a Südfunk Symphony Orchestra una sesión de instrumentos de cuerda.
En 1976 graba como organista en la abadía benedictina de Ottobeuren
En el año 2003 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música.

Lisa Nilsson


Lisa Nilsson (born August 13, 1970, in Tyresö) is a Swedish singer. She is perhaps best known in Sweden for her 1992 hit, Himlen runt hörnet, produced by Mauro Scocco and Johan Ekelund. It was released in English in 1995, titled Ticket to Heaven. She has released four subsequent albums, Till Morelia in 1995, Viva in 2000, Små rum in 2002 and Hotel Vermont 609 in 2006, all in Swedish. A greatest hits compilation, Samlade sånger followed in 2003 and contained two new songs. Prior to Himlen runt hörnet she had released two English language albums, Lean On Love in 1989 and Indestructible in 1991.
Nilsson's style ranges from out and out pop music to soul-inflected ballads and dance tracks on her earlier albums to a more mature jazz feel in her more recent work, perhaps reflecting familial connections as her father Gösta Nilsson is a jazz pianist.
In 2002 she moved into acting with appearances in the Swedish TV sitcom, Cleo and a role in the Swedish film Paradiset made by British-born director Colin Nutley.

jueves, 25 de diciembre de 2008

Marilyn Crispell


Marilyn Crispell (born March 30, 1947 in Philadelphia, Pennsylvania) is an American jazz pianist and composer.
Crispell studied classical piano and composition at the New England Conservatory of Music. She has been a resident of Woodstock (town), New York since 1977 when she came to study and teach at Karl Berger's Creative Music Studio. She discovered jazz through the music of John Coltrane, Cecil Taylor and other contemporary jazz players and composers as Paul Bley and Leo Smith. For ten years she was a member Anthony Braxton's Quartet and the Reggie Workman Ensemble. She has been a member of the Barry Guy New Orchestra as well as a member of the Henry Grimes Trio, the Europea Quartet Noir (with Urs Leimgruber, Fritz Hauser and Joelle Leandre), and Anders Jormin's Bortom Quintet. In 2005 she performed and recorded with the NOW Orchestra in Vancouver, Canada and in 2006 she was co-director of the Vancouver Creative Music Institute and a faculty member at the Banff Centre International Workshop in Jazz.
Crispell has performed and recorded as a soloist and leader of her own groups. She has also performed and recorded music by contemporary composers John Cage, Pauline Oliveros, Robert Cogan, Pozzi Escot, Manfred Niehaus and Anthony Davis (including his opera "X" with the New York City Opera).
In addition to playing, she has taught improvisation workshops and given lecture/demonstrations at universities and art centers in the U.S., Europe, Canada and New Zealand, and has collaborated with videographers, filmmakers, dancers and poets. She received a 2005 Guggenheim Fellowship.
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* Entrevista realizada el 15 de Mayo de 2008
Toma Jazz Perfiles ( nota en español )

http://www.tomajazz.com/perfiles/crispell_entrevista.htm





martes, 23 de diciembre de 2008

Brad Mehldau


Mehldau nació en Florida en 1970, se crió en West Hartford, Connecticut y se graduó del instituto público Hall en 1988. Empezó a tocar el piano a la temprana edad de seis años y descubrió el actual jazz a los doce años, cuando un amigo le puso una grabación en directo de John Coltrane. El álbum en solitario de Keith Jarrett Solo Concerts (Bremen/Lausanne) fue otra de sus primeras influencias, así como Bud Powell, Thelonious Monk y Charlie Parker. Comenzó luego a tocar en la banda de jazz de su instituto. El primer disco de jazz que se compró fue el Blue Train de Coltrane.
Mehldau se mudó a Nueva York en 1988 para estudiar jazz en la Universidad The New School, bajo la supervisión de Fred Hersch, Junior Mance y Kenny Werner, tocando además con Jackie McLean y Jimmy Cobb.
Más tarde tocó como acompañante con una gran variedad de músicos, como el conocido cuarteto de Joshua Redman, antes de formar su propio trío en 1994.
Mehldau interpreta tanto composiciones originales como clásicos de jazz y música popular. También tiene un gusto particular por la música de Radiohead y Los Beatles. Se le conoce principalmente por ser el líder del Brad Mehldau Trio, junto al bajista Larry Grenadier y el baterista Jorge Rossy y Jeff Ballard (que sucedió a Rossy en el 2005).
Ha tocado y grabado también discos como solista y compartiendo el liderato junto a Peter Bernstein, Mark Turner, Charlie Haden y algunos más. En 2004, Mehldau estuvo de gira con Kurt Rosenwinkel y Joshua Redman.
Mehldau es comparado en ocasiones con Bill Evans, aunque a él no le agrada dicha comparación y explica por qué en el apartado de notas de su álbum The Art of the Trio IV. También es comparado con Keith Jarrett, aunque él describe el trabajo en solitario de Jarrett como una inspiración más que como influencia. Otras influencias citadas por él mismo son Miles Davis, Larry Goldings, Kurt Rosenwinkel, Jesse Davis, David Sanchez y otros miembros de su propio trío. Con formación clásica a sus espaldas, Mehldau es capaz de sorprendernos a menudo tocando melodías separadas, una con cada mano, con compases tan poco usuales como 5/4 y 7/4.

Discografía
Introducing Brad Mehldau (1995)
The Art of the Trio (1996)
The Art of the Trio II — Live At The Village Vanguard (1997)
The Art of the Trio III — Songs (1998)
Elegiac Cycle (1999)
The Art of the Trio IV — Back At The Vanguard (1999)
Places (2000)
The Art of the Trio V — Progression (2001)
Largo (2002)
Anything Goes (2004)
Live in Tokyo — Solo Piano (2004)
Day is Done (Trio) (2005)

domingo, 21 de diciembre de 2008

Barbara Bürkle (Germany)


Voices Now - the brussels int. Young Jazz singers - 4Th edition, December 2008


The Winners 2008
First Prize
"Barbara Bürkle" (Germany)

Barbara started her vocal studies at the Academy for Music in Mannheim. Later, she worked with a.o. jazz singers Sheila Jordan, Judy Niemack, Rachel Gould, Norma Winstone. She toured with several bands (England, Italy, South Africa...) with her own quintet. She won in 2007 the “7th International Choral Ensemble Competition” in Taiwan. She recorded “A tribute to Cole Porter” in 2008.-

Link #1: http://www.themusicvillage.com/Pages/program/ProgSINGERS/singers2008s1.html

Link #2: http://www.jazzinbelgium.com/event/id=12866

Link #3: http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewProfile&friendID=275586993

Actual Jazz

jueves, 18 de diciembre de 2008

Luba Mason



Luba Mason, Jazz vocalist and wife of Latin superstar Ruben Blades, has recently record her album “Krazy Love” and combines contemporary crossover jazz vocals with Luba’s love for the music of Brazil. KRAZY LOVE is set for release January 27, 2009, by Sunnyside Records.
“A powerfully emotional song interpreter” (All Music Guide)
"Mason is blessed with “A celestial voice” (Los Angeles Times)
and genuine incandescence that draws unsolicited attraction when she enters a room. It’s not simply the tall blonde’s Slovak beauty, but her electrifying musical blending of Latin and Jazz rhythms mixed with the raw emotionality of folk and pop.
In her upcoming CD, KRAZY LOVE, Luba executes a “cool, Brazilian mood” with an intimate acoustic sound. Enhanced by well-known Brazilian musician Renato Neto on piano & keyboards (also pianist for the legendary musician, Prince), Luba is joined by top-notch bassist Jimmy Haslip (Yellowjackets), percussionist Cassio Duarte, Sandro Albert on guitar and Marco Costa on drums, with guest performances by the world renowned Hubert Laws as well as her husband, Latin great Ruben Blades.

Web Side: http://www.lubamason.com
http://lubamason.typepad.com
Luba Mason quien recientemente participo del musical Chicago en Broadway editará su nuevo disco solista en Enero del 2009.
Titulado "Crazy Love" tiene fecha de salida el 29 de Enero del 2009 en el sello Sunnyside Records y segun notas de Prensa del sello este disco "Combina vocalizaciones de Jazz contemporáneo con la pasion de Mason por la musica del Brazil".
En esta nueva grabación Mason es respaldada por Renato neto en el piano y teclados, Jimmy Haslip en Bajo, Cassio Duarte en percusión, Sandro Albert en guitarras y Marco Costa en la bateria.
Los invitados especiales incluyen a: Hubert Laws y a Ruben Blades esposo de Mason.
Algunos de los titulos son: "Krazy Love," "From Me to You," "Lovely," "A Summer Night," "E Com Esse Que Eu Vou," "Olhos nos Olhos," "This House," "Gorgeous Fool," "Reunion" y "Xmas in July."
Luba Mason ha participado en Broadway de las obras: Chicago, The Capeman, Jekyll & Hyde, How to Succeed in Business Without Really Trying, The Will Rogers Follies, Sid Caesar & Company y Late Nite Comic.
Los creditos en pantalla de Mason incluyen: "Law & Order," "New York Undercover," "One Life to Live," "Another World" y "Scandalous Art." Su disco solista anterior se llamo "Collage."
Nota Actul Jazz

Al Di Meola


Al DiMeola (Jersey City, 22 de julio de 1954), guitarrista estadounidense del actual jazz. DiMeola es uno de los grandes representantes de la fusión jazzística, en su caso tanto con el rock como con las llamadas músicas del mundo, fruto de su interés por otras tradiciones musicales extrañas al ámbito occidental. Es un virtuoso tanto con la guitarra eléctrica como con la acústica.
Algunos datos bio-discográficos DiMeola estudió durante un breve periodo de tiempo en la Berklee School of Music en Boston a comienzos de los años setenta, antes de aceptar en 1974 reemplazar al guitarrista Bill Connors en el grupo de fusión Return to Forever (un grupo que incluía instrumentalistas como el tecladista Chick Corea y el bajista Stanley Clarke). Con su presencia, el grupo obtuvo un gran éxito comercial, con discos como Where Have I Known Before, de 1974; No Mystery, de 1975, y Romantic Warrior de 1976, que llevó a que DiMeola iniciase carrera en solitario.
Su carrera está jalonada brillantes ejemplos de discos de jazz fusión basados en la guitarra: 1976: Land of the Midnight Sun, 1977: Elegant Gypsy y Casino, 1979: Splendido Hotel. Obtuvo gran repercusión musical el trío que formó con otros dos gigantes de la guitarra, John McLaughlin y Paco de Lucía, para grabar en 1980 Friday Night in San Francisco. A lo largo de los años 80 y 90, Di Meola aumentó su prestigio, tocando con artistas como Paul Simon, Jean Luc Ponty, Stanley Jordan, Corea, Clarke, de Lucía, y McLaughlin. Durante los 90, Di Meola se concentró en la guitarra acústica para abordar las llamadas músicas del mundo (World Music).

Discografía

1976: Elegant Gypsy (Columbia)
1976: Land of the Midnight Sun (Columbia)
1977: Casino (Columbia/Legacy)
1979: Splendido Hotel (Columbia)
1980: Friday Night in San Francisco [live] (Columbia)
1981: Electric Rendezvous (Columbia)
1982: Tour De Force: Live (Columbia)
1983: Scenario (Columbia)
1985: Cielo e Terra (EMI)
1985: Soaring Through a Dream (EMI)
1987: Tirami Su (EMI)
1991: Kiss My Axe (Tomato)
1990: DiMeola Plays Piazzolla (Atlantic)
1990: World Sinfonia (Tomato)
1993: Heart of the Immigrants (Mesa)
1994: Orange and Blue (Bluemoon)
1995: The Rite of Strings Colaboración acústica de con Jean Luc Ponty y Stanley Clarke (Gai Saber)
1998: The Infinite Desire (Telarc)
1999: Christmas: Winter Nights (Telarc)
2000: The Grande Passion: World Sinfonia (Telarc)
2002: Flesh on Flesh (Telarc)
2003: Revisited (Fuel 2000)
2006: Al Di Meola and Friends - Vocal Rendezvous
2006: "Consequences of Chaos"

Neville Brothers


Neville Brothers saxophonist Charles Neville has always added an indefinable something to the family ensemble that no one else can provide: not just his intense spiritual vibe and stunning instrumental virtuosity, but even more a level of musical intelligence which both reflects and expands upon his experience as a skilled player in several musical idioms. Charles, the second oldest Neville brother, has the most diverse musical background. His experience on saxophone has included rhythm & blues, funk, jazz, be-bop, popular and even American Indian music. He cites as influences Louis Jordan, Charlie Parker, John Coltrane, Sonny Rollins and Professor Longhair. He is also the only brother that lived away from New Orleans for long periods of time, making places like New York, Memphis and Oregon his home. The Neville Brother most known for his pursuit of Eastern spiritual knowledge is also the family's keeper of the horn. His brothers affectionately refer to him as "The Horn Man". His saxophone solo won him a Grammy in 1989 for his haunting rendition of Healing Chant on the Yellow Moon CD.



Note: Debbie Borgono (Nassau County, NY)

David Torkanowsky


New Orleans pianist, part of the Crescent City's new guard. A good soloist and decent composer, who was featured a couple of years ago in Rounder series chronicling New Orleans's jazz youngbloods. Better known within the Crescent City than by the jazz audience as a whole. ~ Ron Wynn, All Music Guide.
Style: Jazz, Modern Creative, Neo-Bop, Post-Bop


Note: Debbie Borgono (Nassau County, NY)

miércoles, 17 de diciembre de 2008

Geri Allen


Geri Allen es una de las grandes pianistas de jazz de finales del siglo XX y tiene todo a su favor para ser, en este incipiente Siglo XXI, una de las grandes referencias del jazz. Miembro del colectivo musical "M-Base", en 1994 ingresó en el cuarteto de Ornette Coleman siendo la primera pianista que Ornette, contrató en más de treinta años. Los programadores de Jazz at Lincoln Center le encargaron la obra: "Sister Leola, An American Portrait" todo un compendio musical moderno, brillante y creativo. A pesar de su juventud, posee ya una amplia discografía en Blue Note y Verve, de la que cabe destacar por su extraordinaria calidad, el álbum: "Maroons" (Blue Note, 1992)
Escuchar a esta pianista de jazz es descubrir el verdadero significado del arte en el piano de jazz. Con una capacidad técnica asombrosa, Geri Allen se ha ganado a pulso la consideración de ser una de las grandes pianistas del jazz contemporáneo. Además lo ha hecho en muy poco tiempo. Su impronta ha impactado en este difícil terreno donde las mujeres instrumentistas son una inmensa minoría. A sus cuarenta y pocos años, Geri Allen ya puede presumir de haber tocado con la flor y nata de los músicos en los géneros más diversos y ha mantenido una carrera intachable creciendo cada año. Geri Allen además está en su mejor momento de madurez. En 2003 se presentó en Madrid con el que ahora es su habitual formato de trío, junto a los hermanos Johnson (Billy al bajo y Mark a la batería), y dejó anonadado a un público que llenaba hasta la bandera el recinto. Lo mejor de todo es que ninguno de los tres tuvo que hacer nada fuera de tono o recurrir al guiño populachero: les bastó con tocar jazz de calidad a un altísimo nivel.
Geri Allen, lo mismo asume tocar en formato pequeño con un criterio muy formado de lo que es el trío, o lo hace a piano solo y entonces el lirismo de su música lo impregna todo. Y lo importante es que lo hace acumulando un derroche de swing inagotable.


lunes, 15 de diciembre de 2008

OSCAR PETERSON (Pianista)



Oscar Peterson, es algo más que un pianista síntesis entre Art Tatum y Bud Powell, como muchas biografías lo encasillan. Es evidente que además de eso, mas los influjos de Hank Jones, George Shearing y James P. Johnson, dan un pianista con suficientes rasgos personales como para ser considerado un caso aparte. Su portentosa capacidad instrumental y el desarrollo extraordinario de un concepto particular del trío, son suficientes argumentos para constatar la capacidad y la calidad de un músico que ha alcanzado con las 88 teclas del piano, una fuerza expresiva, un poder rítmico, y un sentido del blues absolutamente extraordinario.
Su infancia estuvo rodeada de música. Su padre y sus dos hermanos mayores tocaban el piano y el órgano y él se inicio en la trompeta hasta que una tuberculosis le aconsejó dejar los instrumentos de viento. A los catorce años ganó su primer concurso de aficionados al piano y a partir de ahí estudió el piano de Teddy Wilson, su primera gran influencia. Art Tatum, se cruzó en su camino y dada su memoria musical, pudo retener la complejidad de las piezas de Tatum y tener la capacidad de reproducirla con absoluta y notable fidelidad. En 1944, se integró en la banda de Johnny Holmes, una de las mas celebres de Canadá. En 1949, mientras Norman Granz, viajaba en un taxi camino del aeropuerto de Montreal, le oyó casualmente y tras contactar con él le firmó un contrato para su famoso Jazz at the Philharmonic, un grupo itinerante que contaba sus actuaciones por todo el mundo por éxitos multitudinarios.
Oscar Peterson, debutó con el JATP, en el Carnegie Hall de New York en septiembre de 1949 y el público quedó fascinado por su asombrosa velocidad al piano. Fueron dos años a partir de ahi intensísimos con los que tuvo la oportunidad de tocar en todos los formatos y con todos los grandes músicos de jazz de la época. En 1951 formó su primer trío con el contrabajista, Ray Brown y el guitarrista, Irving Ashby, enseguida sustituido por Barney Kessel. El trío se ganó un espacio propio dentro de la organización de Norman Granz y un poco mas adelante, para acallar las criticas que sugerían que Peterson no sería tan veloz al piano con el soporte rítmico de una batería en vez de una guitarra, contrató al baterista, Gene Gammage, luego sustituido por por Ed Thigpen. Aquel cambio provocó que el dialogo a tres voces de los músicos se convirtiera en un monologo brillante pero lineal.
Oscar Peterson, fichó en 1964, por el sello MPS y de las prolongadas estancias que el pianista pasó en la mansión de su nuevo productor, Hans Georg Brunner-Shewer, salieron algunas sesiones memorables que parecían contagiadas de la exuberante serenidad de la Selva Negra alemana, en cuyo entorno se grabaron. Los cuatro volúmenes de la serie "Exclusively For My Friends", fueron especialmente importantes y muy en particular el álbum titulado: "My Favorite Instrument". En 1973, Peterson regresó con Norman Granz con quien volvió a grabar numerosísimas sesiones de estudio, conciertos en directo, participación en festivales, reuniones de "All Stars", en dúos, tríos, cuartetos etc.
Su abundantísima y excelente discografía llega hasta nuestros días, a pesar de que en 1993, sufrió un derrame cerebral que le paralizó el lado derecho de su cuerpo e hizo temer, si no por su vida, si por su capacidad creativa en su carrera, pero su entereza moral y su fuerza física, aunque lógicamente con alguna merma, le ha devuelto a la música para disfrute de sus numerosísimos seguidores.
Oscar Peterson falleció el 23 de diciembre de 2007 en su residencia de Mississauga en Ontario (Canadá).
Link: http://apoloybaco.com/oscarpetersonbiografia.htm

domingo, 14 de diciembre de 2008

Art Tatum (Pianista)


Nota de ActualJazz: No es un músico del Jazz actual, pero es el mejor pianista de todos los tiempos!

El pianista, Art Tatum (1910-1956) nació en el seno de una familia de músicos aficionados. Aquejado de una ceguera casi total, ingresa con trece años en un Instituto de Columbus para estudiar violín y piano. Con dieciséis años empieza a tocar en clubes y dos años después, en 1928, y ya como profesional, es contratado por una emisora de radio local, la WSPD, en la que ocupa un programa diario de quine minutos que dado el éxito, pronto seria retransmitido a toda América por la NBC, hecho que además de publicidad, le daría una reputación extraordinaria como músico, aun sin salir de Ohio, su ciudad natal.
En 1932 se trasladó a la ciudad de Nueva York para acompañar a Adelaide Hall, con la que hizo su primera grabación, y al año siguiente graba para el sello Brunswick, sus primeros éxitos a piano solo como "Tiger Rag" o "Tea for Two", que causaron autentica sensación. Tatum fue contratado en los siguientes cinco años en los mejores clubes del país, desde Cleveland a Chicago (en el famoso "Three Deuces", de ahí a Hollywood, donde dio el famoso concierto en el "Paramount Theatre" y finalmente New York, en el "Famous Door". Su fama como el mejor pianista de la historia del jazz, ya esta solidamente establecida entre los críticos, en el publico, y por supuesto entre sus colegas músicos que lo respetan y veneran de una forma extraordinaria. En 1938, viaja a Londres para tocar en el "Ciro's" y en el "Paradise Club". De vuelta a New York, y tras un breve paso por la Costa Oeste, Art Tatum, toca en diversos locales: "Onyx Club"; "Kelly's"; y el "Café Society Downton.
En 1943, Tatum rompe con en el mundo de las actuaciones en solitario y forma un trío con el guitarrista, Tiny Grimes y el bajista Slam Stewart. El éxito del trío es instantáneo y los discos que firma para el sello MCA, son ejemplares y alcanza en aquella época su mayor cuota de popularidad. En 1944, Tatum es una de las figuras del jazz invitadas para el célebre concierto organizado por el Metropolitan Opera House de New York para la revista "Esquirre" junto a Louis Armstrong, Billie Holiday, y Coleman Hawkins, entre otros. En los años siguiente, y ya convertido en una figura mítica, toca en los clubes de la Calle 52 de New York, realiza cada año giras por todo el país, y ni siquiera el advenimiento del bebop, le resta un ápice de fama. En 1953, firma un contrato con Norman Granz, a la razón productor del sello "Pablo" (Nombre dado en honor del pintor español, Pablo Picasso, amigo suyo y quien en correspondencia, le dibujaría el anagrama del sello) y graba en menos de tres años, un numero impresionante de discos en solitario o rodeado de algunos de los mejores músicos del momento, como Benny Carter, Ben Webster, Roy Eldridge, Buddy Rich, Lionel Hampton o Buddy de Franco, entre otros. Son sus celebres series "The Tatum solo Masterpieces" (Pablo, 1953-1955) y su no menos extraordinaria colección titulada: "The Tatum Group Masteripieces" (Pablo, 1954-1956).
Con su salud muy deteriorada y agravada por el ritmo de vida que había llevado en años anteriores, tocando noche tras noche enteras sin dormir, abusando del alcohol y rodeado de humo permanentemente, Art Tatum, empieza a mostrar signos evidentes de su enfermedad. No obstante, y sin querer abandonar la actividad musical, un soberbio concierto celebrado el 15 de agosto de 19546 en el "Hollywood Bowl" ante cerca de veinte mil personas, y la extraordinaria sesión de grabación realizada al mes siguiente, el 11 de septiembre, junto a Ben Webster, será su canto del cisne. El 4 de noviembre de 1956, lo ingresan en el "Queen Of Angels Hospital" donde fallecería una semana mas tarde, el 11 de ese mismo mes de una crisis de uremia los cuarenta y seis años de edad.
Art Tatum, ha quedado para la historia del jazz, como el mas impresionante pianista de todos los tiempos, y se le considera la figura de mayor relevancia entre prácticamente todos sus sucesores. Cualquier especialista del piano que lo escuchase hoy por primera vez, experimentará sin duda el mismo impacto que los que lo hicieron en los años treinta, y su influencia, a pesar de ser un músico clásico y no revolucionario, es incontestable en todas las generaciones de pianistas posteriores.

Web Side http://apoloybaco.com/arttatumbiografia.htm

sábado, 13 de diciembre de 2008

Norma Winstone


Norma Winstone was born in London and first attracted attention in the late sixties when she shared the bill at Ronnie Scott's club with Roland Kirk. Although she began her career singing jazz standards, she became involved in the avant garde movement, exploring the use of the voice in an experimental way and evolving her own wordless approach to improvisation. She joined groups led by Mike Westbrook, Michael Garrick and sang with John Surman, Kenny Wheeler, Michael Gibbs and John Taylor, and worked extensively with many of the major European names and visiting Americans. In 1971 she was voted top singer in the Melody Maker Jazz Poll and subsequently recorded her own album Edge od Time for Decca, which although long deleted has now been re-released as a CD on the Disconforme label.



Norma Ann Winstone MBE (born 23 september 1941, in Bow East London) is a British jazz singer and lyricist. In a career spanning over forty years she is best known for her Wordless improvisations.
Winstone began singing in bands around Dagenham in the early 1960s, before joining Michael Garrick's band in 1968. Her first recording came the following year, with Joe Harriott. She recorded one album under her own name in 1972.
Winstone has worked with most of her peers in British jazz including Garrick, Mike Westbrook and her former husband, the pianist John aylor. With Taylor and trumpeter Kenny Wheeler she has performed and recorded three albums for ECM as a member of the trio Azimuth between 1977 and 1980. In addition she made an album with the American pianist Jimmy Rowles (Well Kept Secret, 1993).
Norma Winstone was awarded the MBE in the Queen's Birthday Honours of 2007 for her services to Music.




Kate McGarry


“I’ve always been drawn to the space of silence between the notes. It’s in the silence that the secrets of songs reveal themselves.” – Kate McGarry Born into a large, musical family in Hyannis, Massachusetts, Kate began making music at an early age. She and her nine siblings would put on talent shows for their parents, playing and singing together at every opportunity. “We befriended the musicians,” says Kate. “We would go as a family to hear them and sing along. Hearing live music as a child was as important to me as anything in my life. I never considered doing any other work than singing. To my family, music was one of the healing arts. It was just as good as being a doctor.”Kate’s early musical inspiration came in the form of the Beatles, the Mills Brothers, Earth Wind & Fire, and the Celtic music she would hear at the local Irish pub. But then she heard Bill Evans and Keith Jarrett, and her life’s calling became obvious. “The chord and harmonic structures were mysterious and beautiful…It made so much sense to me.” A degree in African American music and studies with Archie Shepp soon followed.Success came quickly after graduation, with a move to the West Coast bringing gigs with Clark Terry and Hank Jones at the Monterey Jazz Festival and regular hits at such venerated venues as Catalina’s, the Jazz Bakery, and Le Café. In the vicinity of Hollywood, she also did some vocals for film and commercials, including tracks for Imax Films, the Sony Pictures release Caught and the title track for Boiling Point. But Kate’s spiritual nature and need to explore precipitated her next move back to the East Coast and a three year stint studying and teaching at an ashram in upstate New York.

Kate’s independently released 1992 debut recording, Easy To Love, an album of standards, earned her the attention of Music Magazine, who called her: “…a strong improviser who shows taste and restraint worthy of the most mature jazz singer.” But it was a move to New York City in 1999 that kick-started her singing and songwriting career. Her sophomore release Show Me (2001) was picked up by the lauded Palmetto label in 2003, earning her the distinction of being the first and only vocalist signed by the label. Her 2004 wedding to guitarist Keith Ganz inspired a change from an organ combo to a more roots-oriented, acoustic guitar-centric sound that perfectly combined Kate’s influences and inspirations. The resulting project Mercy Streets (Pametto, 2005) was hailed by All Music Guide as a release that “seamlessly combines music from many disparate sources into a cohesive, emotional experience (and) bridges the sonic chasm between folk-pop and jazz.”

Throughout 2005, there was mounting evidence of Kate McGarry’s expanding palette. In addition to releasing Mercy Streets, she toured with acclaimed pianist Fred Hersch and master vocalist Kurt Elling, performing Hersch’s song cycle, Leaves of Grass, a setting of Walt Whitman’s poetry to music. The project earned Hersch a Guggenheim Award, and the ensemble performed “Leaves of Grass” to a sold out audience at Carnegie Hall in March 2005. Kate can also be seen on Chick Corea’s 2005 DVD, Rendezvous, in an impromptu performance of “Smile” with Bobby McFerrin during Corea’s 60th birthday celebration at the Blue Note. Also in 2005, Kate performed over 50 concerts of The Different Moods of the Blues as a Lincoln Center Institute touring artist. 2006 brought fruitful collaborations with Grammy Award winning composer and bandleader Maria Schneider and New York’s Jazz Tap Ensemble and an appearance on Dee Dee Bridgewater’s NPR show, Jazz Set.With the release of 2007’s The Target, there was a sense that Kate had truly arrived. An NPR All Things Considered profile and New York Times review brought the magic of Kate McGarry to a whole new – and very receptive – audience. The record reached #1 on the national jazz charts." Michael McCall of Nashville Scene raved: "McGarry embraces jazz's freedom yet points the genre toward a future that's as fresh and thrilling as its past."

Things Considered profile and New York Times review brought the magic of Kate McGarry to a whole new – and very receptive – audience. The record reached #1 on the national jazz charts." Michael McCall of Nashville Scene raved: "McGarry embraces jazz's freedom yet points the genre toward a future that's as fresh and thrilling as its past."In September of 2007, Kate was invited to join the faculty of Manhattan School of Music. “My challenge there has been to bring what I know and value about the jazz tradition to the education world,” says Kate. “The trick is to teach what you know and be who you are. Being your authentic self is the only way to go.” Other current projects include singing with Grammy nominee Donny McCaslin, a guest spot (with Eartha Kitt and Jon Hendricks) on the hit children’s’ TV show Wonder Pets, and writing, recording and producing (with Ganz) 63 children’s songs for the Heinle Picture Dictionary For Children - an international ESL release. You can also catch Kate with vocal jazz super group MOSS, featuring her friends Peter Eldridge, Theo Bleckmann, Lauren Kinhan and Luciana Souza.If Less Is More…Nothing Is Everything (2008, Palmetto) finds Kate in a joyful, albeit introspective mood, covering everything from Jobim to The Cars, with a few originals (including a tender e.e. cummings poem set to music) rounding out the project. “I feel like I am a teenager, graduating from high school…just waking up...hatching. My experiences in life, my love of music and my spiritual pursuits are all converging, and the boundaries are fading away. Everything is coming together, and I am feeling very free.”

Web Side: http://www.katemcgarry.com/
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Kate McGarry es una de las cantantes de jazz que durante los últimos tiempos ha sorprendido tanto al público como a la crítica. Publicaciones de prestigio como Billboard Magazine, Los Angeles Times o The Washington Post, has visto en ella una nueva y talentosa voz en la escena del jazz actual. Sus actuaciones en directo y su interesante discografía editada por el sello Palmetto Records han aportado a esta artista el reconocimiento de los aficionados y excelentes consideraciones por parte de la crítica especializada.
La versatilidad de su voz y su profundo conocimiento de distintas tendencias musicales son aspectos que han fructificado en un estilo propio donde se encuentran estéticas sonoras que van desde el jazz, folk, música brasileña y algunos matices celtas. Se trata pues de un mestizaje sonoro rico en ingredientes donde la improvisación y los elementos distintivos del jazz tienen el papel más importante.
Reconocida por sus habilidades para reinvitar la música que le resulta más familiar con perspectivas audaces y singulares, sus conciertos suelen ser toda una celebración musical llena de sorprendes viajes sonoros.
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viernes, 12 de diciembre de 2008

THE 51ST ANNUAL GRAMMY AWARDS NOMINATIONS LIST

For recordings released during the Eligibility YearOctober 1, 2007 through September 30, 2008Note: More or less than 5 nominations in a category is the result of ties.
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Jazz
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Best Contemporary Jazz Album (For albums containing 51% or more playing time of INSTRUMENTAL tracks.)

+ Randy In Brasil - Randy Brecker
+ Floating Point - John McLaughlin
+ Cannon Re-Loaded: All-Star Celebration Of Cannonball Adderley (Various Artists) - Gregg Field & Tom Scott, producers
+ Miles From India - (Various Artists) Bob Belden, producer
+ Lifecycle - Yellowjackets Featuring Mike Stern
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Best Jazz Vocal Album (For albums containing 51% or more playing time of VOCAL tracks.)

+ Imagina: Songs Of Brasil - Karrin Allyson
(http://actualjazz.blogspot.com/2008/11/karrin-allyson.html)
+ Breakfast On The Morning Tram - Stacey Kent
(http://actualjazz.blogspot.com/2008/11/neoyorkina-de-nacimiento-y-licenciada.html)
+ If Less Is More...Nothing Is Everything - Kate McGarry
( http://actualjazz.blogspot.com/2008/12/kate-mcgarry.html)
+ Loverly - Cassandra Wilson
(http://actualjazz.blogspot.com/2008/10/natasha-anne-bedingfield-nacida-en.html)
+ Distances - Norma Winstone (Glauco Venier & Klaus Gesing)
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Best Jazz Instrumental Solo (For an instrumental jazz solo performance. Two equal performers on one recording may be eligible as one entry. If the soloist listed appears on a recording billed to another artist, the latter's name is in parenthesis for identification. Singles or Tracks only.)

+ Be-Bop - Terence Blanchard, soloist
Track from: Live At The 2007 Monterey Jazz Festival (Monterey Jazz Festival 50th Anniversary All-Stars)
+ Seven Steps To Heaven - Till Brönner, soloist
Track from: The Standard (Take 6)
+ Waltz For Debby - Gary Burton & Chick Corea, soloists
Track from: The New Crystal Silence
+ Son Of Thirteen -Pat Metheny, soloist
Track from: Day Trip
+ Be-Bop - James Moody, soloist
Track from: Live At The 2007 Monterey Jazz Festival (Monterey Jazz Festival 50th Anniversary All-Stars)
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Best Jazz Instrumental Album, Individual or Group (For albums containing 51% or more playing time of INSTRUMENTAL tracks.)

+ The New Crystal Silence - Chick Corea & Gary Burton
+ History, Mystery - Bill Frisell
+ Brad Mehldau Trio: Live - Brad Mehldau Trio
+ Day Trip - Pat Metheny With Christian McBride & Antonio Sanchez
+ Standards - Alan Pasqua, Dave Carpenter & Peter Erskine Trio
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Best Large Jazz Ensemble Album (For large jazz ensembles, including big band sounds. Albums must contain 51% or more INSTRUMENTAL tracks.)

+ Appearing Nightly - Carla Bley And Her Remarkable Big Band
+ Act Your Age - Gordon Goodwin's Big Phat Band
+ Symphonica - Joe Lovano With WDR Big Band & Rundfunk Orchestra
+ Blauklang - Vince Mendoza
+ Monday Night Live At The Village Vanguard - The Vanguard Jazz Orchestra
.
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Best Latin Jazz Album (Vocal or Instrumental.)

+ Afro Bop Alliance - Caribbean Jazz Project
+ The Latin Side Of Wayne Shorter - Conrad Herwig & The Latin Side Band
+ Song For Chico - Arturo O'Farrill & The Afro-Latin Jazz Orchestra
+ Nouveau Latino - Nestor Torres
+ Marooned/Aislado - Papo Vázquez The Mighty Pirates
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Gonzalo Rubalcaba



Gonzalo Rublacaba
Pianista
Biografía

click en "mas información" para leer la nota completa

jueves, 11 de diciembre de 2008

Stefano Bollani (Pianista)


El pianista italiano Stefano Bollani (5 de diciembre de 1972, Milan), pertenece a esa generación de jóvenes músicos europeos que se siente igualmente identificado con el jazz americano, la música europea y las tradiciones populares, dejando su impronta personal en todo aquello que interpreta. En lugar de apelar a virtuosos efectos, Bollani aplica una pulida técnica sin dejar a un lado su versatilidad y buen sentido del humor. En sus composiciones logra un confortable equilibrio entre melodías claramente delineadas y estructuras abiertas, lo que hace de este pianista un músico imprescindible para el jazz contemporáneo.
A los seis años, Stefano quiere ser cantante, así empieza a tocar el piano para acompañar su voz. Algunos años después graba una cinta y se la envía a su músico preferido, Renato Carosone, que contesta a su correo invitándolo a escuchar mucho blues y jazz.
Hace su debut profesional a la edad de quince años. Desde este momento se dedica totalmente a la música.

Discografía
1998 - Gnòsi delle fanfole - Sonica,
1999 - Mambo italiano - Philology,
2000 - The Macerata Concert - Philology
2001 - Abbassa la tua radio - Ermitage
2002 - Disperati intellettuali ubriaconi con Bobo Rondelli
2002 - Les fleurs bleues - Label Bleu
2003 - Smat Smat - Label Bleu
2003 - L'orchestra del Titanic - Millesuoni
2003 - Il cielo da quaggiù - Millesuoni
2004 - Concertone - Label Bleu
2004 - Close to You - Sundance
2004 - Mi ritorni in mente - Sundance
2005 - Gleda - Sundance
2006 - Jazz italiano live
2006 - I visionari - Label Bleu
2006 - Piano solo - ECM
2007 - Ma l'amore no - Venus
2007 - The third man - ECM
2007 - BollaniCarioca - Edizioni Musicali Prima o Poi


Stefano Bollani se presenta en la ciudad de Montevideo
El sábado 13 de diciembre de 2008
Hora 21:30 - Teatro Solís (Uruguay)


El Instituto Italiano de Cultura & Jazz Tour 2008 presentan al pianista Stefano Bollani quien hace dos años deslumbró en el Teatro Solís de Montevideo, con una serie de standards junto a Enrico Rava.

Información completa en:
http://www.jazztour.com.uy/2008/diciembre/bollani.asp
Nota Actual Jazz_______________________________

martes, 9 de diciembre de 2008

Chick Corea (Pianista)


Armando Anthony Corea (Chelsea, Massachusetts, 12 de junio 1941), conocido como Chick Corea, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz, ganador de numerosos premios Grammy.
Corea es muy conocido por su trabajo durante los años 70 en el género de jazz fusion. En los años 1960, participó en el nacimiento de esta corriente como miembro de la banda de Miles Davis, y posteriormente creó el grupo Return to Forever, formando equipo con otros virtuosos instrumentistas.
A lo largo de los años 80 y 90 prosiguió con sus colaboraciones con otros músicos, como Gary Burton.
Junto a Herbie Hancock y Keith Jarrett, Corea es considerado generalmente como uno de los más influyentes pianistas posteriores a Bill Evans y McCoy Tyner. Su manera de tocar en ciertos aspectos recuerda a la de Hancock, aunque Corea mantiene un estilo peculiar. Además, es compositor de varios estándares del jazz, a través de títulos como Spain, La Fiesta y Windows.
Es también conocido por apoyar la causa de la iglesia de la Cienciología, dentro de cuya organización ha alcanzado el nivel máximo, OTVIII.

Corea empezó a tocar el piano a la edad de cuatro años; sus primeras influencias en el jazz fueron Horace Silver y Bud Powell. Fue adquiriendo experiencia tocando en las bandas de Mongo Santamaria y Willie Bobo (1962-1963), Blue Mitchell (1964-1966), Herbie Mann, y Stan Getz. Su primera grabación como líder fue en 1966, Tones for Joan's Bones, y su álbum en trío en 1968 (con Miroslav Vitous y Roy Haynes) Now He Sings, Now He Sobs se considera ya un clásico. Después de un breve intervalo de tiempo con Sarah Vaughan, Corea formó parte del grupo de Miles Davis para reemplazar gradualmente a Herbie Hancock, permaneciendo con Davis durante un periodo muy importante de la banda (1968-1970). Persuadido por Davis, comenzó a tocar el piano eléctrico, produciendo significantes álbumes como Filles de Kilimanjaro, In a Silent Way, Bitches Brew y Miles Davis at the Fillmore. Cuando dejó a Davis, Corea comenzó a tocar jazz acústico de vanguardia en "Circle", un cuarteto con Anthony Braxton, Dave Holland y Barry Altschul; lo hizo hasta finales de 1971, cuando de nuevo cambio su estilo.
Al dejar "Circle", Corea tocó brevemente con Stan Getz y luego formó Return To Forever un grupo de música brasileña con Stanley Clarke, Joe Farrel, Airto y Flora Purim. En un año, Corea (con Clarke, Bill Connors, y Lenny White) convirtió Return to Forever en un grupo que practicaba una fusión enérgica; el guitarrista Al Di Meola sustituyó a Connors en 1974. Aunque la música del grupo tenía una fuerte inspiración rockera, sus improvisaciones eran marcadamente jazzísticas, y el estilo de Corea podía reconocerse incluso bajo barreras de electrónica. Cuando RTF desaparece a finales de los 70s, Corea mantuvo el nombre para algunas actuaciones de big band al lado de Clarke. Durante los años siguientes, profundizó en el piano acústico apareciendo en una gran variedad de contextos; giras a dúo con el vibrafonista Gary Burton y Herbie Hancock, un cuarteto con Michael Brecker, tríos con Miroslav Vitous y Roy Haynes, tributos a Thelonious Monk, e incluso algo de música clásica.
En 1985, Chick Corea formó un nuevo grupo, The Elektric Band, integrada por el bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Henderson (en el primer disco de la banda, luego reemplazado definitivamente por Frank Gambale), el saxofonista Eric Marienthal y el baterísta Dave Weckl. Para equilibrar su música, años más tarde formó su Akoustic Band con Patitucci y Weckl. A principios de los 90 Patitucci formó su propio grupo y el personal cambió, pero Corea continuó liderando interesantes grupos (incluido un cuarteto con Patitucci y Bob Berg). Durante 1996-1997, Corea formó parte de un quinteto estelar (que incluía a Kenny Garrett y Wallace Roney) tocando versiones actualizadas de composiciones de Bud Powell y Thelonious Monk.
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Video
- Concierto del grupo de los años 70s "Return To Forever" que se realizó en el Festival de Jazz de San Sebastián en Julio del 2008.
Chick Corea (Piano) - Stanley Clarke (bass) - Al di Meola (Guitar) - Lenny White (Drums)
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domingo, 7 de diciembre de 2008

Holly Cole

Holly Cole (born November 25, 1963 in Halifax, Nova Scotia) is a Canadian jazz singer, particularly popular in Canada and Japan for her versatile voice and her adventurous repertoire, which spans such divergent genres as show tunes, rock, and country music. In 1983, she travelled to Toronto to seek a musical career. In 1986, she founded a trio with bassist David Piltch and pianist Aaron Davis. Offered a record deal in 1989, the Holly Cole Trio released an EP, Christmas Blues, that year, which featured a striking version of The Pretenders' "2,000 Miles". This was followed by their first full album, Girl Talk, in 1990. A succession of releases through the early 90s fleshed out the trio's musical daring. For example, 1991's Blame It On My Youth, covers songs by Tom Waits ("Purple Avenue", aka "Empty Pockets"), Lyle Lovett ("God Will"), includes show tunes such as "If I Were a Bell" (from Guys and Dolls) and "On the Street Where You Live" (from My Fair Lady), and even remakes "Trust In Me", a silly song from Disney's The Jungle Book, into a sultry and sinister song of seduction. Also recorded in this period was a remarkable reinterpretation of Elvis Costello's "Alison". Following 1993's Don't Smoke In Bed, the trio took on its most audacious effort, a CD entirely of songs by Tom Waits, called Temptation. This 1995 release also dropped the "Trio" from the label. Cole next went into a two-album flirtation with pop music, perhaps keeping with the "diva" fad of the late 90s. These albums, Dark Dear Heart (1997) and Romantically Helpless (2000) veered further from jazz by introducing pop elements to Cole's sound. In 2001, she returned to the Christmas Jazz roots of her first CD with Baby It's Cold Outside, which included such should-be classics as "Christmas Time is Here" (from A Charlie Brown Christmas), "Santa Baby", and the title track. Swapping cold for hot, she moved to a Summer theme in 2003's Shade, this time reinterpreting Cole Porter ("Too Darn Hot"), Irving Berlin ("Heatwave"), and The Beach Boys' Brian Wilson ("God Only Knows"). Cole's latest album, Holly Cole (originally entitled This House Is Haunted) is scheduled for release in February 2007. Cole tours frequently, particularly around the holiday season, in Canada. She was also a part of the 1999 Lilith Fair tour.
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Holly Cole nació en Halifax, Nueva Escocia, Canadá, en 1963. Estudió piano en el Berkelee College of Music, de Boston, y pronto se decidió a ser cantante y compositora. Comenzó a grabar canciones influenciada por artistas como Betty Carter y Billie Holiday. Cole se convirtió en un nombre familiar con el trío Holly Cole, integrado también por el pianista Aaron Davis y el bajista David Piltch. En el año 2000 lanzaron su ambicioso álbum «Romantically Helpless». Publicaron doce intensas canciones, incluyendo entre ellas «Dedicated To The One I Love», «That Old Black Magic» y «Come Fly With Me».

Herbie Hancock (Pianista)


Herbie Hancock (Chicago, 12 de febrero de 1940), pianista, teclista y compositor estadounidense del actual jazz. Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebot: hard bop, fusión, jazz modal, funk jazz, jazz electrónico, etc.; en 2005 publicó el disco Possibilities, en el que se aproxima también a la música de baile.
Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido.
Fue autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, "Watermelon Man", primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y "Cantaloupe Island", que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó.
Hancock ha reconocido a Miles Davis como su músico preferido porque "defendía el principio básico del jazz, que consiste en tocar el momento, no el pasado".

Reseña biográfica
Aprendió a tocar el piano a la edad de siete años y pronto se convirtió en un prodigio, tocando como solista el primer movimiento de un concierto para piano de Wolfgang Amadeus Mozart a los once años con la Orquesta Sinfónica de Chicago. Tras estudiar en el Grinnell College (época en la que escucha a Oscar Peterson y Bill Evans), Hancock fue invitado en 1961 por su descubridor Donald Byrd a unirse a su grupo en Nueva York; más tarde, Blue Note le ofreció un contrato individual. En su álbum de debut, Takin' Off grabó la canción Watermelon Man (‘el hombre sandía’), que anteriormente había sido tocada por el gran percusionista Mongo Santamaria
En mayo de 1963, Miles Davis le pidió que se uniese a su banda para las sesiones de Seven Steps to Heaven; se quedó con él durante cinco años, lo que le hizo perder parte de su estilo en favor de una absorción de las directrices musicales de Davis (importancia del silencio y el espacio, concepto del tempo como algo esencial al jazz), quien incluso le sugirió pasarse al piano eléctrico Rhodes. Por su parte, Hancock aportó a la música de Davis un sonido amplio, audaz y a la vez agradable, con marcadas raíces en el blues. Durante esa época, su carrera en solitario con Blue Note siguió adelante, destacando con cuatro sofisticadas composiciones: Maiden Voyage (en su disco homónimo), Cantaloupe Island, Goodbye to Childhood y Speak Like a Child. Tocó también para el productor Creed Taylor y compuso la banda sonora para la película Blow Up de Michelangelo Antonioni, Empyrean Isles (1964), que le abrió las puertas a futuras colaboraciones con el mundo del cine.
Hancock participaría en In A Silent Way y Bitches Brew, discos originarios de la fusión jazz-rock.
Abandonó a Davis en 1968 y grabó un disco de funk, Fat Albert Rotunda; en 1969 formó un sexteto que causó sensación. Fuertemente empapado de la era electrónica, añadió a su piano eléctrico y a su clavinet el sintetizador de Patrick Gleeson, y las grabaciones se volvierón más complejas rítmicas y estructuralmente, creando su propia visión de la vanguardia.
Hacia 1970, añadió a su nombre, como otros muchos músicos de jazz, su nombre africano: Mwandishi. Disolvió su banda en 1973 y, tras estudiar budismo, decidió que su objetivo debía ser hacer feliz a su público.
El siguiente paso fue un grupo de funk cuyo primer disco, Head Hunters, se convirtió en el mayor éxito de ventas de jazz de la historia. En este disco se produjo la explosión de la fusión en su vertiente más funky y negra, un disco rítmico y muy bailable, lleno de alusiones a Sly Stone y James Brown, abundante en sintetizadores y sonidos eléctricos. Manejando todos los sintetizadores él mismo, Hancock grabó varios álbumes electrónicos. Sin embargo, en ningún momento abandonó el jazz acústico. Tras una fugaz reunión del Miles Davis Quintet de 1965 (Hancock, Ron Carter, Tony Williams, Wayne Shorter, con Freddie Hubbard en vez de Miles) en el Newport Jazz Festival de 1976, decidieron ir de gira al año siguiente como V.S.O.P. El rotundo éxito del gurpo provocó que Hancock se coronase como un gigante del piano, que la dirección post-bop que Miles había tomado a mediados de los sesenta no se perdiese y que se allanase el camino para el revival de los neo-tradicionalistas, algo que tuvo lugar en los ochenta con Wynton Marsalis. V.S.O.P. continuó reuniéndose esporádicamente hasta 1992.
Hancock continuó con su inquieta trayectoria en los ochenta: consigue un éxito en la MTV en 1983 con el sencillo Rockit (acompañado de video); se une al virtuoso de kora gambiana Foday Musa Suso, dando como fruto un disco en directo de 1986 Jazz Africa; sigue componiendo bandas sonoras para películas y tocando en festivales y giras con los hermanos Marsalis, con George Benson, con Michael Brecker y con muchos otros. Tras su álbum tecno-pop de 1988 Perfect Machine, Hancock abandonó la compañía Columbia (su sello desde 1973) y firmó un contrato con Qwest que se tradujo en pocos resultados artísticos, si se exceptúa A Tribute to Miles de 1992. Finalmente, se unió a PolyGram en 1994 para grabar jazz para Verve y realizar discos de pop para Mercury.
Su álbum River: The Joni Letters, con colaboraciones de Tina Turner y otras divas de la música, fue premiado con el Premio Grammy al Álbum del Año en 2008, hazaña inusual para una grabación de un género minoritario como el jazz.
CD: River - The Joni Letters (2007)
Link Rapidshare en: http://actualjazzbajar.blogspot.com/2008/12/herbie-hancock.html

sábado, 6 de diciembre de 2008

Leonard Bernstein (Pianista)

Gershwin - Rhapsody in Blue parte 1 de 2 (Leonard Bernstein as pianist)




Gershwin - Rhapsody in Blue parte 2/2 (Leonard Bernstein as pianist)



(Lawrence, Massachusetts, EE UU, 1918-Nueva York, 1990) Director de orquesta, pianista y compositor estadounidense. Nacido en el seno de una familia de judíos rusos emigrados, fue el primer director de orquesta de Estados Unidos que alcanzó renombre universal. Músico polifacético, sus dotes y su innegable talento no sólo le permitieron brillar en el campo de la interpretación, sino que también consiguió triunfar en la composición, tanto en la llamada «seria» como en la comedia musical. Dos de sus incursiones en este último género, On the Town (1944) y West Side Story (1957), ambas popularizadas por el cine, le procuraron un amplio reconocimiento entre el público.
Los primeros pasos de Bernstein como director de orquesta estuvieron alentados por Serge Koussevitzky, su mentor en su etapa de estudiante en Tanglewood. En esta faceta, su defensa de una interpretación abiertamente subjetiva, dentro de la más pura tradición romántica, le hacía obtener sus mejores frutos en las obras de compositores con un alto componente expresivo en su música, como Franz Liszt (su versión de la Sinfonía Fausto es un clásico de la fonografía), Gustav Mahler o Dimitri Shostakovich, mientras que en el repertorio clásico sus logros, pese a ser apreciables, no alcanzaban idéntica altura. Además, Bernstein fue un entusiasta defensor y divulgador de la nueva música estadounidense: autores como Aaron Copland, Charles Ives y Gershwin formaron parte de sus programas de concierto hasta su muerte.

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