viernes, 28 de noviembre de 2008

Lisa Ekdahl



Nacida en Estocolmo en 1973, es una cantante sueca de jazz y pop tradicional, que utiliza preferentemente el inglés en sus trabajos jazzísticos y el sueco en los demás. Se caracteriza por un voz aguda y muy suave.
Ekdahl se convirtió en los años noventa en una de las principales figuras del pop sueco, con grandes éxitos como "Vem Vet" (Quién sabe) en 1994. Comenzó a cantar jazz en 1990 con el trío del pianista Peter Nordahl.
Discografía
1994: Lisa Ekdahl (EMI)
1996: Med Kroppen Mot Jorden (BMG International)
1997: When Did You Leave Heaven (RCA)
1997: Bortom Det Blå (BMG/RCA)
1998: Back to Earth (RCA)
2000: Sings Salvadore Poe (BMG International)
2003: Heaven, Earth & Beyond (Catalyst)
2004: Olyckssyster (Sony / BMG Import)
2006: En Samling Sanger(Sony / BMG Import)
2006: Pärlor Av Glas (RCA)

Viktoria Tolstoy



Nació en Sigtuna, Suecia el 29 de julio de 1974. Es una cantante sueca de jazz. Es hija del también musico Erik Kjellberg, y tataranieta del famoso escritor ruso León Tolstoy.
Discography
1994 – Smile, Love and Spices
1996 – För Älskad
1997 – White Russian
2001 – Blame It On My Youth
2004 – Shining on You Richard Spencer
2005 – My Swedish Heart
2006 – Pictures Of Me
2008 – My Russian Soul

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Viktoria Tolstoy is a highly celebrated and respected international jazz vocalist and her numerous success stories are all a product of this explosive natural supertalent. Viktoria has never taken a single singing class thus she also owns that little perfect difference that delivers her clearly strong and wonderfully untamed, vibrant sound. She'll capture the moment on any given occasion and will outperform herself from one grand evening to the next.Viktoria reaches all the way and her colorful, spontaneous persona will by all means make one forget to breathe for not only a short moment. Viktoria is already on the very top, yet once again aiming up.Viktoria has been saluted by media wherever she has landed since she first grabbed that microphone, and rest assure, this show will go on. We suggest you buckle up. Expect a lot.

Laura Simó



Se inicia profesionalmente en la música con el grupo Pianogrosso (dueto de piano y voz). En 1987 se edita el disco de standards titulado Bliss. Al año siguiente crea su propio grupo: Laura Simó & Conrad Setó Sound con Lluís Atance al bajo y David Simó a la batería. En octubre de 1988, el grupo representa a España en la categoría de jazz, dentro del Festival Mars International, en París. A partir de ese año empieza a trabajar regularmente con el pianista Lucky Guri, y también con Francesc Burrull. Graba dos temas del disco: Jazz al Drag. Vol 1 en la mítica Cova del Drac, con los músicos de la casa, liderados por el trompetista Arnau Boix.
En 1989 lleva a los escenarios el espectáculo: Breviari d'amor de la mano de Jordi Sabatés y su quinteto de cámara. Es una recopilación de canciones de trovadores provenzales de los siglos XI y XII, musicadas por Jordi Sabatés. Al año siguiente, Juan Carlos Calderón la invita a realizar diversos conciertos con su Big Band. El más destacado tuvo lugar en la clausura de los festivales de verano de la Plaza Porticada de Santander. Realiza diversas actuaciones con el trío de jazz formado por: Albert Bover al piano, Guillermo Prats al contrabajo y David Xirgu a la batería.
En 1993 participa en el concierto de jazz: Euroring 93 en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, a cargo de la Big Band de Barcelona dirigida por Francesc Burrull, y Laura Simó actúa en representación de Catalunya Radio, organizadora del acto. Laura Simó y Carme Canela forman el grupo: Estamos Reunidas, con Joan Vinyals a la guitarra, Xavi Ibáñez a los teclados, David Simó a la batería e Ignasi Zamora al bajo eléctrico. Ése mismo año el añorado Tete Montoliu la escoge como vocalista de su trío, y junto con Horacio Fumero y Peer Wiboris, actúan por diferentes capitales españolas. También entra a formar parte de la Big Band de John Dubuclet. En 1995 forma el grupo Laura Simó Sextet, con Francesc Capella a los teclados, Jordi Portaz al bajo, David Simó a la batería, Menno Mariën al saxo y Joan Vinyals a la guitarra, interpretando temas de compositores de diferentes estilos y épocas dentro del mundo del jazz.
En 1996 para celebrar el centenario del nacimiento del cine, Laura Simó forma un dúo con Joan Vinyals y presentan el espectáculo: Jazz en el Cine, que es una selección de temas de películas y musicales de Broadway, entre los años 40 hasta los 80. En el mes de junio de ése año se graba en directo en el club Jamboree de Barcelona el disco: "The Best is yet to come" del sexteto de Laura Simó, con arreglos de Joan Vinyals y Francesc Capella. Al año siguiente, el mismo sexteto presenta su trabajo por varias capitales españolas y realiza varios conciertos con el trío de Tete Montoliu. En 1998 graba un nuevo disco junto a Joan Vinyals y Horacio Fumero al que titulan: Laura de cine, my favourite things grabado en los estudios Gemecs de Premià de Mar. Por tercer año consecutivo, Laura Simó actúa en el Jamboree durante la semana de Navidad, y para esta ocasión, monta un monográfico sobre Stevie Wonder, acompañada por Xavi Ibáñez, Jordi Portaz, David Simó y Joan Vinyals.
En el año 2000, vuelve a reunirse con Carme Canela, esta vez con un trío de jazz y presentan su trabajo dentro del Festival de Jazz de Terrassa; en Tortosa, acompañadas por la Acadèmic Big Band y en el Festival de Jazz de Lugo. Al mismo tiempo continua presentando su espectáculo dedicado al cine y el 2 de noviembre canta en el Auditori de Barcelona, acompañada por la OBC, temas del compositor alemán Wilhein Gross. En diciembre presenta en la sala Luz de Gas de Barcelona, dentro del Festival de Jazz de Barcelona, su nuevo espectáculo: "Laura Simó: De Cine europeo", acompañada de la formación Ensemble de Bellaterra, dirigido por el saxofonista Eladio Reinón. En septiembre de 2002 inaugura el 50 Festival de Cine de San Sebastián y en el 2003 monta el espectáculo "Cançons de Joan Manuel Serrat" con el pianista Francesc Burrull. Participa en el Festival Donem una oportunitat a la pau en Barcelona, cantando junto a Carmen Canela el tema: We can work it out, ante más de 35.000 personas, compartiendo escenario con Javier Gurruchaga, Paco Ibáñez, Nass Marrakech, Luis Pastor, Jabier Muguruza, entre otros. En junio aparece en el mercado un nuevo disco titulado: Senza fine, editado por Satchmo Records.
En 2004 forma el grupo: "Laura Simó & Francesc Capella Trío" actuando en diferentes festivales de jazz, rodando el espectáculo que próximamente se convertirá en un trabajo discográfico. Apartándose del mundo musical, lleva íntegramente la producción de un programa de la televisión estatal suiza, sobre la ciudad de Barcelona y personajes que forman parte de ella, como: Ferran Adrià, Jaume Tresserra, Custo Dalmau, Alfonso Vilallonga, o Rosa Gil, entre otros. Incorpora un nuevo miembro al grupo de cine americano, el saxofonista Víctor de Diego. El pianista y Compositor Joan Monné, la elige para dar un concierto en el Teatro Foment de Molins de Rei, cantando con la Drop Big Band que él mismo dirige y con la coral Quòdlibet.
Ése mismo año y en octubre comienza la colaboración con Albert Guinovart, Laura Simó y la Orquesta Sinfónica del Vallés, dirigida por Edmon Colomer, para ofrecer un espectáculo de musicales americanos y catalanes de Guinovart, arreglados por él mismo. Las actuaciones tienen lugar en el Teatro de la Farándula de Sabadell, en la Sinfónica de la misma ciudad y en el Palau de la Música Catalana y en la Universidad Autónoma de Barcelona. Estuvo trabajando posteriormente en Alemania ofreciendo en 2005 una Masterclass Workshop y actuar con el grupo de jazz alemán Marcus Horn trío. Laura Simó actualmente continua su exitosa carrera profesional siendo una de las grandes cantantes de jazz contemporáneas de España.
En 2007 se edita el disco Laura Simó & Francesc Burrull interpreten Serrat, editado por Stres Music, en el que graban el espectáculo que venían realizando conjuntamente la cantante y el prestigioso pianista catalán durante los últimos años, interpretando versiones de canciones de Joan Manuel Serrat: Lucía, Me´n vaig a peu, No hago otra cosa que pensar en ti, Del pasado efímero, Llanto y coplas, Barquito de papel, El meu carrer, Conillet de vellut, Tio Alberto, Perquè la gent s´avorreix tant? y Mediterráneo.

Sidsel Endresen





Sidsel Endresen (nacida el 19 de junio 19 de 1952 en Noruega) es una cantante de jazz. Ha trabajado en géneros musicales diversos aparte del jazz, incluyendo música clásica contemporánea y "performances" multimediales, colaborado con poetas noruegos y trabajado extensivamente la voz como instrumento solista.
Entre los años 1981 y 1987, Sidsel trabajó como cantante y co-escritora del "Jon Eberson Group". Juntos hicieron cinco CDs y ganaron dos premios "Grammy" noruegos.
El año 1989 Sidsel firmó para el sello ECM donde hizo 2 CDs como solista, "So I Write" (1990) y "Exile" (1994), que le significaron reconocimiento internacional. Ambos CDs contaron con la colaboración de Django Bates, Jon Christensen y Nils Petter Molvaer y "Exile" además con David Darling y Bugge Wesseltoft.
El año 1993, a duo con el tecladista Bugge Wesseltoft, realizaron 2 CDs - "Nightsong" y "Duplex Ride", ambos Curling Legs/ACT. "Duplex Ride" ganó el "Grammy" noruego el año 1998.
Desde 1995 a 1999 hizo el trío de voces improvisadas ESE junto a Elin Rosseland y Eldbjørg Raknes. El trío escribió piezas comisionadas para el festival europero Vossa Jazz el año 1996, NRK el 1997 y realizó el CD "GACK" (Jazzland/Kemistri 1999).
En el 1999, colaboró con el compositor Rolf Wallin como solista y co-compositora en la opera de una mujer "Lautleben" (interpretada en Ultima 1999, Festspillene i Bergen 2000, Stockholm 2001 y en UK, 2001).
El 2000 escribió la música para el film de Rumi Langun "Expedition".
Años 2000 a 2002: dirige el proyecto "Undertow" (Jazzland Rec. 2000) junto a Audun Kleive, Patrick Shaw Iversen, Roger Ludvigsen, Bugge Wesseltoft y Nils Petter Molvaer. Tour en Noruega y Europa.
Marzo de 2002: CD en Jazzland/Universal: "Out here. In there.".

jueves, 27 de noviembre de 2008

Anne Ducros





Anne Ducros es una cantante francesa de jazz y música popular. Originaria de Pas-de-Calais, Ducros comenzó su formación musical en el conservatorio de Boulogne sur mer (localidad del norte de Francia) con Lyne Durian. Más tarde, mientras estudiaba derecho en la Universidad de Lille, completó y refinó su técnica vocal bajo la tutela de Yuri Anoff y Maddy Mespley. Estudió también la música barroca en un curso en la universidad, prestando atención a Couperin, Rameau and Bach. Empezó a practicar jazz vocal en 1986.
Con su primer cuarteto jazzístico ganó varios premios internacionales (premia al mejor solista y mejor vocalista en el festival de jazz de Dunkirk; primer premio al mejor solista y vocalista en el festival de jazz de Viena en 1989). Este incesante reconocimiento la estimuló para seguir cantando en numerosos conciertos por toda Francia y realizó así su primer disco de jazz vocal, "Don't You Take a Chance" en JTB en 1989. Tras esta primera grabación, regresó a las giras pasando por Niza, Nantes, Barcelona, İzmir y Montreal.
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A native of the Pas-de-Calais, Anne Ducros began her classical training (musical and vocal) at the conservatory of Boulogne-sur-Mer with Lyne Durian. Then while studying law at the University of Lille, she completed and refined her vocal skills under the tutelage of Yuri Anoff and Maddy Mespley. Afterward she studied baroque music in a course at the University, including Couperin, Twig and Bach. She was first introduced to vocal jazz in 1986. She set up her first jazz quartet with whom she won various international competitions (Prize for best soloist and best vocalist in the festival of jazz in Dunkirk; First prize for soloist and vocalist in the festival of jazz of Vienna in 1989). This growing recognition stimulated her inexhaustible will to sing and she sang at more concerts around France and released her first album of vocal jazz, "Don't You Take a Chance" at JTB in 1989. After this first recording was realized, she returned to the road to tour the festivals (Nice, Nantes, Barcelona, Izmir, Montreal.) During years 1992-1993, she taught vocal jazz at the ARPEJ in Paris and since 1994 she has been the manager of Prelude, first school of vocal jazz in Paris.
In 1995, Ducros participated in the recording of Friday 14 with Lugi Trussardi and added her voice to several songs on the album, published by Elabeth. With Gordon Beck, Sal la Rocca, Bruno Castellucci and Didier Lockwood, she Ducros recorded Purple Songs, published in 2001 by Dreyfus Jazz. For this album, Ducros was awarded by the Academy of the Jazz with the Billie Holiday Award in December 2001. This new award would not be her last, because in April 2002, the "Django d'Or/Victoires de la musique" awarded her with the prize of vocal artist of the year.Her cover of the song "Taking a Chance on Love" was used in the 2005 Chanel Chance perfume commercials.

miércoles, 26 de noviembre de 2008

Lizz Wright




Su padre era predicador y su madre cantaba gospel en las misas. Sus comienzos fueron, en consecuencia, el canto en la Iglesia desde que tenía seis años. Junto a sus dos hermanos formaban un trío vocal que acompañaba al padre cuando predicaba. Con catorce años aprendió sola a tocar el piano para ayudar a su padre en la iglesia. Entró en la Universidad Georgia State de Atlanta para cursar interpretación musical, pero lo dejó pronto, por que había poca formación jazzistica y sus enseñanzas estaban enfocadas al canto clásico. Empezó a participar en jam sessions y fue invitada a unirse a un grupo de Atlanta llamado In The Spirit, que alcanzó una cierta relevancia. Todos los críticos destacaban sobre todo la personalidad de Lizz, como hizo Howard Reich en The Chicago Tribune. La fama de Lizz fue creciendo y así le llegó la oportunidad de firmar un contrato con el sello Verve.
El 11 de julio de 2002, Lizz Wright era otra cantante desconocida en la lista de artistas de un concierto-homenaje a Billie Holiday en el Orchestra Hall de Chicago. Apenas 24 horas después nació una estrella gracias a sus interpretaciones de I Cover the Waterfront y Dont Explain que dejaron al público con lágrimas en los ojos. Una semana más tarde, en otro homenaje a Holiday en el Hollywood Bowl de Los Ángeles, Wright volvió a adueñarse del espectáculo. La verdadera sorpresa de la noche, según el veterano crítico de jazz de Los Ángeles Times, Don Heckman, fue Lizz Wright en su debut californiano ofreciendo grandes pruebas de su potencial como nueva estrella del jazz. Con un aura de confianza, canta con una madurez articulada que sobrepasa su juventud.
Su debut de 12 canciones para Verve, con el álbum: "Salt", ha sido coproducido por Tommy LaPiuma, presidente de Verve y leyenda de la industria discográfica, el gran batería y compositor Brian Blade y el arreglista Jon Cowherd. En esa mezcla ecléctica de bases del jazz y el pop, con varias composiciones propias (Salt, Blue Rose, Eternity, Fire, Silence), Lizz demuestra que tiene un don único marcado por un fraseado emocionalmente intuitivo. En definitiva una cantante que habrá que observar con detenimiento en los próximos años.


actualización de actual jazz

domingo, 23 de noviembre de 2008

sábado, 22 de noviembre de 2008

Nnenna Freelon



La extraordinaria cantante, Nnenna Freelon (FECHA NACIMIENTO: 28 JULIO 1954. - NACIDA EN: CAMBRIDGE “MASSACHUSSETS”), es sin duda una de la cantantes de jazz contemporáneas mas importante. Su música tiene una calidad extraordinaria y la popularidad que ha conseguido fuera de los ámbitos exclusivamente jazzisticos, no le han desviado del camino del swing. Tres veces nominada para los premios Grammy, sintió desde muy temprana edad la llamada de la música, si bien antes de emprender la carrera profesional que le habría de llevar al sitio que ocupa en la actualidad se graduó en Servicios Sociales en la Universidad de Durham, de Carolina del Norte, y tuvo tres hijos. Estudió con Yusef Lateef y perteneció durante varios años a una banda en la que Woody Williams era el baterista. Tras una aparición estelar con Ellis Marsalis, graba su primer disco en 1992, que atrae la atención de la crítica, que rápidamente ven en ella la influencia de Sarah Vaughan. Su segundo álbum fue recibido más favorablemente, y con ocasión del tercero, incluso los más recalcitrantes detractores se vieron obligados a reconocer el extraordinario talento de la cantante y su prodigiosa voz. Freelon extrae su repertorio no sólo del jazz, sino también de la música pop y folk, asimilando dichas corrientes en una síntesis muy personal. Nnenna Freelon, sin duda, ha encontrado ya un estilo que se pone aún más de manifiesto cuando cambia de sello discográfico en 1966 e inicia un camino mucho más personal, encarnado sobre todo en su segunda grabación para Concord Jazz, Maiden Voyage (1998); en el que, entre otras cosas, expone su interés por el papel que la mujer ha de desarrollar en el ámbito musical y en la sociedad en general. En el 2000, Freelon debuta en el campo de la interpretación en What Women Want, y graba su primera producción propia, Soulcall. Freelon ha grabado y actuado con una variada gama de músicos, y un examen de ese elenco puede testimoniar acerca de los gustos de la cantante y por donde se encaminan sus pasos. Esos artistas son, entre otros, los exquisitos Kenny Barron y Herbie Hancock, Joe Beck, Christian McBride y Kirk Whalum. La voz de Freelon es rica en calidades emocionales, acompañada últimamente de un sonido fuerte. No obstante, si las circunstancias musicales así lo demandan, es capaz de dar con el tono cool aunque sensual, especialmente persuasivo cuando se trata de baladas. Su variedad de registros le permite crear desde un escenario propicio a la confidencia a otro en el que se interpretan en clave de humor clásicos del pop, del soul, del jazz o del gospel, todo en un clima de libertad en el que siempre cabe el recurso a la improvisación.
Nnenna actuó varias veces con la legendaria Julie Andrews en la "Society of Singers", en la "Ella Awards" y en "Variety's The Childre's Charity" como vocalista del grupo "Stephen Sondheim Tribute" en el Carnegie Hall de Londres y en muchos festivales, con un gran éxito. En su quinto álbum grabado para el sello discográfico Concord Records, titulado "Live", Nnenna aporta todo su talento y el resultado es un disco intimista de extraordinaria belleza. Se grabó en el "Centro de Kennedy" en Washington DC, entre el 21 y 22 de febrero de 2003. El disco resume toda una década de carrera musical, con más de 20 años en la carretera. Ha sido dos veces ganadora en los premios "Billie Holiday Award" de la prestigiosa Academia de Jazz y de los premios "Eubie Blake Award". También ha sido nominada dos veces para "Lady of Soul" de Soul Train Award. Nnenna ha realizado varias giras con importantes músicos como Ray Charles, Ellis Marsalis, Al Jarreau y George Benson entre otros.
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Nnenna Freelon, (born July 28, 1954), is an American jazz singer, composer, producer, and arranger. She has been nominated for five Grammy Awards for her vocal work, and has performed and toured with such top artists as Ray Charles, Ellis Marsalis, Al Jarreau, Anita Baker, Aretha Franklin, Dianne Reeves, Diana Krall, Ramsey Lewis, George Benson, Clark Terry, Herbie Hancock, Terence Blanchard, just to name a few.
One critic described her as "a spell-binding professional, who rivets attention with her glorious, cultivated voice and canny stagecraft". She has performed at Carnegie Hall, Hollywood Bowl, Ellington Jazz Festival, Monterey Jazz Festival, Apollo Theater, Montreux Jazz Festival, the John F. Kennedy Center for the Performing Arts, and more.
Nnenna Freelon was born and raised in Cambridge, Massachusetts, to Charles and Frances Pierce, and as a young woman she sang extensively in her community and the Union Baptist Church and at St. Paul AM. She has a brother Melvin and a sister named Debbie. Nnenna graduated from Simmons College in Boston, with a degree in health care administration. For a while worked for the Durham County Hospital Corporation, Durham, North Carolina. The Kennedy Center interview with Nnenna: "I started singing in the church, like so many others. . . ." She suggests that her influences included several "not famous people," as well as such familiar names as Nina Simone and Billy Eckstine, artists whose records her parents played at home. "Its important to expose your children to a wide musical environment," she says, grateful that her parents did just that. Nnenna followed her grandmother's sage advice regarding those singing aspirations. "I did something that my grandmother told me: 'bloom where you're planted’, "don't get on a bus and go to New York or L.A., sing where you are."
In 1990, Nnenna Freelon went to the Southern Arts Federation’s jazz meeting and met Ellis Marsalis. "That was a big turning point. At that time, I had been singing for seven years. Ellis is an educator and he wanted to nurture and help. What I didn’t know at the time was that George Butler of Columbia Records was looking for a female singer. Ellis asked me for a package of materials. I had my little local press kit and my little tape with original music. Two years later, I was signed to Columbia Records.” She was in her late 30s when she made her debut CD, Nnenna Freelon, for Columbia Records in 1992. The label dropped her in 1994, and Concord Records signed her in 1996.
In Maiden Voyage (1998), she leaves behind standard and comfortable conventions and releases an inner spirit that allows her to creatively soar to a higher dimension. Watch out! When a woman reaches this point there's no telling what will come next. Freelon's seventh album is Tales of Wonder (2002), covers hit songs written and/or recorded by Stevie Wonder. She considers him one of the greatest artists of our time and describes how his music easily became her music, as it touched her life throughout the years. "A lot of Stevie Wonder's music is on the level of many other unique artists like Duke Ellington, like Thelonius Monk. When you hear Stevie, you know that's who it is. I put him in a genius class, he's fabulous." On her Grammy-nominated release, Blueprint of a Lady: Sketches of Billie Holiday (2005), which comes highly recommended, Freelon pays tribute to the quintessential jazz vocalist Billie Holiday in the best possible way—without imitation and putting her own interpretations on material written by or associated with Lady Day. Her band, adjusted to fit the mood of each song, skillfully complements her at every turn. With Freelon is a group of veteran jazz artists who give her album a welcome presence. Tenor saxophonist Dave Ellis, trumpeter Christian Scott, and flutist Mary Fettig add stellar musical partnerships to the program. Freelon's long-term quartet of Brandon McCune, Wayne Bachelor, Kinah Boto, and Beverly Botsford provide cohesive accompaniment that serves as an intuitive accompaniment for her vocal offerings.
Nnenna Freelon will tour with the Monterey Jazz Festival 50th Anniversary Band on a 54-date, 10-week tour of the United States starting January 8, 2008. The band features trumpeter Terence Blanchard, pianist Benny Green, saxophonist James Moody, bassist Derrick Hodge and drummer Kendrick Scott. Nnenna is a very common ibo name.

Discografía
1992 - Nnenna Freelon - Jazz
1993 - Heritage - Jazz
1994 - Listen - Jazz
1996 - Shaking Free - Jazz
1998 - Maiden Voyage - Jazz
2000 - Soulcall - Jazz
2002 - Tales of Wonder - Jazz
2003 - Church - Songs of Soul and InspirationVarious Artists - Ooh Child - Gospel
2003 - Live at The Kennedy Center, Washington D.C. - Jazz
2005 - Blueprint of a Lady - Jazz
2008 - Better Than Anything - Jazz

martes, 18 de noviembre de 2008

Yoshika Kitanami


(Yoshika Kitanami)
- jazz singer -



神戸市出身 同市在住
10代でソウルシンガーの歌を聴き感動し、歌手になる事を志す。
自由自在に声を使って歌いたいとの思いから音楽大学に進学、発声・音楽理論の基礎を学ぶ。大阪音楽大学音楽学部声楽科・同大学大学院オペラ研究室卒業。在学中にはオペラ・ミュージカル等を学ぶ一方、光文社「JJ」読者モデル、神戸シークィーン・代表クィーンとしても活躍した。
2000年にアルバイトでジャズを歌った事をきっかけに、即興演奏の面白さに強く引かれジャズシンガーに転向・大阪でらいぶ活動を始める。
伝統的なジャズヴォーカルスタイルでの表現の追求の一方で日本語の歌やオリジナル楽曲までと、ジャンルにとらわれない幅広いレパートリーを持つ。クラッシックで培った類まれなる歌唱力、ジャズ・フィーリングあふれるスリリングなステージ、伸びやかでソウルフルな歌声で表現する独特のスタイルは同年代の女性やジャズ愛好家まで幅広い層のファンを魅了している。
最近ではライブの好評が口コミで広がり、活動の範囲も東京・横浜・札幌・松江等全国で定期的に演奏活動を行い各地で大きな反響・好評を呼んでいる。今もっとも注目されるジャズシンガーである。
2004年には、第5回神戸ジャズ・ヴォーカル・クィーン・コンテスト優勝。
同年、アメリカ・シアトルのライブハウス JAZZ ALLEYで単独演奏を果たし好評を博した。
2005年には兵庫県から今後の活躍を期待される女性に送られるはなだ賞受賞。

Cassandre McKinley


Cassandre McKinley has never been compared to another famous singer "before her time". Instead, McKinley has enriched her musical surroundings with something honest and refreshing. Her approach to jazz is organic, instinctual and from the heart - most simply describe her as "authentic". Drawing from a diverse group of influences, McKinley has developed a sound and style that is so unique, there's no comparisons. Her voice is a blend that is true "soul" at it's core - a sound that is pure, yet sophisticated and distinctive. Many will tell you that McKinley gives every ounce of herself to the music - and the strength in her vocal performance, while dynamic and clear, leaves one wondering where this seemingly endless reserve of vocal power and prowess comes from.
McKinley grew up 20 minutes outside of Boston. She trained as a singer, dancer and actress at a very young age, but was never extreme in her focus for one or the other. The dance company she studied and performed with kept her well rounded and allowed her frequent trips to Boston and NYC where she could fulfill her passion for the arts. She began working with a vocal coach; Beatrice was a European opera singer who had retired professionally and was teaching students at The Boston Conservatory of Music. McKinley went on to attend the college and formed a special bond with the teacher.
After college, McKinley rooted herself in the city where she spent time cultivating her music skills. She frequented musical venues - listening and absorbing. Occasionally, she would have the opportunity to sit in and sing which lead to a few guest appearances in larger venues (The House of Blues, Ryles Jazz Club). It had become clear to those that had worked with McKinley, to her growing number of local fans, and McKinley herself that Jazz was not only something she had a special knack for - she felt more passion for it than any other style of music.
Her first legitimate jazz gig - McKinley took a leap of faith and asked some of Boston's most well known players to accompany her on the gig. They obliged. From that point on, she would continue building musical relationships that would strenthen her artistically. Dick Johnson (Artie Shaw Orchestra), Herb Pomeroy, Al Vega and a list of local legends - world class performers - all spent time with McKinley with a willingness to advise and educate the young singer. "Friendships like these are a gift - those gentlemen shared thier philosophies with me - they each taught me to trust my instincts". McKinley admits that the jazz form and the art of "improvisation" appeals to her. "I love the freedom that comes with singing jazz - although there is still a form to the music, it can move and bend - it all depends on what's inside the soul and how you happen to apply it".
When asked who her influences are, she answers with a surprising mix. "Dinah Washington, Anita O'Day, Miles Davis, Sam Cooke, Marvin Gaye, Cat Stevens, Ray Charles, Stevie Wonder, Nancy Wilson - even Elvis. Drawing from this diverse group, McKinley has developed a sound and style that is unique to her like leaves on a tree. Her soulful blend is simple, yet sophisticated - true and distinctive.
Cassandre has just released her debut album under the MAXJAZZ label titled TIL TOMORROW - REMEMBERING MARVIN GAYE. In this body of work, McKinley delivers her interpretation of selected music Gaye wrote, co-wrote and performed throughout his career. From inception to execution, McKinley's sensitivity to Gaye's message and her rich, warm sound combine to pull this project far, far away from the ordinary. Creating a genre that just fits between Jazz, Smooth Jazz and R & B, "Til Tomorrow" is a rich exploration into Nu-Jazz and Soul - focusing on the "soul".

Discography

TIL TOMORROW - Remembering Marvin Gaye (2008)
http://rapidshare.com/files/147739792/Cass.rar
BARING THE SOUL (2004)
STAY THE NIGHT (200) Re-release 2008
Right In Front Of You (1999)

sábado, 15 de noviembre de 2008

Esperanza Spalding



Esperanza Spalding (born 1984 in Portland, Oregon) is an American jazz bassist and singer.Spalding was raised by her mother, who had nearly become a touring singer as well. Her mother signed her up for music classes early; Spalding played the violin, oboe, and clarinet before picking up the bass in high school. Spalding first attended the Portland public schools and later left to be homeschooled, but returned at 15. She had originally played the violin but switched to the double bass in high school when "bored musically"; she picked up the instrument in her high school music classroom and immediately began improvising on it. After a year at high school, Spalding left again to attend Portland State University and completed her bachelor's degree in three years. Almost immediately after graduation, she was hired by Berklee College of Music, becoming one of the youngest professors in the institution's history. She also toured in collaboration with other musicians including her former Berklee teacher Joe Lovano and mentor Pat Metheny. After this series of tours, Spalding released her first album, Junjo, in 2006 and her second, Esperanza, in 2008.Spalding cites jazz bassists Ron Carter and Dave Holland as important influences on her music; Carter for the "orchestration" of his playing and Holland for the way his compositional method complements his personal style. She has described the saxophone player Wayne Shorter as "one of my musical heroes". She has also noted her preference for the music of Brazil, a factor that has come across in her recordings.
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Esperanza Spalding nació en el año 1984 en un suburbio próximo a la ciudad de Portland en el estado americano de Oregon. Finaliza sus estudios de High School cuando tiene 16 años y posteriormente se gradua por la Berklee College Of Music, de la que se convierte en la profesora más joven de esta prestigiosa institución. Su ingreso en la Berklee College Of Music fué gracias a la recaudación económica de sus amigos y también fans que organizaron una serie de conciertos benéficos en favor de Esperanza Spalding al carecer ésta de medios. Su talento musical ha sido reconocido por artistas de la talla de Pat Metheny, Joe Lovano, Herbie Hancock o Patti Austin por citar a algunos artistas con los que ha grabado producciones musicales. Esperanza Spalding a parte de músico es también cantante y compositora. Su primer trabajo discográfico se tituló “Junjo“. Inicialmente y desde muy joven empezó a tocar el violín, pero los consejos de un profesor de música hicieron que se fijara en el bajo como instrumento al que se dedicaría profesionalmente. La joven bajista tiene una técnica y un dominio sobre el instrumento que hace que sus apariciones sobre un escenario sean espectaculares, no olvidando tampoco la forma tan especial que tiene de cantar e interpretar. En su primer trabajo se acompaña de músicos de origen cubano aportando éstos esos rítmos y sonidos latinos tan característicos del Caribe

Web Side: http://www.esperanzaspalding.com/

Sophie Milman



Sophie Milman was born twenty years ago in the Ural Mountains in the heart of Russia. Her family suffered through many personal hardships, lack of freedoms and repression. When the Berlin wall fell making it possible for them to leave, the family emigrated, were stripped of their Russian citizenship, and settled in Israel with a few dollars in their pockets, some Russian paintings, boxes of Russian books and some old jazz vinyl records. Although very young, memories of Russia, especially of her grandfather who was cantor at the their local synagogue, and Russian folk songs would have a profound influence on her.
Sophie Milman’s formative years were spent growing up in Israel. Her first musical stage experience was participating in a very children’s show called “Festigal” – young singers were featured covering many of the pop tunes popular at the time. Thousands of kids were auditioned all over the country and ten were chosen. She was part of the ten and toured with the show all over Israel. “Israel has affected me greatly. Life there gave me a totally different spin on the world. Once I managed to master the language and stopped feeling like an outsider, I made some wonderful friends. The endless security problem in that part of the world makes people very close, strong and intense. A big part of my personality, values and social sensibilities were formed there.”
Israel is where Sophie started listening to Jazz intensively. Mahelia Jackson, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Oscar Peterson, Count Basie, the Platters, Stevie Wonder, George Gershwin, Duke Ellington, Ray Charles; American music and especially the voices and sounds of African American musicians were her favourites. “The last few years of our stay there were amazing. Finally, I was content and felt that I have found my place in the world, so to speak. Then, at the age of 15, I found out that I had to be uprooted once again.”
“The move to Canada was a huge culture shock once again. I had already gotten accustomed to Middle Eastern temperaments and the Canadian social dynamic was very hard to get used to. For the second time in my life I had to start over: learn the language (I started in English as a Second Language Class) and find a social niche. However, it was after my move here, in grade 10 that I could finally express my love and appreciation for jazz. Linda Kreiner, my music teacher, gave me a solo on the music night about a month after the move. From that point on, for the rest of high school, I had lived from one music night to the other. Music gave me a sense of achievement, comfort and turned Canada from a foreign place into home. I love Toronto. I love the fact that you can find every type of music in this city: Funk, blues, latin, klezmer, swing, avant-garde jazz, cabaret and classical music, which I also love very much. We have awesome jazz musicians, a killer symphonic orchestra and a lovely opera company. I love Toronto’s openness to new styles and ideas. It creates such an eclectic and rich musical and cultural palette.”
Although Sophie always loved to sing, her professional career as a singer came about quite accidentally.
“Someone had told me that a man named Bill King was hosting a program called Real Divas at a local club, and that I should go in and sing a song. I went, sang a couple of songs, and got a great response from the crowd. Bill was very nice and asked me to come back the following week. A few days later, he called me and told me he wanted to book me for a gig. The week following my first gig, Bill took me to perform on City TV’s Breakfast Television and got me to sing at the release of the real Diva CD that same night, which was fabulous. It snowballed from there. TVO did a piece on me. Two gigs later Geoff Kulawick from Linus Entertainment came down to hear me sing, liked what he heard and offered me a recording contract.”
Plans for recording were started, with Bill King producing eight songs, and Danny Greenspoon four.
“We had just picked out the songs and I had a rehearsal with Bill King at his house a few days before the first recording session. When I walked into Inception Sound Studio, Bill was already there. So were Pat Labarbera, Rig Schwagger, Davide DiRenzo. All these fabulous players and I wasn’t sure if I was going to measure up. But everyone really put me at ease. Bill's arrangements were beautiful, the guys played their hearts out. It was wonderful working with Bill. Not only is he a monster player and producer, but he’s also extremely supportive and encouraging of young artists. Over the past few years, he has become my musical parent: he was the one who discovered me and gave me my first "break".....musically, he probably knows me better than anyone else, and it was an honour to have him produce this album.”
“Danny Greenspoon was fabulous. We decided to take a different, funkier approach on the songs that he produced. It was on these sessions that I started realizing what it is I want as a singer. My voice control improved immensely, as well as my ability to use a variety of colours and textures in my singing. Danny came up with some beautiful arrangements, and also used amazing players , including John Sheard, Artie Roth, Guido Basso, Rob Pilch, Phil Dwyer, Marc Rogers , Alan Hetherington, and Steve McDade. At this point, I was no longer intimidated, but was eager to learn anything I could from these incredible musicians. Working with such fantastic producers and musicians was inspiring, and I feel I've grown both as an artist and as a person."
The songs on the album include popular standards, undiscovered jazz gems, and original contemporary compositions that were selected by Sophie and the Executive Producer for the Linus label, Geoff Kulawick, along with the album producers.
“I recorded Agua De Beber because I love the sound and feel of the Brazilian samba. The simple sounds, the beautiful melodies and the rhythm totally appealed to me. Guilty, originally recorded by Billie Holiday, is a timeless song about unrequited love. You can hear the heartbreak and the hurt in the chord changes and the lyrics. La Vie en Rose is the quintessential love song. One really does see life through rose coloured spectacles when in love. I recorded this song out of respect for this innocent concept of “love”, out of my love for Edith Piaf and everything she represents and out of my lifelong passion for anything French. Back Home to Me is a new original song by two UK based songwriters that my Executive Producer presented to me. Danny arranged the song beautifully. I was always fascinated by how you can get a glimpse of the vulnerability and sensitivity of a relationship through a song. Gershwin’s The Man I Love is one of my favourite songs of all time. It represents the waiting, searching and yearning for that one relationship. Can’t beat a Gershwin. In its original and standard interpretation I never liked I Feel Pretty, because it seemed to me very presumptuous. Then I heard Sarah Vaughan and the song made sense to me. For me, it represents the high of infatuation and my happiness at being able to sing. I recorded Ochi Chernye, as homage to my birthplace.”

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La cantante de origen ruso Sophie Milman tiene la agenda cerrada hasta el mes de Febrero del año 2.009. No es de extrañar ya que esta joven de tan solo 25 años ha vendido más de 100.000 copias de su última producción discográfica que lleva por titulo “Make Someone Happy“.Ha recibido el galardón de más importancia de la industria discográfica de Canadá, The Canada´s Music Award, popularmente conocido como Juno Awards. El 16 de Julio arrancó la gira mundial por lo que Sophie Milman estará ocupada hasta principios del año 2.009, gira que recalará en Europa, Japón y Estados Unidos. El comienzo de su gira coincide, logicamente, con la promoción de su último trabajo discográfico que vio la luz en el año 2.007, álbum titulado “Make Someone Happy” y en el que se recogen 15 temas de los cuales los dos últimos, “Stay” y “Save Your Love For Me” son exclusivos para el modo Itunes. Temas como “People Will Say We´re In Love“, “Rocket Love“, “So Long, You Fool” o “Fever” dan buena cuenta de la magnífica voz de Sophie Milman. En la gira mundial que en pocos días arranca en la ciudad de Hollywood, la vocalista estará acompañada del compositor, multiinstrumentista y arreglista Cameron Wallis, Paul Shrofel al piano, John Fraboni se ocupará de la batería y Kieran Overs aportará el ritmo en el bajo.
Sophie Milman nace en Rusia emigrando con sus padres a Israel cuando tan solo tenía 7 años. Con 16 años decide emigrar junto a sus padres a Canadá para así comenzar una nueva vida. Sus inicios artísticos son consecuencia de la firma de un contrato que se rubrica poco después de terminar una serie de conciertos que tienen un rotundo éxito. La noticia se recoge en medios de comunicación tan prestigiosos como Jazz Times o The San Francisco Chronicle a la vez que comienza a realizar sus primeras apariciones públicas en canales de televisión como la CBC, la CTV, la BBC, The Entertainment Tonight o Bet Jazz. Asimismo ha compartido escenario con figuras de primer nivel musicalmente hablando, destacando a The Neville Brothers, Chick Corea, Aaron Neville o Jesse Cook. En el mes de Octubre del año 2.006 regresa a Toronto y se presenta con el espectáculo “Live At The Winter Garden Theatre” del que se graba en audio presentándose el CD en el año 2.007 y bajo el mismo titulo genérico. En pocas semanas se convierte en Nº1 en los Jazz Charts canadienses. Su primer trabajo discográfico y que llevó por titulo genérico “Sophie Milman” fue presentado en el año 2.004 vendiendo 100.000 copias en todo el mundo y posicionandose en el Top 5 en Canadá y el Top 15 en los Estados Unidos. Su más reciente trabajo, “Make Someone Happy“, obtuvo como reconocimiento un Juno Awards en la categoría de mejor álbum de Jazz vocal del año 2.008. Como adelanto de lo que será la gira de Sophie Milman, el tema “(It´s Not Easy) Bein´Green“, perteneciente a su último trabajo “Make Someone Happy“.

DISCOGRAFIA DE SOPHIE MILMAN

2.004. SOPHIE MILMAN. LINUS RECORDS.
2.007. LIVE AT THE WINTER GARDEN THEATRE. LINUS RECORDS.
2.007. MAKE SOMEONE HAPPY. LINUS RECORDS.

Melody Gardot


Melody Gardot is an American jazz singer and musician in Philadelphia, Pennsylvania. Born in 1985, she was disabled at 19, after being struck by a car while riding her bicycle. This event, though tragic, led to her recognition as a remarkable musician.
Her musical beginning was prompted by a tending physician who was concerned with her cognitive impairment as a result of head injury sustained in the accident. He believed music would help her brain injury drastically improve, as it has been known to show remarkable results in improving people's cognitive ability after such trauma. It helps by rebuilding the pathways within the brain which are necessary for recalling data. (Specifically in the areas of Memory, Calculating Data, Executive Functioning Skills, etc.) Speaking from British Columbia, Katherine Wright of the Music Therapy Association explains, "Music enables a person to reminisce and reconnect with her sense of identity. Songwriting is an excellent tool to use when working on concentration and other cognitive issues."
Following her doctor's suggestion, Melody Gardot made recordings bedside, while still unable to walk, and eventually released the works as an EP titled Some Lessons the Bedroom Sessions' . Gardot's desire to be well, combined with a bit of luck, brought her to the attention of a local radio DJ at the AAA station WXPN, known for launching the careers of artists such as Amos Lee and Norah Jones. She quickly gained public esteem both for her stunning music as well as her remarkable courage despite her afflictions.
City Paper Philadelphia even gave her a nod in their 2005 annual people's choice awards saying "To Our Eyes, nobody is a more inspiring, more talented fighter than singer/songwriter phenom Melody Gardot. She turned the pain of a life-changing car accident into surprisingly mature and utterly enthralling music". The Paper was the first to publish an article on the young girl. (see link below)
Her first full-length album, a follow-up to the EP Some Lessons, is entitled Worrisome Heart. The album features 11 original songs [iTunes US version omits the track "Wicked Ride"] written by Melody Gardot and was co-produced by both Grammy-award-winning producer Glenn Barratt and Melody Gardot. Performers on the album include not only the trio that accompanies her live, but also an impressive cast of musicians such as guitarist Jef Lee Johnson (Billy Joel, George Duke, Aretha Franklin, David Sandborn), organist Joel Bryant (Aretha Franklin, Harry Connick Jr.), and trumpeter Matt Cappy (Jill Scott, Kirk Franklin).
There are many variables that make performing nearly impossible for the young songstress. Still in her early twenties, Melody Gardot carries a cane and must wear dark glasses. She often has a little black box tied to her waist; called a TENS unit, it is used to alleviate neuralgic pain/muscle pain. She sits on a specialized chair while performing, owing to pelvic fractures sustained in the accident. Her pelvis remains misaligned, and she also suffers from an autonomic nervous system dysfunction, causing hypersensitivity to noise and sound.
Her ability to overcome her physical limitations, and her ability to write and perform despite her pain, make her an inspiration. However, her music, even without the associated back-story, is impressive all on its own: "Her EP “Some Lessons — The Bedroom Sessions” is in part a chronicle of her struggle to maintain her identity against the backdrop of disability. She has not exploited these circumstances, nor hidden them. It is all rather matter-of-fact. Yet even without the drama of her recovery, she would still have had plenty of interest from media and audiences, for she is truly a dynamic and sincere talent." - Montgomery Co. News
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A la edad de 19 años, Melody Gaadot sufrió un terrible accidente en su natal Filadelfia, cuando una camioneta la impactó mientras circulaba en su bicicleta. perdió la memoria corta, se lastimó los oídos y quedó paralizada de la cintura para abajo. Como parte de su terapia, un doctor le recomendó retomar la música como parte de su recuperación, sabía tocar el piano y había cantado de manera amateur solamente, nunca había compuesto una sola canción. La música obró milagrosamente y con otros métodos de terapia pudo recobrarse. Hoy necesita llevar lentes oscuros, usar bastón y lleva un cinturón especial que le proporciona impulsos eléctricos para aliviar el dolor que le acompaña desde entonces.

Ahora compone, toca la guitarra y canta en su disco titulado Worrisone Heart, dotada con una voz melodiosa y un estilo que combina Jazz, Folk y Swing irrumpe en la música contemporánea y acompañada de un grupo que privilegia lo acústico y pocos instrumentos, Gardot nos abre su corazón y nos entrega un paquete de canciones que nos recuerdan a Billie Holliday o Ella Fitzgerald. Cuando cantantes como Norah Jones y Diana Krall se estancan, se vuelven predecibles y repetitivas, aires frescos como los de Madeline Peyroux o Melody Gardot, nos abren nuevas posibilidades a los amantes del jazz moderno.

viernes, 14 de noviembre de 2008

Stacy Kent






Stacy Kent attended Newark Academy in Livingston, New Jersey. She graduated with a Degree in Comparative Literature from Sarah Lawrence College in New York, and moved to England after her graduation. While studying at London's Guildhall School of Music and Drama, she met the tenor saxophonist, Jim Tomlinson, whom she married on August 9, 1991.In the early 90's, Stacey began her professional career singing regularly in a popular nightspot, Cafe Boheme in London's Soho. Here a generation of young Londoners came to appreciate her unique, sophisticated and timeless approach to the Great American Songbook. After two or three years, Kent began opening for established jazz acts across the road at London's famous Ronnie Scott's nightclub.Her first CD, Close Your Eyes, was released in 1997. She has released five CDs since then, as of 2006, and has also featured on Tomlinson's albums, most recently The Lyric (2005), which won "Album of the Year" at the 2006 BBC Jazz Awards.Kent's music has been championed by critic and jazz trumpeter Humphrey Lyttelton, and she won the 2001 British Jazz Award and the 2002 BBC Jazz Award for Best Vocalist. She also presents jazz programmes on BBC Radio 2 and 3.At the 2006 BBC Jazz Awards, Jim Tomlinson announced that Kent had signed with Blue Note records label.Kent's album, The Boy Next Door achieved Gold album status in France in September, 2006.
Breakfast On The Morning Tram (2007) achieved Gold album status in France in November, 2007 and Gold album status in Germany in February, 2008.
Stacey appeared in Ian McKellen's 1995 film version of Richard III, singing a jazz version of Christopher Marlowe's poem The Passionate Shepherd to His Love.Booker Prize-winning novelist Kazuo Ishiguro wrote the liner notes to Kent's 2003 album, In Love Again. Ishiguro has co-written four of the songs on the fall 2007 Blue Note album Breakfast on the Morning Tram. One of the songs written by Ishiguro, "The Ice Hotel," with music composed by Jim Tomlinson won first prize in the International Songwriting Competition in April 2008.
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Neoyorkina de nacimiento y licenciada en literatura comparada, Stacey Kent es una gran cantante de jazz de vocación sobrevenida (entró en una escuela de música en Inglaterra casi por casualidad) y su progresión desde "Close Your Eyes", su primer disco grabado en el 97, ha sido extraordinaria. Admiradora de Joan Baez, Stacey logró su mayor éxito con su disco "The Boy Next Door", interpretando temas clásicos de diversos compositores que hicieron historia desde diferentes ambitos y épocas musicales. El 2004, Stacey realizó una gira por todo el mundo presentando su álbum posterior "Shall We Dance" y, en los tiempos muertos, fué dando cuerpo a su nuevo trabajo en compañía de Jim Tomlimson, saxofonista casado con Stacey desde el 91. En "Breakfast On The Morning Tram", interviene el novelista Kazuo Ishiguro componiendo la letra de algunos temas y, por supuesto, su marido Jim. Temas como "Landslide" (Stevie Nicks), "So Many Stars" (Sergio Mendes), "What A Wonderful World" (Louis Armstrong) y "Ces Petits Riens" (Serge Gainsbourg), interpretados con esa voz para nada poderosa, pero rica en matices y original como pocas, destacan en este nuevo y recomendable disco.

jueves, 13 de noviembre de 2008

Young Jazz Singer Competition

CONCURSO diciembre 2008
"BRUSSELS INTERNATIONAL YOUNG JAZZ SINGERS COMPETITION"
4ª edición de este concurso que reúne numerosos participantes de casi 22 países. Una nueva iniciativa del «Music Village» para promover el eterno jazz


The Winners 2005
First Prize
Georgia Mancio(UK)


Competition 2006
THE WINNERS
First Prize
Karnas Grzegorz(Poland)


Competition 2007
THE WINNERS
First Prize&Price of the Public
Lee Jihye(South Korea)


Información y concursantes de años anteriores

http://www.themusicvillage.com/

Jihye Lee



Jihye Lee started to learn jazz at the Seoul Jazz Academy in South Korea where she also obtained a basis in classical as well as traditional singing technique.
She obtained a bachelor degree in The Hague, where she studied mainstream jazz and bebop. She started to work on her own compositions influenced by traditional jazz, funk, Korean traditional music, free improvising music and modern art. In June 2008 she finished her master study at the Royal Conservatory in Brussels.

In 2007 she participated in the 3rd edition of Brussels International Young Jazz Singers Competition and had an honor to win the first prize and the prize of public.

For the moment she’s performing in Belgium with her own Quintet: Stefaan Debevere(Saxophones), Johan Sabbe(Piano),Mario Vermandel(Bass), Luc Vanden Bosch(Drums). And she has a plan to record her first CD.

Web Side:


http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=282603311

miércoles, 12 de noviembre de 2008

Karrin Allyson



One of the more impressive jazz singers to emerge in the '90s, Karrin Allyson is a great scat singer but also highly expressive on ballads. Born in Great Bend, KS, Allyson grew up in Omaha, NE, and the San Francisco Bay Area -- during which time she began taking classical piano lessons, in addition to performing as a folk singer and in an all-female rock band, Tomboy. Upon graduating from the University of Nebraska in 1987 (and receiving a degree in piano), Allyson sang regularly at a Kansas City nightclub owned by her uncle, a locale where Allyson decided to settle down and call her permanent home base. Signed to the Concord Jazz label, in 1992 Allyson issued her debut, I Didn't Know About You, which led to such accolades as being name-checked in Playboy's Annual Reader's Poll alongside such greats as Ella Fitzgerald and Shirley Horn. Subsequently, Allyson assembled a fine backing band consisting of fellow Kansas City musicians: pianist Paul Smith, guitarists Danny Embrey and Rod Fleeman, bassist Bob Bowman, and drummer Todd Strait, who have played on the majority of her recordings. Allyson continued issuing albums at a steady pace throughout the remainder of the decade, including such titles as 1993's Sweet Home Cookin', 1994's Azure-Té, plus a pair in 1996, Collage and Daydream. For her final release of the '90s, 1999's From Paris to Rio, Allyson decided to try something different and issued an album in which she sang lyrics in French and Portuguese, while covering a lot of ground stylistically (everything from a Jacques Brel cover to samba and bossa nova tunes). Allyson's next offering, 2001's Ballads: Remembering John Coltrane, proved to be one of the most acclaimed and successful of her entire career, as it earned a pair of Grammy nominations. For 2002's in blue, Allyson opted to cover other artists' material (Mose Allison, Joni Mitchell, George and Ira Gershwin, Blossom Dearie, Abbey Lincoln, Oscar Brown, Jr., and Bonnie Raitt), as the singer only penned one of the album's 13 tracks, a path she also followed two years later on Wild for You, which contained her versions of songs from artists she had grown up with, like Cat Stevens, James Taylor, and Mitchell. In 2006 she released Footprints, earning herself a Grammy nomination for Best Jazz Vocal Album. Over the years, Allyson has performed at some of the top concert halls in the U.S., including an all-star tribute to Ella Fitzgerald at New York's Carnegie Hall, in addition to playing alongside both the Kansas City and Omaha Symphonies

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Karrin Allyson, cantante estadounidense de jazz. Especializada en las baladas y aficionada al uso del scat, pertenece a la corriente principal del jazz.
Aunque nacida en el estado de Kansas, Karrin creció en Omaha y en el área de la Bahía de San Francisco, mientras aprendía a tocar piano clásico y a perfeccionar su técnica como intérprete vocal de música folk y de rock en la banda femenina Tomboy.
Graduada en la Universidad de Nebraska en 1987 (y especializada en piano), Allyson cantó habitualmente en un club nocturno de Kansas City regentado por uno de sus tíos, que terminó por convertirse en su centro de trabajo.
Tras firmar con Concord Jazz en 1992, Allyson debutó discográficamente con I Didn't Know About You, que fue un gran éxito. Después de ello, se hizo con el acompañamiento de un grupo de músicos originarios de Kansas que se convirtieron en habituales suyos: el pianista Paul Smith, los guitarristas Danny Embrey y Rod Fleeman el bajista Bob Bowman y el batería Todd Strait.
Su disco de 1999, From Paris to Rio, contiene canciones en francés y portugués, y cubre un amplia abanico estilístico desde Jacques Brel a la samba y bossa nova. En 2001 obtuvo el que probablemente ha sido el mayor éxito de su carrera al publicar, obteniendo dos nominaciones a los Grammy, Ballads: Remembering John Coltrane. En 2006 con Footprints, obtendría también una nominación a los Grammy por el Best Jazz Vocal Album.

Discografía

1992: I Didn't Know About You (Concord Jazz)
1993: Sweet Home Cookin' (Concord)
1994: Azure-Té (Concord)
1996: Collage (Concord)
1996: Daydream (Concord Jazz)
1999: From Paris to Rio (Concord Jazz)
2001: Ballads: Remembering John Coltrane (Concord Jazz)
2002: In Blue (Concord Jazz)
2004: Wild for You (Concord)
2006: Footprints (Concord Music Group)
2008: Songs of Brazil

Web Side:
http://www.karrin.com/

martes, 11 de noviembre de 2008

Eliane Elías (nota I)



Eliane Elias (born March 19, 1960 in São Paulo, Brazil) is a consummate Brazilian jazz pianist, arranger, vocalist and songwriter. Elias lives and works in New York City where she settled in 1981. Her music is readily recognizable by her use of jazz harmonies, her rich blending of rhythmic styles, and, occasionally, her voice.Elias started with the piano at age six. Her mother was a classical pianist who often played jazz records in the family home. Eliane studied at the Free Center of Music Apprenticeship in Sao Paulo. She started composing and, more notably, performing her own jazz pieces at seventeen. She became known to the Brazilian public when she joined Brazilian singer/guitarist/songwriter Toquinho and poet/entertainer Vinicius de Moraes, with whom she made concert tours, mainly through South America.
On a tour in Europe in 1981, she met jazz bassist Eddie Gomez and was encouraged to travel to New York. After moving there, she was invited to join Steps Ahead, and recorded one album with the group in 1983. After leaving Steps Ahead, she worked with trumpet player Randy Brecker, whom she subsequently married. They recorded an album named after their daughter, "Amanda". Starting in 1986, Elias became a successful band leader. In 1988 she was elected as "Best New Talent" by the JAZZIZ magazine poll of jazz critics.
She has recorded several notable albums, including one featuring duets with Herbie Hancock. Their 1995 disc "Solos and Duets" was nominated for a Grammy in the "Jazz instrumental video" category. In 1997, American musician Bob Brookmeyer dedicated a full album to his arrangements of Eliane's compositions, backed by the Danish Jazz Orchestra and published under the name of "Impulsive!", which received another Grammy nomination as "Best Large Jazz Ensemble Album" in 2001.
Starting with the 1990 album "Eliane Elias Plays Jobim", from time to time she has added her own vocals to her recordings. She was one of the featured artists in the Latin jazz documentary, Calle 54, released in 2000. Elias' 2006 album "Around the City" included no less than Vicente Amigo and Oscar Castro-Neves in the guitar roles. Her most recent release, "Something For You" (2007) is dedicated to the music of her much-admired Bill Evans, whose works she played and also transcribed when still a child, and whom she regards as a considerable and highly valuable influence on her musical upbringing.
Elias is currently married to bassist Marc Johnson (a close friend of Bill Evans, and part of his trio in his last years), with whom she has produced several albums. They regularly perform together in concert tours, both in the U.S. and abroad.

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Con doce años ya tocaba obras de Art Tatum y Bill Evans. En 1981 se trasladó a New York persiguiendo una ilusión que pronto se hizo realidad. Allí entró a formar parte del grupo "Steps Ahead", con Eddie Gómez, Peter Erskine, Mike Mainieri y Michael Brecker hasta su debut como solista en 1986. Natural de Sao Paulo (Brasil), nacida en 1960, Eliane Elías, es una pianista versátil, además de compositora y cantante, capaz de enfrentarse por igual al jazz más ortodoxo, a la música clásica o a la música popular sudamericana. Pero sobre todo es una pianista de jazz en el más estricto sentido de palabra, con una gran facilidad improvisadora y una exquisita técnica, plagadas de un enorme contenido emocional y lírico que brilla de forma extraordinaria cuando incorpora a su repertorio temas brasileños -ya con diecisiete años acompañaba a Toquinho y a Vinicius de Moraes en sus recitales-, piezas de Jobim, Iván Lins o Milton Nascimiento, sinuosas líneas cromáticas por las que se desliza con inteligencia y maestría. Sus discos, "Plays Jobim", "Paulistana", "Fantasía" o "Sings Jobim" para el sello Blue Note, son ejemplos ilustrativos al respecto. Además de su faceta como profesora de piano en el Lincoln Center de Nueva York, como miembro de la Asociación Internacional de Educadores de Jazz, de entre sus últimos trabajos discográficos y colaboraciones, destacan: sus grabaciones con Toots Thielemans en "Brazil Project" o con Joe Henderson en "Double Rainbow". Un estupendo disco, "Solos & Duets", compartido con Herbie Hancock. Su presencia en la película y disco sobre el jazz latino, "Calle 54", de Fernando Trueba y su reciente "Everything i Love", un brillante recorrido musical de trece baladas de amor, en el que vuelve a reunir a dos secciones rítmicas excepcionales: Marc Johnson y Jack DeJohnette, Christian McBride y Carl Allen, con composiciones propias y de clásicos como Porter, Berlin o Gershwin.

lunes, 10 de noviembre de 2008

Miriam Makeba


Miriam Makeba (It’s born in Johannesburg the 04 March 1932 - It dies in Castel Volturno, 10 November 2008)
South African diva Miriam Makeba is well known throughout the world known as the Mama Africa and the Empress of African Song. Born in 1932 in South Afica, she first came to the public's attention as a featured vocalist with the Manhattan Brothers in 1954. She soon left to record with her all-woman group the Skylarks while touring Southern Africa with Alf Herberts' African Jazz and Variety, an 18 month tour that launched the careers of many African artists. In 1959, Makeba's incredible voice help win her the role of the female lead in the show, King Kong, a Broadway-inspired South African musical. She then went to conquer America where she sang at President Kennedy's birthday and worked in New York with Harry Belafonte creating such classics as "The Click Song" and "Pata Pata". In 1963 she testified about apartheid before the United Nations, as a result the South African government revoked her citizship and right of return. She stayed in the U.S. and married Stokely Carmichael, a Black Panther leader. That began her exile from her South African homeland. After harassment by U.S. authorities she fled to exile in Guinea. Makeba returned to world prominence when she performed with Paul Simon on the Graceland tour. Finally in the late 1980's she returned to her homeland as a free South African.
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Miriam Makeba, (Nace en Johannesburgo el 4 de marzo de 1932 – Muere en Castel Volturno, 10 de noviembre de 2008)Aunque pasó su infancia en Pretoria (en el Transvaal), Makeba comenzó a cantar en la década de 1950 con el grupo Manhattan Brothers, tras lo que fundó su propia banda, The Skylarks, que mezclaba jazz con música tradicional surafricana.Después de ver que no podía llevar a cabo en su país la carrera musical que ella quería por su activismo comprometido, la cantante viajó a Venecia para después conseguir llegar a Londres, donde conoció a Harry Belafonte , quien le ayudó a entrar en los Estados Unidos. Sin embargo, la vigilancia del FBI estadounidense obligó a Miriam y a su marido a trasladar su residencia a Guinea Conakry, donde residió hasta su regreso a Sudáfrica el 10 de junio de 1990 tras la excarcelación de Nelson Mandela, quien tiempo después le ofreció participar en su gobierno.Icono de la lucha contra el apartheid en su país, Makeba, marginada durante más tres décadas por el régimen racista sudafricano, siempre estuvo comprometida con la lucha por los derechos civiles y contra el racismo, una entrega que llevó a cabo hasta el último momento de su vida.La cantante, conocida también como «la mamá de África», supo llevar como nadie al escenario las tradiciones y los trajes típicos de su tierra en espectáculos donde su voz cálida y su grande presencia eclipsaban a los instrumentos étnicos que la acompañaban.Logró su máxima popularidad con el inolvidable tema "Pata Pata", que fue difundido en diferentes paises del mundo alcanzando los primeros lugares en los ranking de música pop.-[]Falleció en la localidad de Castel Volturno (sur de Italia) a causa de un paro cardiaco que se produjo tras un concierto contra el racismo y la mafia en el que participaba la conocida como «la voz de África».En el año 2001, fue galardonada con el premio de la paz Otto Hahn, otorgado por la Asociación Alemana de la ONU. En 2002 fue galardonada con el Polar Music Prize que otorga la Real Academia Sueca de Música.Por su dedicación y lucha para mejorar los problemas que aquejan al continente, Miriam Makeba pasó a ser conocida Mama África.

miércoles, 5 de noviembre de 2008

Susana Raya

La cantante y guitarrista, Susana Raya, nace en Córdoba en 1976 (España). Obtiene grado medio de guitarra clásica y se perfecciona con Leo Brouwer, Robert Ransley y Kiko Aguado. Ha estudiado canto moderno en la Escuela de Música Creativa de Madrid con Quez y ha realizado master class con la cantante portuguesa Maria Joao. Se inició en la música como cantautora, con unas composiciones que le han llevado a ser finalista de la prestigiosa Muestra Nacional de Canción de Autor "Cantigas de Mayo" en la edición 2003. Lideró un grupo pop con el que llegó a editar un disco, Romper el hielo bajo el sello Onia Música. Colabora en "Dominio Público" del cantautor Miguel Herrador y "Sensazione" de Flow, del grupo: Acuarela. En el terreno jazzístico, forma parte del proyecto cordobés, "Qu Jazz" con el que llegó a conseguir importantes premios en conciertos y festivales, entre ellos, el ser declarado mejor grupo español de jazz en la II Concurso Internacional de Interpretes de Jazz celebrado en Granada en 2003. Durante bastante tiempo mantiene un dúo a piano y voz junto a Angel Andrés con el que han participado en la Muestra Internacional de Jazz de Ibiza 2002 y diversos clubs como Altxerri en San Sebastián, Café España en Valladolid y "El Quiñón" donde estuvieron acompañados por Javier Colina y Guillermo Mcgill. Ha colaborado recientemente con la Orquesta de Córdoba en la obra La Dolce Vita del compositor Nino Rota en la que interpretaba el papel de guitarra eléctrica.
Sus trabajos le llevan de una a otra parte de Andalucía, y así es fácil verla actuar asiduamente en el club sevillano de Jazz: Jazz Corner junto al grupo liderado por el multiinstrumentista, José Antonio Maqueda.

Susana Raya obtiene el 2º Premio en el 11º Concurso de Cantantes de Jazz Lady Summertime - Finlandia, celebrado en Hämeenlinna (Finlandia - 2006).

Ladies summertime 2008

LADY SUMMENTIME

13th International Jazz Singer Contest - 10, 11, 12 July 2008, Kajaani, Finland.


1th Anne Czichowsky, Germany - 2nd Kristina Svolkinate, Lithuania (on the right) - and 3rd Anna Buturlina, Russia (on the left).





Kristina Svolkinate (LIT), Bazak Yavuz (TUR), Brita Attlesdotter Hansen (NOR), Anna Buturlina (RUS), Anne Czichowsky (GER), Lucia Luzinska (SLO), Tuasofia (FIN), Leniye Izmailova (UKR), Viktoria Vasjura (EST), Anna Rejda (POL), Ana De Lois (ESP), Izabela Geambasu (ROM), Marion Ross (ISR), Tiia Marjanen (FIN), Raimonda Vaiciute (LIT), Maija Gaile (LAT), Angelica Matveeva (SWE)

Carmen Bradford


Born in Austin, Texas and raised in Altadena, California, Carmen Bradford grew up with music in her home, and in her heart. The daughter of legendary trumpeter/composer Bobby Bradford and world renowned vocalist Melba Joyce, it was only natural that Carmen followed in the footsteps of her musical parents. She has since carved out a place in music history for herself, one that is still growing and evolving, and is playing an integral role in this uniquely American art form called jazz. The featured vocalist in the legendary Count Basie Orchestra for nine years, Carmen was discovered and hired by Mr. Basie himself. She has since performed and/or recorded with; Frank Sinatra, Nancy Wilson, Herbie Hancock, Lou Rawls, Wynton Marsalis, Tony Bennett, James Brown, George Benson, Doc Severinsen, Willie Nelson, Lena Horne, Regina Carter, Patti Austin, The Lincoln Center Jazz Orchestra, Joe Williams, and many others. Carmen performed on two Grammy Award winning albums with the Basie band in the eighties, and later collaborated on a third Grammy Award winning album, “Big Boss Band”, with guitarist George Benson in 1991. Their celebrated performance of that classic duet, “How Do You Keep The Music Playing?” on the Johnny Carson Show that same year brought Carmen into homes across America in a way they had never seen her before.Carmen’s solo career took off with her critically acclaimed debut album “Finally Yours” (Evidence Records) in 1992, and began another chapter in her illustrious career. Her follow-up solo release “With Respect” (Evidence Records) in 1995, established the Los Angeles based singer as one of jazz music’s most diverse and exciting vocal stylists—and proved to the world that Carmen Bradford was a unique voice in jazz in her own right. Returning to collaboration and making more history, Carmen teamed with singer Kenny Rankin for the Benny Carter Songbook Project. “What an honor!”, she exclaimed as she looked around the room at the many faces of music history involved in the making of this special album; Joe Williams, Ruth Brown, Bobby Short, Peggy Lee, Shirley Horn, Jon Hendricks, Dianna Krall, Dianne Reeves, and many more. Carmen was chosen to sing “Key Largo” for the Grammy Award winning album. Her performance on “The Benny Carter Song Book” marked Carmen’s fourth studio collaboration that would shine in the Grammy spotlight. Carmen has also on occasion lent her voice to the music of Hollywood films, she sang on the haunting soundtrack for Oprah Winfrey’s “Beloved”, and also Dori Caymmi's modern re-working of legendary movie theme songs entitled “Cinema”. Caymmi's brilliant arrangement of Bonfa's classic “Black Orpheus” required Miss Bradford to render the lyrics in Portuguese.Carmen completed a recording and performance project for education with Wynton Marsalis and The Lincoln Center Jazz Orchestra entitled "Essentially Ellington". She also teaches privately when her schedule affords her the time.“Home With You” (Azica Records), a warm, beautiful collection of piano/vocal duets with pianist Shelly Berg, is Carmen’s latest solo recording. The album is yet another departure for Carmen, offering her fans a stripped down, intimate portrait of the artist they have grown to love. At present Carmen performs often in support of her new duets album with Mr. Berg, and also with her trio, and still performs with the legendary big-bands; Doc Severinsen and his Orchestra, The Count Basie Orchestra, The Lincoln Center Jazz Orchestra, and many others.

Nina Simone

Nina Simone (1933 – 2003). El 21 de abril de 2003 fallecía en su casa, cerca de Marsella (Francia), la gran cantante afroamericana Nina Simone que, como nadie, había sabido ser fiel intérprete de su pueblo, oprimido y marginado. Su verdadero nombre era Eunice Kathleen Waymon, y había nacido el 21 de febrero de 1933 en Tryon, Carolina del norte, una población segregacionista. Era la sexta de ocho hermanos dentro de la familia de un obrero manual y una sirvienta doméstica. Niña prodigio, ya tocaba el piano a la edad de cuatro años y junto con sus hermanas cantaba en el coro de la iglesia metodista que su madre dirigía. En 1943, cuando tenía 10 años, dio su primer concierto de piano en la biblioteca de la ciudad. Allí conoció su primer aplauso y su primer choque con el racismo: durante el concierto quitaron a sus padres de la primera fila del local para acomodar a un grupo de blancos. Este episodio fue la primera de una cadena de experiencias traumáticas para ella y está, sin duda, en el origen de su compromiso con la lucha por la libertad y por las reivindicaciones de los negros en Estados Unidos. Con la ayuda económica de su profesor de música, pudo estudiar en la escuela de música Julliard de Nueva York, y de allí su familia se trasladó a Filadelfia, donde intentó conseguir una beca para el Instituto Curtis, pero fue rechazada por el color de su piel. A pesar de que tenía una formación pianística clásica, para mantener a su familia tuvo que empezar a trabajar en 1954 en un club de Atlantic City como cantante. Fue entonces cuando cambió su nombre por el de Nina (tomado del castellano para definirse como la pequeña) Simone (de la actriz francesa Simone Signoret). En 1959 grabó sus primeros discos para el sello Bethlehem, filial de R&B. En ellos dio muestras notables de su talento como pianista, cantante, adaptadora y compositora. Algunas canciones se convirtieron en clásicos de su repertorio. La canción I Love You Porgy, de la ópera Porgy and Bess, de Ira y George Gershwin, la convirtió de golpe en una estrella, vendiendo un millón de copias. Desde estos primeros registros, su repertorio se llenó de jazz, gospel, blues, soul, música clásica y canciones populares de origen diverso, recorriendo una gama muy amplia en su repertorio en una amalgama totalmente personal, cálida y de enorme expresividad. Su forma de tocar el piano es decisiva en muchas de sus interpretaciones, pero especialmente en la conocida My Baby Just Cares For Me. La influencia de Duke Ellington es patente en toda la obra de Nina, pero muy especialmente en este tipo de composiciones, rebosantes de improvisación y de cercanía espiritural. Nina logra la complicidad del oyente con un empleo intencional de los silencios y minimizando el acompañamiento. Su voz a veces sólo susurra, pero luego grita o gime, transmitiendo todas las sensaciones que el alma humana es capaz de experimentar. No le gustaba que la compararan con Billie Holliday, por su adicción a la heroína. Tampoco le gustaba que le encasillen como una cantante de jazz, porque decía que era el destino natural que los blancos reservan a los músicos negros. Por eso cantó versiones propias de canciones de muy variado origen, como alguna de Kurt Weill y Bertol Brecht, Ne Me Quitte Pas de Jacques Brel en francés, Suzanne de Leonard Cohen, cuatro de Bob Dylan, Here Comes The Sun, de los Beatles, My Sweet Lord, de George Harrison, contribuyó con Pete Townsend en el musical Iron Man, en 1990 grabó con Maria Bethania, en 1991 con Miriam Makeba... Fue la primera que en 1961 grabó la canción tradicional The house of the rising sun (La casa del sol naciente) que luego fue también interpretada por Bob Dylan en su primer álbum de 1962 y posteriormente por The Animals en 1963, alcanzando una enorme popularidad. Pero Nina no buscó nunca la fama ni el dinero, sino poner su enorme talento musical al servicio del pueblo oprimido norteamericano. Tras los asesinatos de Medgar Evers en Mississippi (junio de 1963) y cuatro niños negros al ser bombardeada su escuela en Birmingham, Alabama (septiembre del mismo año), compuso Mississippi goddamn, su primera canción de protesta, una acusación amarga y furiosa de la opresiva situación de los afroamericanos en Estados Unidos. Temas compuestos por ella en 1966, como Four women, se convirtieron en emblemas de las luchas de los años sesenta en Estados Unidos. La interpretación de esta canción fue prohibida en Filadelfia y en las emisoras de radio de Nueva York por injuriosa. Sin embargo, se trata de una balada emocionante y llena de sensibilidad. Otra canción de protesta de aquellos años es Backlash Blues, basada en un poema escrito para ella por Langston Hughes. Militante del movimiento de Panteras Negras, otro impresionante tema suyo, Young, gifted and black (Joven, dotado y negro), inspirada por Lorena Hansberry, se convirtió en el himno afroamericano. Fue también una estrecha colaboradora de James Baldwin, Sammy Davis Jr. y Harry Belafonte. Pero también nos sorprende cuando canta acompañada únicamente de su piano, como en el álbum Nina Simone and piano, una colección introspectiva de canciones sobre la muerte, la soledad y el amor, que sigue siendo un resplandor en su carrera discográfica. Harta del racismo y del estercolero del mundillo musical americano, Nina renunció a su país en 1969, tras el asesinato de Martín Lutero King. Se convirtió en una trotamundos. En 1974 se fue a Barbados y durante los años siguientes vivió en Liberia, Suiza, París, Holanda y finalmente en el sur de Francia, en donde falleció. En 1978 fue detenida a causa de su boicot al pago de impuestos para financiar la guerra de Vietnam. En 1984, la canción de su primer disco, My Baby Just Cares For Me, se convirtió en un éxito enorme al aparecer en el anuncio televisivo de un perfume de Chanel. La canción había sido escrita para la película musical Whoopee en 1930, una obra de Thornton Freeland y Eddie Cantor que fue cantada y bailada por Ethel Shutta. Luego, en los años cincuenta, la canción estuvo en el repertorio de Frank Sinatra. Nina la grabó en su primer álbum, publicado en 1959. En 1989 publicó su autobiografía, I Put A Spell On You, traducida al francés (Ne Me Quitte Pas) y a otros idiomas.

Betty Roche

Betty Roche (09 de enero de 1920) fue criada en Atlanta City y trasladada a New York en 1939, la cantante Betty Roche, perteneció entre 1941 y 1942 al grupo los "Savoy Sultans". En una de sus actuaciones la oyó cantar Duke Ellington, y Betty Roche se convirtió en 1943 en la primera mujer cantante que interpretó la parte del Blues en la suite Black, Brown and Beige, durante un concierto en el Carnegie Hall en 1944. Ocupó en la banda de Ellington el lugar dejado por otra magnifica cantante ellingtoniana: Ivie Anderson.
Su excelente interpretación en la banda de Ellington y su repercusión publica posterior al concierto, le permitió granjearse la estima de la critica especializada que siempre la consideró como una de las mejores cantantes que tuvo la gran orquesta de Ellington. Tras su paso por la banda del "Duke", Betty Roche empezó a trabajar en solitario, y al año siguiente grabó una versión del tema "Trouble Trouble" para la serie "V-Disc" la marca discográfica que la compañía RCA-Victor sacó especialmente para divertimento de la tropa americana desplazada en Europa con motivo de la II Guerra Mundial. Una vez terminada la contienda y pasada la depresión económica, Betty Roche colaboró a lo largo de la década de los cincuenta con la orquesta del pianista, Earl Hines, con quien llego a grabar algunos álbumes de gran interés, entre ellos: "I Love My Lovin' Lover".
Tras un breve paso por la orquesta de Earl Hines, volvió a colaborar con Ellington en 1952 durante todo el año y a partir de mediados de los años cincuenta desapareció de la escena musical. Ya solo reaparecía fugazmente para acompañar a Mel Tormé en alguna ocasión. En esa nueva etapa, grabó con Ellington el disco: Ellington Uptown para Columbia en 1953. Su lugar en la orquesta de Ellington, fue ocupado por la cantante Joya Sherrill. Sólo grabó a su nombre cuatro álbumes, siendo el ultimo de ellos, el realizado en 1961 un disco con el contrabajista, Wendel Marschall para el sello Prestige, siendo ésta su ultima visita a los estudios de grabación.
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Betty Carter


Betty Carter, (nació el 16 MAYO de 1930- Falecida en NEW YORK), creció en Detroit cantando en clubes y acompañando a los músicos de bebop que visitaban aquélla populosa ciudad. Así tuvo la fortuna de actuar delante de Dizzy Gillespie o el propio Charlie Parker. Siguió los pasos de Dinah Washington y se unió en 1948 a la banda de Lionel Hampton. Para entonces, Betty Carter, utilizaba el nombre artístico de Lorraine Carter y sería el mismo vibrafonista quien le sugirió que se cambiara el nombre al que se le conoce mundialmente y que se debió al apodo por el cual se la conocía en el mundillo artístico:"Betty Bop"
Betty Carter, abandonó la banda de Lionel Hampton en 1951 y decidida a iniciar en solitario su carrera de cantante. Una grabación realizada en 1961 a dúo con Ray Charles, apoyados ambos en una bigband, sigue siendo uno de los puntos culminantes de su carrera. Consigue con su manera de cantar, llegar mas allá del público de jazz, pero tras un periodo casi desértico en cuanto a grabaciones se refiere, en los años setenta reanuda su carrera formando su propio trío y fundo su propia compañía discográfica: "Bet-Car Records".
En los años ochenta y con una justísima fama de cantante extraordinaria, era aceptada a ambos lados del Atlántico y en Japón era casi venerada. Su estilo, basado en la improvisación, se convirtió en una seña de identidad de su música y era justamente muy valorada. Al frente de su trío grabó en sus últimos años grandes discos junto a los mejores instrumentistas del jazz.

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